时间：2022-05-22 05:30:52
导语：在钢琴教学技巧论文的撰写旅程中，学习并吸收他人佳作的精髓是一条宝贵的路径，好期刊汇集了一篇优秀范文，愿这些内容能够启发您的创作灵感，引领您探索更多的创作可能。
摘要：本文从影响钢琴音色若干技巧的不同角度、力度、触键、运用方式等方面分析入手，强调正确的触键对钢琴艺术表现力的重要性，同时阐述踏板是处理钢琴乐曲的不可或缺的重要工具，在钢琴音乐的表现中同样发挥着举足轻重的作用。
【关键词】钢琴；触键；音色；演奏技巧
中国分类号：J624.1
钢琴基本技术包括音阶、和弦、琶音、八度等技巧，也就是人们常说的“基本功”，是钢琴学习中最为重要的内容之一，但不少钢琴学习者都对这些内容缺乏认识或不感兴趣，没有予以高度重视，以致在钢琴学习中遇到越来越多的技术障碍。所以，只有当你正确认识学习基本技术的意义和作用，并用正确的方法进行练习，打好钢琴演奏的基本功，才能轻松愉快、得心应手地去弹奏各种高难度的艺术作品！
一、音色
好听的声音是不同力度、不同色彩、不同情感处理的结合体，各种节奏、乐句的相互结合、相互对比、相互表现。弹奏出好听的琴音除了对钢琴质量、质地、音色好坏的要求外，还和钢琴演奏者演奏技巧有着很大的关系，是受钢琴演奏者的演奏技巧改变而改变的，与节奏、力度、触键方式、情感处理有着直接的关系，我们听到的悦耳琴音都是演奏者演奏钢琴时各个方面的完美结合，恰到好处的表现。优美悦耳的音乐会让人们心情舒畅，浮想翩翩，缓解疲劳，给人以美的享受。
刺耳的琴音除了钢琴本身的质量、音色的缺陷外，主要是由于手臂手指的错误触键，用力方法不得当，一成不变的力度、速度，对作品死板生硬的理解等等方面造成的。一般都表现为演奏者弹奏钢琴时对音乐内容的不理解，不注重力度、色彩的变化，连音、断音不清晰，乐句、乐段不明朗，有的甚至把所有激昂高潮段落都一味的理解为激动、飞速，抒情缓慢的乐章理解为沉重、深沉。还有的弹奏乐曲时甚至对谱面都没有要求，节奏不稳、章节混乱，没有感情，弹奏出来的
音色尖硬、刺耳，该轻的弹不轻，该重的弹不重，速度控制不住等等。
二、触键
触键的方式多种多样，弹奏出来的音色也丰富多彩，针对不同的作品，它有不同的触键要求，怎么来进行衡量、界定，需要我们进一步的“具体问题具体分析”。为提高钢琴演奏的音色，我们可从以下几方面着手：改变手指的触键部位，从用指尖触键到用指面部位触键。改变手指的触键高度，提高手指触键对下键的速度有重要作用，如要得到明亮的颗粒性声音，常需手指的提高。而对声音柔美的连奏则不需提高手指，要求以平稳的贴键方式触键。改变手指的触键速度，缓慢的触键速度是创造柔和歌唱性声音的关键因素。
练习方法：让手处于正常的弹奏姿势，手背和腕背几乎在同一水平面上，手指贴住键盘，手腕在抬高和放下的动作中必须始终放松，手指始终贴键，手指稳固而略呈弯曲。
（1）断奏：每弹一个音符，手指都迅速按下键，并在发出声音的那一刻立即松开，这样手指就缩回到键上，手腕始终保持平稳，同时无僵硬之感。
（2）连奏：也象前面一样，每个音都要弹出，但是音必须保持住。手指所用的压力只须阻止琴键弹回即可。在向下一个音进行时，前臂略向右转动。这样当一个键松开时，另一个键正好发出声音。目前指力触键主要用来演奏精致典雅的乐段或创造纤弱的伴奏效果。一旦要求较重的音响时，指力触键就会被其他更为有力的触键方式所代替。
三、练习方法
在各类触键方式中运用最广的是“手力触键”。顾名思义，手力触键的主要特点就在于手的朝下动作。把前臂与手在你前方水平地抬起，然后迅速朝下甩，甩得尽可能远。手臂甩完后如果不受阻挡的话，会在空间自然地消耗能量。
练习方法：手放在键盘上。手腕放松，手指稳固。拇指举起离琴键约1/4英寸高，手朝键上和键里用力，使拇指击下琴键。这时手腕会立即向上拱起约1英寸高。然后立刻放松，回到原先的位置。这样就形成了断奏效果。在每一个下键动作中都要强调手腕的向上运动。也可用同样的方式来练习连奏，但手朝下面一个音的方向稍稍转动，手腕每次向上拱起后，应立即回到原先的位置。练习时须遵循下列四个要求：
（1）上臂保持放松，肘部在体侧。
（2）前臂稍抬起，以使手腕活动自如。
（3）手腕保持彻底放松。
（4）手指下键要稳固，否则会变为在琴键上纯粹地拍打。
手腕放松而手指稳固是触键中最难达到的要求。造成演奏僵硬和滞重的主要原因往往就是没有做到这一点。手力触键有着广泛的用途，如演奏各种音阶、琶音以及其它复杂音型的快速乐段等等。这些乐段所要求的音量比仅靠指力触键产生的音量大。
触键方式就是突然落下前臂或全臂，以使所要弹的那个键或几个键在这个下落动作中被推下。这种触键后的最终姿势就是手和手臂都从键盘上往下垂挂着。臂落触键也是从正常的弹奏位置开始的，但这时手腕在声音发出的那一刻略微向上拱起的力量已远远无法与臂重的力量相抗衡，所以手腕只好下落而非抬起。也可用臂落触键弹出断奏效果，只要手指在声音发出后立即放松。但是“粘着力强”是这种触键方式的主要特点，所以臂落触键最好用于音的保持或连奏效果。
手腕的上下动作分成两种，一是由整个手臂协调带动下的上下动作；二是手腕独立动作的上下动作。 由整个手臂协调带动上下动作，即一般称之为“落滚”式的动作。这种落滚式动作的练习，可使手臂手腕与手指协调一致，放松自如。僵硬的手腕往往通过这种方式的活动得到改善，变得柔韧。我们一般说弹钢琴用手腕呼吸，就是指这种手腕提起，再落下的小小的间隙，与歌唱中的换气有同样的效果。
四、结语
影响钢琴音色的主要因素有很多种，大致分为：触键、手指手腕的运用、踏板三大方面，本文中笔者从自身十几年的学琴经验技巧出发，翻阅大量的文献资料，结合自身的学习技巧从弹奏钢琴时手指触键的方式、触键时力度的作用、触键时用力部位的不同运用、指力触键、手力触键、弹奏时手臂手指的运用技巧、臂落触键、全臂触键、手腕的上下动作、合理的运用踏板等方面来简单的浅析了这些问题，在弹奏作品中对力度的把握，节奏时值以及感情的处理都简单的做了说明，希望对初学者在弹奏钢琴时能弹奏出好的音色有一定的帮助。
摘要：钢琴的演奏技巧与乐感之间实际上是相互依存的，二者之间相辅相成，相互渗透和相互补充，乐感的培养和训练也是基于正确的演奏之上。所以我们必须正确对待钢琴演奏技巧与乐感之间的相互联系，并且将他们很好地融入到教学应用当中。本文将针对钢琴演奏技巧与乐感之间的相互联系进行简单分析，并就其在教学当中的应用思路进行探讨。
关键词：钢琴 演奏技巧 乐感 联系 教学 应用
在钢琴教学当中，教师普遍传授给学生的都是最基本的演奏技巧，例如熟悉琴谱、练习指法等等，而学生掌握了这些最基础的技巧之后，就可以更好地领悟乐曲，从而培养和形成独特的乐感，更完美地诠释音乐。学生伴随着乐感的不断提升，就可以在音乐的表现能力上显得更加游刃有余。所以不难看出，钢琴演奏的基本技巧是形成乐感的重要保障，二者之间是相互促进共同发展的。
一、钢琴的演奏技巧与乐感之间的联系
技巧与乐感是一对相互依存的关系，二者之间很难说缺少哪一部分乐曲的演奏还会成功。乐曲的表现和情感的流露是通过扎实的演奏技巧来体现的，只有技巧足够成熟，才可以更好地培养乐感，进而形成自己对乐曲独特的见解和理解，演奏出自己真实情感的乐章。
（一）正确地将乐曲进行划分是乐感培养和表现的首要因素
其实，所谓的将乐曲进行划分，就好比我们人类平时的呼吸一样，总需要有一个停顿和喘息的时间。一首很长的乐曲我们不可能没有停顿的演奏下来，每一小节与每一小节之间都有着相应时间的停顿，几个音符之间也要有恰好的停息，这些停顿在很多时候是需要我们自己去掌握的。所以能够很好的将乐曲进行划分和停顿，对于乐感的培养有着非常重要的意义。
一般而言，在音乐的演奏当中，划分的标准也就是停顿的瞬间和我们语文当中的标点符号是有异曲同工的，不同的符号有着不同的表现效果和演奏要求。所以我们大多情况下从乐曲的分句上就不难看出来演奏者的情感和意图。例如当一小节当中出现了连音符号的时候，我们必须清楚这就要求在演奏的时候表现出一种流畅、柔美、连续的感觉；而断奏符号通常是要让我们表现出一种有力、刚强的情感。所以不同的情况就要求我们有不同的表现方式，进而形成自己独特的音乐理解能力。
（二）速度和节奏要力求准确，才可以更好地保障乐感的培养
我们说乐曲的划分和停顿是乐感培养的基础和首要因素，那么节奏和速度的掌握在乐感培养当中也是非常重要的保障。对于一首乐曲而言，演奏者将它诠释不同，或许我们欣赏者就会产生完全不同的理解。无论是哪种音乐，掌握了它的节奏都是非常重要的。对于一些节奏较快的音乐，我们必须在演奏的速度上进行提升，这就会给欣赏者带来一种欢快或者是比较高亢的感觉。而一些节奏非常舒缓的音乐，我们在演奏的时候，速度必然会慢下来，这就会为我们营造出一种比较柔情的感觉。有一些教师在教学的时候，非常严格的要求学生，甚至过于死板，他们明确的要求学生按照定下来的拍子和节奏来进行演奏，笔者认为，这种方式也并不完全是正确的。我们依照乐谱的拍子进行教学和练习是没有错的，但是好的音乐往往都是融入了演奏者自己的情感和自身对于乐曲独特的理解，所以我们可以适当地对一些拍子的节奏进行改变，以便更符合自己对乐曲的诠释和理解。
实际上节奏的训练在我们的生活当中是最为普遍和容易的。举一个最为恰当的例子，在原始社会，那些原始人根本不懂得什么叫做音乐，什么叫做节奏，更没有乐器供他们演奏和使用，但是他们却可以不断的敲击石头或者是拍手打出节拍，进而跳起舞来，这实际上就是节奏。所以可见节奏在乐曲当中的重要性，也在乐感的形成和培养当中有着非常重要的作用。
（三）在演奏的过程当中力求不拘一格，这也是形成乐感的重要条件
我们都知道，每一首乐曲在进行创作的时候，都有着不同的情感和含义，同样的一首曲子，可能不同的人来演奏，就会有不同的理解和不同的情感。所以我们就是要培养学生在演奏的过程当中形成不拘一格的演奏方式，通过自己的理解对乐曲进行独特的诠释和表现。
另外我们还要清楚地看到，不同的乐曲在创作的时候都有着不同的社会背景。例如肖邦的音乐，表现的内容大多都是对祖国的热爱以及代表祖国人民的一些心声和体现。他的乐曲创作的背景就是当时波兰的社会环境，所以有着很强的社会现实色彩。我们在进行演奏的时候就必须充分对这一创作环境进行了解，进而更好的带着自己的感情融入到乐曲的演奏当中，表现出不同的情感和内涵。所以这就要求我们对学生的教学一定要融入这种思想，让他们能够将自己和别人不一样的领悟融入到学习和练习当中，从而更好地进行乐曲的演奏和表现。
二、这两者在钢琴教学当中的应用和思路分析
在钢琴的教学当中，主要培养学生具备比较扎实的基础演奏技巧和形成独特的乐感。所以笔者就简单的分析一下这二者在钢琴教学当中的实际应用。
对于一些初学者或者是年龄较小、基础比较薄弱的学生来讲，钢琴的演奏技巧对于他们而言更为重要一些的。这就要求教师在教学的过程中，注重对学生基础性知识的讲解和练习，例如：音阶、琶音、和弦、跳音、指法等方面的训练，使得学生的基本能力不断的扎实和巩固，这样才能为以后的学习奠定一个比较扎实的基础。并且教师对待不同年级的学生，也要有着不同的目标和要求。对于低年级的学生，教师的主要目标就定位成基础的指法练习，让学生可以很好的掌握正确的指法并且进行弹奏。而对于高年级的学生，教师需要培养学生的一些技巧音练习，也被我们称为装饰音。例如颤音、震音等等，都是演奏过程当中非常有必要的技巧。还可以在指法的学习当中多学一些不常用的指法，例如轮指，使得学生掌握更多的演奏技巧，进而不断地完善自我，提高演奏水平。
并且在演奏技巧方面，我们除了要教授学生最基础的演奏技巧外，还要不断为他们灌输一些与音乐相关的知识，例如音乐史和其他乐器的练习等等，以作为辅助来帮助学生更好地学习。
而对于乐感的培养，我们也要足够重视。一般而言，乐感是每个人天生都具备的，只是一些人的乐感比较强，对音乐的领悟比较高，而一些人的乐感相对较弱，对于音乐的理解较为吃力。但是不管是哪类人，他们都具备最基本乐感，所以乐感通过后天的培养还是可以发生很大的改变。
教师在进行授课的时候，除了让学生自己进行演奏，还可以定期的为学生播放一些钢琴曲，让学生闭上双眼去感受，理解乐曲的内涵和意义，进而获得自己与众不同的领悟，产生对音乐独特的理解和感受。
三、结语
钢琴的演奏技巧和乐感之间的关系，是相互促进，相互补充的关系，所以我们在进行钢琴教学的过程中，一定要充分的认识到二者之间的联系，更好地将二者的力量传递给学生。只有不断的完善自己的演奏技巧，才能更加纯熟地去诠释一首乐曲的内涵和情感，也只有这样才能够更好地将乐感培养起来，形成自己对乐曲独特的领悟和认识，在进行钢琴的演奏和未来乐曲创作的时候形成自己的风格和情感。
摘 要：钢琴是音乐中的绅士，有着他独特的魅力，随着社会的发展，钢琴的制造技术在不断进步，本文主要针对钢琴演奏与教学中的触键技巧问题进行分析，以期给相关学习研究者以有益借鉴。
关键词：钢琴；触键；技巧；演奏
伴随着手指如精灵般的跳动，创作的不仅仅是一首首优美的曲子，更是一个个情感与灵魂的表露。钢琴作为“乐器之王”与小提琴、古典吉他并称为世界三大乐器。不仅仅因为他悠久的历史，更是因为他对技巧的严格要求。只有高超灵活的技巧，才能更好的控制钢琴、融入钢琴。钢琴家只有有技巧的去演奏钢琴曲，才能赋予它真正的灵魂，钢琴演奏作为一门独特的艺术有着很强的技巧性。著名钢琴演奏家霍夫曼曾经说过这样一句话：演奏必须取得曹工钢琴的主权，这个操纵权就是技巧。自从十八世纪末，钢琴随着社会的发展，他的基本构造与性能已经基本定型，钢琴曲的优美旋律已经不像以前那样受到钢琴制造工艺的巨大限制。钢琴的触键技巧已成为钢琴演奏的决定性因素。同一首曲子、同一架钢琴不同的人弹奏却可能产生不同的风格与情感，在钢琴的演奏和学习中，触键技巧作为最基本的因素却成为了最复杂的问题。
随着社会的不断发展，钢琴的触键技巧已逐渐发展为弹奏训练中的一个基本体系，那么如何去掌握并灵活运用这种技巧呢？手指是一个钢琴演奏家的全部生命与灵魂所在，正是由于手指的灵活跳动赋予了钢琴曲灵魂与生命。也正是由于手势上的深厚功底，将一个个单调的音符组成了一首首或跌宕起伏，或优美动听，或狂风暴雨，或柔美动听的曲子。
1 力量因素在触键技巧中的“重量”
力量给予了生命足够的爆发力，但是这个看似简单的问题却是保证良好触键的基础和关键。本来手指作为身体上最灵活的部位，却成为了初学者的噩梦，手指的灵活运用对他们来说是那样的遥不可及，手指在庞大的钢琴面前却是那样的笨拙。这不仅仅是因为手指力量与身体的复杂联系，更是由于演奏家对每个音符力量的选择。一首简单的曲子，可能因为一个手指不小心用力过大或过小彻底破坏了他的美感。手指力度不是一朝一夕能够练好的，初学者在练习钢琴曲时，弹奏的声音可能听起来很虚，手指手臂也可能很容易疲劳。因此，只有脚踏实地的不断练习，才会掌握好自己的手指力度。钢琴的弹奏更加讲求力度的均匀传递，只有在弹奏时保持手指下力的均匀，和旋才会听起来更加饱满动听。力量是钢琴演奏的基础，在触键技巧中占据着不可或缺的地位。
2 从高抬指和贴键训练中看触键技巧
在世纪的钢琴弹奏中，影响弹奏的各种因素其实是相互矛盾却又相互依存的。对于钢琴演奏者来说，高抬指和贴键都是不可或缺的训练，高抬指提高了手指的独立运动性，也提高了手指力量的爆发力和耐力，更加强了手指、腕、臂和身体的协调配合。在初学阶段他有着自身无法替代的价值。可能人们在观看钢琴家演奏时会发现，很少有人去高抬手指，讲求的更多的是松弛随意，更多的是在贴键弹奏，这是因为贴键弹奏虽然和高抬指相互矛盾，但他却是高抬指的升华和发展。手指力量在满足了弹奏所需要的爆发力和独立性之后，就不再需要刻意的去高抬指。贴键演奏会使弹奏者的手指跳动更加灵活有力，圆滑流利，更节约了一些不必要的动作和力量，给人们行云流水般的感觉。只有在不同的训练中，在不同的矛盾中才能创造出完美的乐曲。
3 身体的协调配合对音乐的影响
对于钢琴演奏者来说，身体的协调配合就是手指、腕、臂以及腰部甚至整个身体的协调配合，很多钢琴家在演奏时，整个身体都会随音乐跳跃起来，以满足各种力量的需求。弹奏过程中的基本坐姿和体位都将对音乐的演奏产生巨大的影响。朗朗作为首位冲出中国的国际著名钢琴家，是所有音乐家的榜样，他的演奏想必大家一定看过不少，他的演奏不仅是音乐的表演，他的整个身体都会随着音乐去跳动，仿佛整个人已经融入了音乐。看似毫无章法的跳动，却把身体的协调运用发挥到了极致，演奏过程中无论是过度紧张还是过度放松，都会对身体的协调产生巨大的影响。“钢琴诗人”肖邦和“钢琴之王”李斯特都曾试图去解放手臂和手腕，探索一种更加完美的演奏方法，希望仅仅通过手指的灵活跳动去演绎出完美的音乐，但最终都以失败而告终。无论何种水平的钢琴演奏者，只有做到身体与钢琴的完美配合，才能创造出音乐的灵魂。
4 让触键技巧成为一种习惯
一个行为决定了一种习惯，孰能生巧，自古至今都是一个不变的真理。钢琴演奏讲求的不仅仅只有天赋，更需要的是后天你的不断努力。有哪个钢琴家的童年离开了枯燥烦闷的练习却创造出了后来的成就，又有哪个钢琴家不是凭借不断的努力创造了演奏的升华与积淀。只有让演奏成为你生活的一部分，成为你的习惯，你才能更好的融入钢琴。只有在不断练习中你才能发现自己的不足，才能有机会去创造属于自己的风格。习惯是一个看似虚无缥缈的东西，但他却决定着你的钢琴之路能走多远。
5 结语
钢琴看似简简单单的黑白双键却有着不简单的内涵，看似简简单单的触键技巧却包含了沉重的汗水，没有真正的天才，也没有完美的触键技巧，只有刻苦的学者，用自己的汗水去换取完美的演奏，用自己的人生去创造曲子的灵魂。钢琴演奏是完美的音乐升华，不是简简单单的去创作，无论学习还是演奏都离不开触键技巧，也都离不开演奏者的真正投入，离不开汗水与灵魂的交融。
随着社会的进步，越来越多的孩子开始接触钢琴，在钢琴入门时经常遇到一些问题，音符的时值（音的长短）和识谱不仅在基础中占有很大一部分，也会直接影响到以后的弹奏。文者就此针对音符的时值和识谱问题，谈谈在儿童钢琴教学中这两个部分的小技巧。
一、音符的时值
我们在儿童钢琴教学中所经常用到的音符有全音符、二分音符、四分音符、八分音符和十六分音符、除此还有对于儿童来说相对复杂的附点音符。在儿童钢琴教学中，通常学习的顺序是全音符、二分音符、四分音符、附点二分音符、八分音符、大附点音符（前四分附点音符，后八分音符）、十六分音符等等。当然有更复杂的，但是对于钢琴基础的学习接触比较少，只要把基础音的时值掌握好，对以后学习节奏节拍来说就较为容易些。
1. 全音符、二分音符、四分音符和附点二分音符。这是孩子们接触钢琴后第一次对音的时值的认识，也是关键。如果单纯的去给孩子们叙述音的时值，有的孩子会出现根本不理解的情况。在这个时候，我们可以用一首熟悉的儿歌来告诉孩子，在音乐的世界有的音是长音，有的音是短音。这不仅可以提高孩子的兴趣，还可以加深孩子们的理解。然后我们把全音符、二分音符、四分音符画在一起来讲解，最好用联想记忆，让孩子们通过直观来看这三个音符像什么。接下来教孩子们数拍子，全音符是四拍，那么我们要用到一个小技巧，从开始的时候就不直接数一、二、三、四。我们在这个时候要数成一拍、二拍、三拍、四拍。不要看只是一个小小的差别，但是在以后学习八分音符和大附点音符时，会起到很大的作用。我们第一个弹奏的音是中央C，唱Do，以全音符为例，我们在数拍子时，唱成Do拍、二拍、三拍、四拍。唱出来不仅有利于孩子们对音加深印象，对音准方面也会起到一定的作用。二分音符和四分音符、全音符的数拍方法一样，二分音符数成Do拍、二拍，四分音符就数Do拍，附点二分音符是三拍，数成Do拍、二拍、三拍。
2. 八分音符和大附点音符。八分音符我们通常称为半拍，而大附点音符是由一拍半+半拍组成的。对于年纪比较小的孩子来说，如果对他讲述八分音符是四分音符的一半，孩子似乎很难去理解，在这个时候有的老师通常会弹奏四分音符和八分音符让孩子来听，通过听辨来区分音的长短，但是这种方法似乎总达不到理想的效果，因为孩子无法理解均分，对以后的学习可能会造成困难。还有的老师会用分饼干等形象的方法让孩子去理解，但是在弹奏时，总是会出现问题。在这个时候前面学习的四分音符的数拍的基础优势就体现了出来。我们可以很容易的教孩子，让他把以前唱的Do拍的“拍”字弹成音符。因为即使孩子是在4-5岁学钢琴，她们的语言能力也可以把“Do拍”唱的很均匀，那么也会自然的带到他的弹奏中。在弹奏大附点音符时，假设Do是四分附点音符，Re是八分音符，那么我们再弹时就唱Do拍二、Re。这对于小朋友来说就比较容易接受了，需要注意的是在数拍掌握熟练后，逐渐提醒孩子注意倾听，这样孩子们对拍子的乐感就会愈发的增强了。
下面来用一首小曲举个例子：
这首是著名的作曲家德沃夏克的作品《思故乡》，从乐谱上看，很容易理解上面所陈述的方法。
二、识谱
识谱是孩子学钢琴面对的一个基本的问题，我曾经接触过一个考5级的学生，弹曲子时老师还在手把手的教，对乐曲的感觉、节奏都很好，就是不识谱。这个问题让很多老师非常的头疼，但是从客观说，这和孩子的知识框架有很大的关系。有的孩子不用怎么教也会，有的则非常困难。我认为这个问题在开始学琴的时候就要开始打基础，第一节课无论教不教孩子认识五线谱上Do的位置，但是都要学会唱Do、Re、Mi、Fa、Sol、La、Si这七个连贯的音，这对以后的学习有很大的帮助。对于有一些孩子学习了一段时间还不识谱，那么我认为还是要从最基本的去理解。分清线间和高低顺序，要告诉孩子，无论是高音谱号还是低音谱号第一线都在下面，就像上楼梯，无论是高楼大厦还是低层的房子都要从1楼开始往上爬。
有两个小方法提供给大家参考：
1. “走路”的方法。现在我们生活的地方一般都有地板砖，而地板砖是有接缝，横竖平行的，在横的地方贴上五条彩色的胶带，这样容易让孩子感兴趣，在娱乐中学习。让孩子先站在第一条彩色的线上，然后走一步，走到第一条彩色线和第二条彩色的线中间，再走到第二条线上，如此多重复几次。结合五线谱给孩子讲解，先把上行学会，然后把上加线和间讲解了，最后在学习下行。提前学习识谱不仅有利于培养孩子的兴趣，也不会在重复“下加一线是Do”中让孩子失去对钢琴原有的兴趣。
2. “折纸”的方法。这个方法对于年纪7岁以上的孩子比较好理解，对于长时间学习钢琴但是识谱困难的孩子也有一定的帮助。在数学中有学习对称图形部分，那么高音谱和低音谱从中间对折，每一个Do都是对称的。先用联想对称的方法记住基本的5个Do的位置，再逐渐的去熟悉其他的音位。老师对于识谱较慢的孩子要耐心去讲解，不能每一次都“放过”，等下次，这对孩子的发展是非常不利的。
在钢琴学习中基础是非常重要的，在不失兴趣的情况下，让孩子在快乐的弹奏中成长是每个家长心中的希望。钢琴的学习之路是较为漫长的，但是越学越精彩，希望喜欢音乐，喜欢钢琴的孩子可以坚持，克服困难学下去。同时也希望此文章可以帮助到一些儿童，为他们的钢琴学习提供一定的技巧。
摘 要：随着社会经济的发展，人们物质生活条件的日益提高，家长对子女的素质教育也越来越重视，于是钢琴走进了千家万户，学习钢琴的儿童也越来越多。但由于各方面的原因，儿童钢琴教学中还存在各种各样的问题。
关键词：儿童钢琴；教学；技巧
随着社会经济的发展与音乐素质教育的普及，学习钢琴的儿童日益增多并趋于早龄化，家长认为通过学习钢琴，孩子不仅可以掌握一技之长，还可以陶冶情操，培养踏实严谨的学习态度，丰富他们的业余生活。下面笔者谈谈对儿童钢琴教学的一些观点和看法。
一、帮助儿童养成良好的练琴习惯
培养良好的学习习惯是成功的关键。当前社会竞争激烈，孩子学习的科目众多，良好的学习习惯能够提高练琴效率。练琴时间要根据孩子的年龄和自身的性格而定，并随着年龄的增加而逐渐增加。练琴时间的长短一旦确定下来，家长就要严格要求和监督孩子，帮助孩子养成良好的练琴习惯。在每天练琴之前可以先布置好当天的练琴任务，如果孩子能够在保证质量的前提下提前完成作业，就可以提前结束练琴时间。这样可以克服孩子做事情没有计划、磨蹭的毛病，在提高练琴效率的同时，也培养孩子做事情有条理、有计划的能力。
所谓细节决定成败，作为教师和家长，在教与学的过程中，需要引导孩子养成认真读谱的好习惯，让孩子明白错音的严重性，正确理解休止符及不同奏法的含义，重视音符时值、速度标记、力度记号，养成查阅术语的好习惯，读谱要仔细全面，避免形成弹琴马虎不认真的缺点。要想成功，科学合理的练琴方法必不可少。所谓欲速则不达，正如赵晓生先生所说：“慢练是克服一切技术障碍之本。”慢练的过程，相当于让演奏者拿着放大镜把整个曲子细致研究了一遍，使演奏者有时间去倾听、比较、思考和理解。在慢练的过程中，还要注意节奏的准确和对情绪的把握、手腕手臂动作的配合、体会动作的感觉，只有一切是在以最终表演为前提下进行练习的状态，才是有意义的慢练。
此外，关于分手与合手练习的问题，笔者认为没有绝对的好坏。应当视个别情况而独立判断。如果遇到难点片段，新的技术或触键，可以分手练习；而单纯识谱，最好鼓励孩子从小养成双手识谱的好习惯，并在识谱中，把指法、奏法、句法、力度记号等细节都考虑进去。慢练、分段落练习、分手练、动脑用耳练，看上去虽然简单，却正是孩子在练习中所忽略的。因此作为教师和家长，需要时刻提醒孩子养成正确的学习习惯和态度。
二、注重基本功的训练
钢琴学习是一个漫长而艰辛的过程，作为教师，在孩子日常学习中，如果能够强调正确的弹奏方法，科学重视钢琴基本功练习，会使孩子在钢琴学习的道路上事半功倍。就像学习芭蕾舞，不重视脚尖站立的能力，则发挥不出其艺术特点与魅力。但相对于其他性质的练习，基本功练习比较枯燥，孩子在练习过程中，如果没有把教师强调的重点和要领重视起来，只是单纯地练习音符，就会事与愿违，达不到练习的真正目的。
在钢琴教学教法中，对于高抬指还是低抬指有很多争论，笔者认为要根据不同的音响效果和需要而定。但在钢琴学习的初级阶段，高抬手指练习是主要的也是必要的。在进行音阶、琶音、保持音练习和练习曲等基础训练时，运用高抬手指可以使手指和掌关节得到最大程度的锻炼，并能增强手指的力度、独立性和灵活度。当孩子能够较好地站立手指时，就需要给他们灌输其他的触键方法，使他们了解弹奏方法的多样性。
关于基本功练习，笔者认为，虽然我们不能把钢琴演奏看作是一门纯技术性的表演，但基础训练又是必不可少的。二十四个大小调音阶，琶音是孩子了解熟悉键盘的最好途径，熟练掌握它们，能够对明确各调性关系，掌握指法体系起到至关重要的作用。此外，《哈农钢琴练指法》、《什密特钢琴手指练习》以及车尔尼系列钢琴教程等都是非常有实用价值的教材。作为教师，在日常教学计划中，不能忽视对孩子的技术技巧训练，并在教学过程中注重对孩子情感的培养，因为在钢琴演奏中，技巧与音乐是相互依赖，缺一不可的。
三、加强孩子的演奏能力
钢琴教学与其他学科不同，主要以个别授课方式为主，孩子在学习过程中，除了揣摩教师的弹奏，很难与其他同龄孩子产生互动，最多只能看看前后孩子的上课情况。因此，作为教师，最好能够定期把孩子们聚在一起，互相切磋交流，让他们感受到演奏的氛围，培养孩子的表演欲，增强心理承受能力，同时激发孩子学习的兴趣。此外，还可以给弹奏水平相当的孩子布置四手联弹的曲目，促进交流和配合，这样也可以加强他们与人合作的意识，更有助于他们听觉的训练。定期举办观摩会，能成为孩子学习钢琴的动力，树立学习目标，每次观摩还可以和教师讨论自己想表演的曲目，这样既能增加对自我的了解，分析自身的优缺点，也能增加表演经验。因此，作为教师，要积极帮助学生创造这种表演的机会，这种锻炼在孩子的学琴过程中是必不可少的。
四、听觉的重要性
大多数家长和孩子都是“听”了其他孩子的演奏，引发对学习钢琴的积极性，可见“听”在学习音乐过程中是很重要的环节。但是当孩子开始接触弹奏时，就会把注意力从“听”转变成“看”，看手型、看谱子、看老师的动作等，长久下去，他们的耳朵在练琴过程中就会处于休息的状态。孩子在接触新事物时，都会有种先入为主的感觉，从他们学习第一个音符开始，教师就应该把“听”和“看”结合起来，强调两者同等重要的地位，从单音开始听音色，听触键，听控制。这样能够在学习过程中潜移默化地让孩子在听觉上建立良好的音色概念，树立正确的审美观念。练习过程中，孩子在耳朵倾听的状态下弹奏，当出现不正确的音响效果时，他们会把这种音响错误等同于错音、错节奏一样的问题。若孩子能够严格按照这种标准要求自己，那么距离成功的目标必然就会越来越近。
此外，听觉训练中还包括重要的固定音高训练，即听音训练。通过这项练习，可以帮助孩子在识谱过程中，把眼睛从琴键上解放出来，减少看谱、看手的频率，减少弹错音的几率，使视奏能力得到提高。
儿童学习钢琴是一个漫长而又复杂的过程，因为孩子的天性和其他客观因素，在这条路上成功并不容易，即便天分和勤劳两者兼备的孩子，如果缺少教师的正确引导和家长的高度配合，也很难交出出色的成绩单。从教育和文化的角度出发，作为钢琴教师，应该在日常教学中，在引起孩子学琴兴趣的前提下，对孩子进行基本功训练，培养孩子练琴的好习惯，并请家长给予积极配合，这样才能使孩子在钢琴学习的道路上，一步一个脚印地前进下去。
摘 要：本文就钢琴演奏左手技巧重要性探讨了其演奏阶段中存在的问题，并制定了钢琴教学优化提升左手弹奏技巧科学策略。对完善教学效果，全面发挥左手弹奏技能，演奏出优美的钢琴乐曲，提升艺术感染力，有重要的实践意义。
关键词：钢琴教学 左手 弹奏技巧
1 钢琴弹奏左手技巧重要性
钢琴为多声部演奏的乐器，各个曲子均包括至少两个声部。因此，演奏者想弹出优美的音乐应注重声部的良好独立与优质配合。多声部的钢琴乐曲演奏需要两只手配合完成。较多钢琴乐曲作品中，均需要演奏者用右手完成主旋律的演奏，因此，演奏者往往投入更多的精力在右手练习中，却忽略了左手声部的技巧锻炼。实际上钢琴演奏以及练习阶段中，左手弹奏技巧的训练尤为重要。左手承担着演绎伴奏声部的重要任务，虽然并非主旋律，却作为衬托主旋律的绿叶而必不可少，起到了画龙点睛的作用。因此，动人的钢琴音符需要左手运用良好的弹奏技巧合理的烘托演奏气氛。一首完美的钢琴演奏作品，不仅要将主旋律音符演绎的恰到好处，伴奏声部也应处理适当，方能令其形成良好的衬托，否则即便是再好的主旋律也会变得淡然无味，不能满足人们丰富多彩的欣赏需求。古典奏鸣曲钢琴演奏作品，其左手伴奏旋律多应用固定音型，而主旋律则多为单音，也就是说主体依靠右手进行演奏。而为了凸显主旋律，则左手伴奏的音量会较主旋律弱一些。同时，左手需负责低音、弹奏转调以及和声变化。足以见得左手弹奏钢琴音乐的重要性。钢琴演奏逐步发展为浪漫乐派时期，其伴奏声部则在和声以及织体阶段均更为丰富，进行和弦的分解、琶音流动，均形成了对右手演奏的有效充实以及衬托。例如肖邦夜曲演奏曲之中明朗且平静的Op9No2，谱例（见图1）。
左手伴奏需有效控制好适宜的音量，并需要演奏者清晰的演绎、准确的诠释，体现明了的方向性。该乐曲演奏左手弹奏需要掌握速度控制技巧，且应做到稳重、安静，方能为右手的弹奏烘托良好的气氛。由此可见，强化左手弹奏技巧的训练十分必要。
钢琴乐曲的演绎中，左手还承担着旋律声部的演奏，一旦旋律出现于左手负责的声部，钢琴演奏者便应有效的突出左手部分的弹奏，体现良好的应用技巧。例如《十一月在马车上》。
这首钢琴曲，由五十一小节，乐曲主题转入左手，需要演奏者强调左手声音，高声部应突出爽朗明快的演奏风格，而左手低声部则应形成共鸣的效应。要想达到这一演奏效果，需要掌握一定的左手演奏技巧。
钢琴乐曲中舞曲以及舞蹈性音乐，其节奏成为展现音乐题材的主体，因此应确保左手声部进行准确清晰的弹奏。例如小步舞曲，左手二拍弹奏应有效控制声音，确保第一拍稍微长，同时二三拍不应过于跳跃。圆舞曲演奏，左手二拍弹奏的第一拍为强拍，因此，应体现良好的弹性，后续两拍则应轻快，并体现一定的控制力。倘若在弹奏该类钢琴乐曲时，无法注重左手声部应有的韵律与节拍，便会影响演奏效果。
复调音乐属于重要的音乐内容之一，其并不进行主声部与辅声部的划分，也不包括旋律与伴奏。也就是说复调音乐各个声部同样重要，均具有独立存在必要性与自身线条。要想演绎好该类作品，便应弹好左右声部，其往往为演奏者应注重的难点以及重点环节。学生倘若仅注重右手训练，则无法达到良好的乐曲演奏效果。只有利用听觉、研究声部连接以及良好的配合，重视左手演奏技巧训练，克服左手演奏难点，促进左手与右手的有效配合，兼顾旋律线条的进展，方能提升演奏水平，演绎出优质、完美的复调音乐。
2 钢琴演奏左手技巧相关问题
2.1 左手欠缺灵活度
一般来讲，人们的右手手指会比左手更为灵活，主体原因在于生理与练习方面的双重影响。生理视角来看，人们的右手天生灵活，左手则较为笨拙。日常生活中，多数人则经常应用右手干活、写字、吃饭，因此令右手更易于左手接受大脑的命令，并完成的比左手好。同时，右手由于经常用力，因此，其手指与手臂体现了优于左手的力量优势。例如学生进行连奏练习，通常右手手指的抬高高于左手手指，左手则相对表现的软弱，欠缺力度。练习层面来讲，针对右手的技巧训练钢琴乐曲显著高于左手，在欠缺系统性训练的状况下，便呈现出了左手演绎技巧与能力的先天不足，较难与右手抗衡，为此如何做好双手弹奏技巧的有效平衡将成为一类难点问题。
2.2 左手演奏应进一步强化歌唱性以及独立性
较多学生进行钢琴乐曲弹奏阶段中，右手演绎主旋律往往能较好完成，然而左手弹奏则会出现旋律弹得别扭、音乐不连贯、欠缺歌唱性以及感情色彩的问题。出现该状况，则学生往往进行左手的单独训练，即便如此也较难形成同右手相媲美的演奏效果。例如弹奏时，往往左手旋律处理过于生硬、跳音转换太快或较短，欠缺生命力，学生则过于顾及右手弹奏技巧，令左手旋律则被右手技术难度所引跑，欠缺连贯性以及良好的歌唱性。左手声部基本为伴奏声部，由于学生不够重视，将注意力多放于右手旋律，认为左手只需弱弹便可，不顾及伴奏声部自身应有的旋律以及和声走向，进而影响了乐曲的感染力以及生命力。左手弹奏虽需要弱于右手主旋律，然而其自身并非单个声部以及层次，做好左手弹奏的独立敏锐训练，令其具备良好的应变技能十分必要。例如肖邦夜曲左手声部在弱于主旋律的同时，不应将整体音乐弱弹，应合理将低音同和弦的具体层次、音量大小以及色彩有效划分，科学分析探究有效的左手弹奏方法，做好主旋律的优质配合，进而良好的服务于乐曲主题思想，展现完美的钢琴乐曲演绎。
3 钢琴教学提升左手弹奏技巧科学策略
3.1 理论联系实际，注重左手技巧基础理论教学
学生练习左手弹奏技巧阶段中，应注重理论研究、联系实际，明晰如何弹、怎样弹，勤于思考锻炼。实践教学中，教师应做好弹奏原理的教学，令学生巩固理论依据，实现内涵升华。实际操作同理论学习研究均十分重要，操作可为研究理论提供具体分析对象，而理论研究则可为实践演绎、弹奏提供优质练习手段。为此，教师应做好亲身示范弹奏，深化讲解，令学生形成良好的理性认识，进而在技巧练习阶段中能够独立的思考，并举一反三、触类旁通，快速掌握左手弹奏技巧，促进实践及理论相结合。再者，教师应培养学生形成良好的主观能动性，在依据教师讲授方式进行左手技巧练习阶段中，应引导学生阅读卓越钢琴家有关弹奏技巧的著作，令其掌握丰富的技巧应用策略，进而结合自身弹奏水平，汲取丰富经验，学会良好的弹奏方式，强化左手技巧水平。学生在左手弹奏中一旦遇到困难，教师应给予必要的引导，同时，鼓励学生先进行独立思考，思索良好的应对技术难题策略，通过查阅书本寻找答案，积极和同学进行心得交流。应令学生明晰课堂并非演奏知识获取的单独途径，想丰富技能知识，应勤于思考，不应盲目训练，倘若漫无目标，再多的训练也毫无用处。因此，教师应培养学生在弹奏练习阶段中应借助自身理解，发挥逻辑优势，通过用脑练习、理论武装头脑，提升学习时效性，有效补充学生学习钢琴年限有限、手指欠缺锻炼的不足之处。
3.2 注重复调钢琴乐曲作品左手训练
复调钢琴音乐作品对于左手技巧的练习尤为重要，其中声部包含较多，音乐形象却相对单一，进而学生可专一进行手指训练，明晰主声部与辅声部具体层次，令音乐更为均匀、流畅，体现良好的横向感，避免多声部形成的混乱现象。在复调学习阶段中，还可令学生锻炼各个手指灵活度，提升操作力度以及良好的独立性。教师讲授复调作品练习阶段中，应辅助学生合理的转换思路，明晰复调同主调作品的实际区别，复调作品具备的特征与练习操作的主体要求。即不应将左手视为伴奏声部而单纯的进行弱弹处理，应令学生明晰复调音乐之中，声部并不包含主次区别，左手弹奏与右手应同等重要。弹奏练习中应正视左手的重要性，做好同右手的紧密配合、有效衔接。可引导学生多多练习巴赫二部创意乐曲，训练脑部以及手指。谱例（见图2）。
该乐曲由于两声部为更替交叉的出现，因此，可令学生在练习阶段中较易分清声部、明确主题，有目的进行训练。教学阶段中，应令学生明确双手的力量应保持一致相同，进而令两声部显现有效的呼应以及巧妙的对打。弹奏时，应引导学生良好控制各个手指弹奏力度、具体时值以及触键技巧。在学生较好的完成二声部复调音乐之后，教师可为学生设置相应的的复调作品，令其优质控制左手技巧，令各个声部强弱以及走向更加明确清晰，不应将两声部不加区分的混杂为一体，同时，不能令右手将左手声部盖过，应掌握好技巧与度。
3.3 提升左手歌唱性演奏技巧
钢琴教学中，教师应注重提升学生左手的歌唱性演奏技巧。针对左手进行旋律演奏的内容较少，且由于左手存在先天灵活性不足的状况，令其演奏水准、对音量以及音色的整体控制性弱于右手。因此教师更应有目的、合理选择针对左手训练的钢琴作品，提升其歌唱性，令学生用左手演绎出柔韧有余、深沉感性、音色醇厚的乐曲效果。为提升左手弹奏的歌唱性，教师应引导学生良好的应对左手连奏问题。可在学生应用左手弹奏旋律阶段中，详细进行连奏效用的阐释，令学生掌握科学的弹奏处理方式，明晰如何应对旋律连奏及其与伴奏连奏的既定联系与内在差异。例如，在进行平湖秋月钢琴曲的弹奏中，左手演绎第一段内容的伴奏连奏以及第二段旋律连奏存在差异性。首段左手伴奏包括两部分，即低音以及中音声部。整体左手应利用连奏处理弹奏，低音部分应弹奏的低沉，延长声音的传输距离，营造好比岩石沉入湖水之中的音效。而中音部分则应处理的更为连贯，令声音好似较为遥远同时不能含混不清，应具备良好的起伏性，好比湖面之上形成的层层涟漪。弹奏力量要由始至终低于右手。弹奏第二段的乐曲旋律则变为左手，该时期其左手为连奏弹奏，而声音则更为清晰。因此，手指应体现良好的歌唱性，同时展现感情。学生弹奏该段落时，应注重利用手指肚进行键盘的触键，令其力量逐步沉入至钢琴，营造一种厚重、结实的演奏效果。
3.4 优选训练左手弹奏技巧的教材
目前，我国钢琴教材中有关专门指导左手弹奏技巧的出版书籍相对较少，虽然如此，基本所有关于训练手指技巧的钢琴教材之中均包含一部分左手手指训练的钢琴曲目。为此，教师进行实践教学阶段中可依据学生自身特征以及缺陷，有目的为其选择一些适合的教学书籍与钢琴曲目对学生展开专项训练。例如，《哈农钢琴练指法》书籍便是针对手指弹奏技巧的钢琴书籍，通过讲解指导训练学生双手手指弹奏的灵活性、触键力量以及耐久性。同时为强化左手弹奏技巧的练习，教师在参照书籍讲解阶段中，应强调对学生的左手展开独立的讲解训练，还可在双手一同演奏时，令学生强弹左手，进而强化头脑对学生左手的有效控制。还有一本有关技巧训练的教材为《每日十二首钢琴技术练习》，其内容详实、观点独到、编写优秀，涵盖断奏、弹奏音阶、连奏、钢琴演奏双手更替交叉以及琶音等较多技能练习，同时还注重双手并重，由简单逐步加大难度、由浅入深，具有广泛良好的适用性。同时，书籍之中还配设了有关生活之中学生们熟悉的生动丰富的动作、形体插图，简单易懂，可提升学生学习兴趣，营造良好的教学效果。参照教材进行教学阶段中，教师应辅助引导学生明确左手处理的难点，实施细化练习，科学应对各个重要环节。当学生左手可全部胜任弹奏技术后则可令其进行双手合奏演练。再者，教师可优选涵盖五度以及八度音阶、六连音技巧以及分解和弦演绎技术的曲目，对学生展开专项教学训练。令其丰富左手技巧，更全面的汲取弹奏知识，提升综合演奏水平。
4 结语
总之，钢琴教学是提升学生弹奏技巧，强化音乐理解力、鉴赏力，丰富艺术内涵的重要工作。要想演绎出一首充满情感、引起共鸣、获取听众认可的优美钢琴乐曲，不仅需具备良好的音乐素养，将主旋律处理的动听、美妙，同时，还应注重左手技巧的训练。为此，教师只有明晰左手技巧练习重要性，针对左手教学训练存在的问题，制定科学有效的实践教学策略，优选教材、科学设计教学内容，提升学生左手歌唱性弹奏技巧、注重基础理论教学，科学联系实际，引入复调钢琴乐曲作品的针对性训练，方能提升教学水平，营造良好的教学效果。令学生双手形成良好的配合，正确、到位的演绎钢琴音乐作品，进而实现素养内涵、实践能力的全面提升。
摘要：钢琴是多声部乐器，练习和演奏需要左、右两只手共同协作完成，然而，有相当一部分学生只重视右手技能训练却忽视了左手的功能。事实上，在钢琴演奏中，左手占有不容忽视的重要地位与作用。在钢琴教学中应重视培养学生的左手弹奏技巧，以达到最好的演奏效果。
关键词：钢琴教学；左手；演奏技巧
1左手技巧的重要性
随着我国艺术教育事业的不断发展，越来越多的人加入到专业钢琴学习的队伍。钢琴作为多声部的乐器，它所弹奏的每首曲子都是由两个或两个以上的声部组成。演奏者要弹好一首乐曲就一定要注意各声部的独立及配合，而多声部演奏是由左、右两只手共同承担，协作完成的。在大部分作品中，右手承担着主旋律声部，学生也往往会下大力气去练习右手技能，而往往容易忽视左手声部的存在，导致左手的跑动能力明显不如右手。事实上，在练习及演奏中，左手的弹奏是非常重要的。
左手在钢琴演奏中所承担任务主要有：一是往往担任伴奏声部的弹奏任务，一部作品如果没有好的伴奏声部来衬托，再好的旋律也会显得苍白无力、无法吸引人；二是有时担任旋律声部的弹奏任务，一般来说，旋律有时会在右手（高声部）出现，有时又会在左手声部（低声部）出现，当旋律在左手声部出现时，演奏者就要突出左手的弹奏；三是担任准确把握舞曲或舞蹈性乐曲节奏的任务，在舞曲或舞蹈性乐曲中，节奏是表现其题材的主要特征，要把握好节奏就必须把握好左手声部节奏的准确弹奏；四是在复调音乐中担当同右手一样的任务，在复调音乐中是不分主要声部和从属声部的，每个声部都有其独立存在的意义，都有自己发展的线条。由此可见左手技巧在钢琴演奏中的重要作用和加强左手技巧训练的重要性。
2提高学生左手弹奏技巧的方法
2.1注重理论知识的输入
教师在教学中不但要向学生传授演奏技巧，还要引导他们掌握相关的理论知识。教师通过示范演奏与深入讲解，使学生增强理论认识，并在练习中独立思考以求触类旁通，尽快地掌握与提高手指技巧。同时，要充分发挥学生的主观能动性，指导他们阅读著名钢琴家撰写的关于钢琴演赛技巧的书，借鉴他们的演奏方法和方式来提高自己的技术水平。当学生在左手弹奏遇到困难时，不仅要向老师请教解决办法，更重要的是独立思考，想办法解决好技术难题。既可以看书找答案，也可以和同学交流心得，总之，不能把课堂当成获取知识的唯一途径，而是要多方面获取知识，提高技巧。
2.2利用复调作品练习左手技巧
复调作品虽然声部多，但是音乐形象比较单一，这样学生就能专一地去控制每一个手指，分清主次声部的层次，并使音乐平均、流杨、有横向感，不至于因声部层次多而混乱。通过学习复调，可以锻炼每个手指的灵活性、独立性以及力度等。复调作品是练习左手技巧的重要作品。它需要左手和右手有一样好的技巧才能完成自己的声部，这就对左手的手指技巧提出了更高的有求，同时它又为左手各个手指灵活、独立、力度的训练提供了极好的机会。教师要帮助学生转换观念，强调复调音乐与主调音乐的区别，讲清楚复调音乐的特点及练习要求，让学生理解在复调作品中声部之间没有主次之分，左右手同样重要。在弹奏中不但要重视左手声部在整个音乐中的地位和独立的音乐性格，还要注意左手声部与右手声部的配合与衔接。可以要求学生分手、分声部练习，并且重点练习左手，从而将每个声部弹清楚、完整。
2.3训练大脑对左手的控制
对于大多数学生来说，左手比右手更不易受大脑控制，因此出现的问题和困难就会更多。因此教师在教学中可以有意识地训练学生用脑来控制手指的弹奏及手腕和手臂的演奏状态。可以利用巴赫的二部创意曲训练头脑对手的控制。二部创意曲由两个声部组成。一般是右手弹奏高声部，左手弹奏低声部。主题在两个声部中交替出现，学生练习时容易分清楚声部，找出主题，由于左手的声部不再是伴奏声部，而是与右手声部同样重要的声部，所以它要弹奏的曲调要富有生命力和自己的性格特征。双手的力量要“旗鼓相当”，要特别注意左手不能比右手轻，以保持两个声部模仿、呼应、对答的特点。学生在弹奏左手声部时要注意控制每一个手指的力度、时值和触键。
2.4训练左手手指的歌唱性
在教学过程中，教师应该有目的、有针对性的选用一些左手弹奏旋律的钢琴作品，训练学生左手手指的歌唱性，使其弹出深沉、柔韧、醇厚的音色。要想训练左手手指的歌唱性，就要解决好左手连奏的问题。在练习连奏时，教师可以指导学生先从两个音的连奏开始学习，手指上也可以从较好控制的二、三指练起。两个连音学好后再学三个音、四个音、五个音的连奏，同时逐渐把拇指、四指、五指包括进来。可以先练习相邻音的弹奏连接，再练习相间或远距离音程之间的弹奏连接。在练习连奏时不但要讲究手指、手腕的平稳、连贯，更重要的是讲究声音的平稳及连贯，每个手指之间动作要衔接好，每一个音的声响应该均匀，不能有的轻有的重。
2.5注重教材和曲目的选用
大部分练习手指技巧的书籍中，都会有涉及左手手指技巧的练习曲，教师在教学中可以根据学生的特点和不足，有针对性地选择一些书籍和曲目对学生进行训练。《哈农钢琴练指法》、《每日十二首钢琴技术练习》、《莱蒙钢琴练习曲》（作品37号）、卡米尔・圣桑《六首左手练习曲》、莫里茨・莫什科夫斯基《12条左手单手练习曲》、戈多夫斯基《左手音乐会曲集》等都是练习左手手指技巧的重要书籍。为了加强左手技巧的训练，教师在指导学生练习时应强调左手的单独练习，或双手齐奏时要求学生强弹左手来加强大脑对左手的控制。
【摘 要】数码钢琴集体课的多样化课堂演奏形式和丰富的教学内容，可以迅速有效的训练提高学生键盘综合应用能力，能够多出人才快出人才，有利于复合型、高素质跨世纪钢琴音乐教育人才的培养。本文就数码钢琴中的哈农基本练习及音阶技巧谈了自己的看法。
【关键词】数码钢琴；教学；哈农练习；音阶
数码钢琴集体课作为一种新兴的教学模式由国外传人得到愈来愈多的重视，其原因一是由于国内高师音乐教育改革趋势的推动，同时也是受到国外先进教学经验和理论的启发。数码钢琴集体课的多样化课堂演奏形式和丰富的教学内容，可以迅速有效的训练提高学生键盘综合应用能力，能够多出人才快出人才，有利于复合型、高素质跨世纪钢琴音乐教育人才的培养。
在数码钢琴课中，钢琴基础教学就显得十分重要。钢琴基础教学主要包含两个方面：手指基本灵活性的弹奏和手指技术技巧的练习。针对这2个方面我们会使用到《哈农钢琴练指法》这本书，在这本钢琴书里哈农基本练习是针对手指灵活性来练习的，而音阶技巧是对于手指技术技巧的练习。
看到很多的人在讨论哈农练习重要不重要的问题，我发现赞成与否的刚好是对半。这说明国内对于哈农练习的认识还不够，我们认识的很多世界著名演奏家，到现在哈农练习也还是他们每天必做的功课，这说明什么问题？我看过很多老师上课时对哈农练习的要求，我认为都不正确，按他们这样的要求，一条一条的练习，对于学生来说的确是没有什么用处的。我的学生都要求每天做1-20或21-38条连奏的，44条以后的每条起码是反复10遍。那么在数码钢琴教学中我把哈农练习分为四个阶段，在这里我首先介绍第一阶段的练习，第一阶段的练习又分三步走：
第一步：哈农1-20条连奏
为这个练习我专门做了1-20条的省略版，这样就不会让学生在练习的过程中有翻谱的动作。我的要求是一气呵成，开始是用“高抬指快速触键”的方式慢练。在触键动作都符合要求后再加快速度，直到能够做到音色均匀、很清晰、很轻松的完成后，就变换一种触键方式继续按照从慢至快的练习，直至把基本的触键方式在哈农1-20条上都熟练的掌握好。开始练习时由于耐力问题，你可能练习到第8条至第10条会有很疲劳的感觉（我把这种情况称为耐力临界点，这个点是因人而异的），记住，不要停下来，坚持下去就会感觉又有了新的力量，直到把20首都练习完成。这种练习要求每天至少一遍，有时间的话最好是三遍，上午一遍，中午一遍，晚上一遍，每天每遍都用不同的触键方法。第一步的练习时间将会持续将近一年的时间，在这个过程中，你会收到意想不到的效果。
第二步：每条在12个调上跑完
这个练习开始时会很别扭，因为大指和小指不断的要上黑键，黑白键有高有低，一定要控制好手腕的平稳，特别要关注大指的主动性。由于调式的关系，经常会遇见要弹奏两个黑键之间夹缝的情况，记住，一定要做到准确、扎实，不要一味的图快，讲究质量是首位的，音色的均匀是这种练习的重中之重。1-20条都能够在12个调上很轻松的跑动，这时你的手指力度、弹性和耐力都已经产生了质的飞跃
第三步：1-20条双手不同触键方法
第三步的练习主要是学会快速变换触键方式的能力，开始时，你可以一遍只换两种触键方式，如前10条是“高抬指快速触键”，后10条是“低指位快速触键”，然后再逐渐加上“非连音触键”等等，最后是两条一种触键方式。我经常教学中会用上行一种触键，下行又是一种触键，然后是左手一种触键方式，右手另一种触键方式，例如：左手用“指尖跳音触键”，右手用“连音触键”。这样的练习很有意思，让你体会不同的触键而产生的不同音色带来的美感。这个时候你就可以进行第二阶段的练习了，也在这个时候，由于你触键方法的丰富，对乐曲情感的表达能力将会不可同日而语了。
接下来我们说一说音阶技巧的弹奏，音阶是钢琴作品织体中的重要组成材料，弹好音阶是掌握钢琴演奏技术的重要保证。？从技术训练的角度看，音阶弹奏要求每个音级力度均匀一致，所以弹奏音阶练习对于平衡发展手指的控制运用能力具有十分重要的价值。
第一条音阶，可以从C大调音阶开始。音阶练习可以从一个八度逐渐向两个、三个及四个八度发展，具休发展形式可采取变节奏的练习，例如：采用每分钟76-86拍的音乐速度（中等速度），按照四二拍子的音乐节拍律动要求，弹奏一个八度音阶，力求力度均匀一致的四分音符感觉；弹奏两个八度音阶，追求强位音突出的八分音符感觉（一拍内均匀地两个音），逐渐发展成三个八度音阶力求弹出强位音突出的三连音感觉（一拍内均匀地三个音）；直到以后发展为四个八度音阶力求弹出强位音突出的十六分音符感觉（一拍内均匀地四个音）。
正确的顺指法、穿指法和跨指法，是弹好音阶的基本保证。手腕和手臂放松自如，是音阶弹奏平稳流畅的生理机制保证。音阶的变节奏练习，要有明确的节拍要求，切忌“盘子喝水一漫来”的“大写意”无序。强拍音或强位音在哪个手指上，就要突出哪个手指（尤其是四指）。大拇指要灵活并有所控制，不可无序地始终弹奏重音。拇指在音阶弹奏的过程中，要有提前量的任务准备，不可躺在键盘上弹奏。拇指与其他手指的交替弹奏要连贯自然，不可出现间断痕迹。
音阶的弹奏练习可以先分手后合手，练习中要正确掌握指法规律，并做到双手弹奏整齐划一。在音阶提高性的弹奏练习过程中，可采用音乐速度慢快结合、分手与合手交替的学习方法。弹奏音阶时，心中要有旋律性的歌唱，把音阶作为音乐来表现。
在正确熟练掌握C大调音阶演奏的基础上，可以进入G大调、D大调、A大调和E大调音阶的练习。这五个大调音阶的弹奏指法相同，需要特别关注的是键盘位置的变换及黑白键交替的把位手感。
关于音阶的指法、详见《拜厄》和《哈农》。切记音阶弹奏指法的正确固定，以保证弹奏的流畅连贯。音阶练习属于演奏技术材料之建设内容，需要做为日常练习持之以恒。音阶演奏质量的目标追求是运指灵活、反应敏捷并有一定的速度感及颗粒感。
在音阶弹奏质量的优化过程上，要更多地贯穿着“慢练”与快弹的有机结合，牢记速度是在正确的基础上自然地提升上来的，而不是硬逼出来。否则，势必造成弹奏中的僵硬痉挛。清晰、干净、均匀、流畅、颗粒状、歌唱性、平衡自如和节拍感，要始终记在心间并富之于长期实践。
音阶练习，对于初学钢琴者是重要的基本功训练。练习好音阶，需要注意几个方面：
（1）练音阶的重要性：练习音阶很重要，一方面可以提高控制和运用手指的能力，二是可以熟悉指法，巩固记忆；三是可以熟悉键盘位置，熟悉调试及其转换，提高演奏能力。
（2）树立明确的目标：练音阶，首先解决的是一个“立”字，解决五指不立和掌关节发紧，只有苦练才能达到目标。二是学会一个“慢”字。只有会慢练，才能逐渐加强力度，增加耐力，并为以后的加速打下基础。
（3）防止一个"混"字：A大调，#f小调，g小调，C小调，这几套关系大小调，易混淆，指法易错，只有经过反复训练，直练到准确无误为止。
（4）采取分组练习法：将学过的音阶分为四组，每次练琴时先弹两组音阶，再弹乐曲，而后再弹音阶，交叉进行，每组慢练五次，快练一次，逐渐增加次数，来调动练琴的积极性。
数码钢琴教学中哈农和音阶是每一个高师学生需要去练习也是必须去掌握的，只有通过这些坚实的基础训练才能帮助学生提高自身的钢琴弹奏水平。在练习的同时也得要掌握好正确的练习习惯与方法，抓到了方法，获得了习惯，能使学生的钢琴弹奏更上一层楼。
【摘要】中职学前教育专业中钢琴是音乐科目中的一项重要的技能课程，在钢琴教学中，音阶和琶音是学习钢琴必掌握的基本技术，提高学生的演奏水平技巧将对学前教育专业学生今后发展起到至关重要的作用。笔者从音阶和琶音练习的基本技巧、常见问题及解决方法等三个方面进行探讨。在学前教育专业中，教师应该多注重理论与实际相结合的操作实践过程。
【关键词】学前教育；学习；音阶；琶音；技巧
钢琴是集音域、音色、表现力丰富于一身的乐器，同时它也对演奏技巧提出更高的要求。而音阶与琶音的练习又是每位钢琴演奏者必修内容，而且也是摸清键盘以及循序渐进地为演奏水平的提高而打下坚实有力的基本功基础的重要训练方法。在音乐领域里钢琴教学是技能课程里一门必不可少的教育。对于一个钢琴学习者尤其是对中职学校的学前教育学生而言，大部分学生只是初来乍到接触钢琴，所以在这一阶段正确掌握音阶、琶音演练方式，那就意味着钢琴演练技术的精髓将为你敞开，反之，则只能限制在钢琴艺术殿堂的人口处。由于音阶和琶音这两大基本功是学好钢琴的前提，所以音阶和琶音弹奏的好坏，既影响到学生今后在整个弹奏技巧过程中的稳定性，又关系学生钢琴弹奏技术水平的高低。现行的中职学校的学前教育的钢琴专业课程，它所教学的是怎样让学生运用这门技能能够充分有效的对幼儿园的实际音乐教学的投入。因此，在钢琴教学中要注重音阶和琶音的练习，将是我们教师把握全局的关键，而且也是考虑两者的实用性，所以在钢琴教学的两个环节中我们要注意以下练习的几个方面问题。
一、音阶的练习
（一）训练音阶的方法
音阶练习是将十个手指均衡的进行力量训练，由于所有手指在音阶上都能运用到。在训练音阶上教师教学要遵循三个原则：先分后合、先慢后快、先易后难，并进行细致、有序的多次练习。当学前教育的学生第一次接触音阶时，教师要做好教学步骤，首先要分手弹，其次在掌握指法，先重点培养左手的灵活性与独立性练习，再进行双手的合成练习。教师在教学中可以采取多种的练习方法来指导学生的音阶练习：第一种是先从双手同一方向练习着手。这便于学生巩固加深对音阶的印象，最好应该用连音的弹奏练习方法限制在一个八度内，弹的次数应逐次增多不应予以过度强加过快。第二种是从双手反方向的音阶练习入手。由于反向练习的左右手指法都一样，因此就学前教育的学生更有利于掌握其方法，当然这两种的教学方法难易度不同，因就学生的当时掌握程度进行合理安排。教师当在指导学生练习时应给予适当的口令，能够让学生快速进入状态，在教学时应先慢后快，尽可能将手指抬高进行慢速训练，使弹奏出的声音均匀顺畅，确保指法稳定的同时，再进行逐步加快弹奏的速度。当然也要注意近键弹，应保持先易后难的对调弹奏，再继续扩大到24个大调、小调以及先从简单的一个八度，渐渐过度到四个八度，从双手同向的平行八度再进行到反向的平行八度，再到同反向双手平行的三度、六度、十度音阶练习。音阶的弹奏要求均衡有力、环环相扣、连贯有序，十个手指的力量需要进行有条不紊转移，弹奏动作应顺滑连贯依次相随，用力均匀规范，再者练习时要懂得力度的自然放松，有的学生刚接触钢琴手指会硬邦邦，这将无法对力度的掌控。上移时应均匀流畅的渐强，下移时应细致地渐弱，避免弹奏出的音的力度平淡无奇，弹奏僵硬将阻碍音阶连贯流畅感。
（二）影响中专学前教育学生音阶弹奏效果的因素
大拇指灵活性较笨拙。由于大拇指受制于生理因素的影响，并且它稍短于其他四根手指，再加上左右手的五根手指力量不均衡，因此手指力量均衡性训练就将成为手指技巧的重要环节。特别是大拇指灵活性较差，动作熟练度较迟缓。所以教师必须在学生弹奏时，需要仔细认真地在旁边观察辅导，有助于学生动作规范性在一定程度上可以快速提高学生水平。由于大拇指的特殊性，其间的间隔性较大，它是以斜向为触键方向而不是跟其它四指一样纵向触键，所以灵活性与其它手指还有差别。在让学生弹奏前，教师可以教学生各种熟练手指移动的练习。笔者认为哈农《钢琴练指法》的第32-37首对学生练习的成长性最有效。其中第32首是1指从第2指下移过，第33-35首分别是1指从3指、4指、5指下移过，第37首比较特殊，需要多练习。要练好这个技巧学生必须每天勤加练习直到练到熟能生巧。穿指时，1指要有准备，手指略向内弯曲，主动向手掌内移动，大拇指在触键之前要到达该键的上方，弹奏时是向下的独立动作，不能带动手掌和手腕向下压或砸，否则会出现重音，触键点在指尖的外侧，保证弹奏音色和其它手指的统一均匀；跨指时，大拇指弹奏后，其它手指从1指上越过，此时彷佛以1指为支点，通过虎口的收缩带动手掌的移动，大拇指应在上越的手指弹下时才能离键。
手腕关节与臂关节动作的不协调。在练习中，为了避免手腕和手臂的动作出现变形，腕部稍向弹奏方向倾斜，积极有效地促使手指的移位；当进行换指时手腕幅度尽量不要太大要保持平稳，不能出现上下有抖动的动作出现，这会让流畅性大打折扣；手臂应松弛有度，手臂应与手指方向保持同步同向，在加快音阶的弹奏过程中，手臂的动作可以说是“一扫而过”。教师在教学过程要言简意赅，用最短的时间让学生牢记注意音阶的问题，应“音阶轻盈又流畅，大拇指主动最重要，穿指、跨指需腕带，避免手掌上下跳，五指均匀又有力，双手指法要牢记”的练习口诀。在此基础上，教师还应要有科学性的练习方法，练习中应将理论与实际相结合的过程，同时还要理论转化实际的重要过程。
（三）教师应从两方面对学生音阶指法进行教学
教学中教师应讲解示范让学生能够建立大致印象，培养善于动脑。首先，在教学过程中应将音阶的指法进行归类。譬如，这里以C大调为例，要区分左右手键，左边是54321 321 4321 321 4321，右边是123 1234 123 1234，只要牢记左右健位置加之练习对今后的提速练习是大有帮助。其次，半音阶的练习也需跟进补上。半音阶在音阶练习中占有重要地位。教师应给予侧重点练习就是大拇指，大拇指熟练程度应达到能够顺利流畅过度到第二、三指，这就对大拇指提出了更高的要求。现今最为常用的有两种指法：第一种是以大拇指、食指、中指的三指弹奏最为常用。第二种是“大拇指、食指、中指、无名指”和“大拇指、食指、中指”两组，这两组在浪漫曲较为常见，因大拇指的用的频率较少，而无名指运用相对较弱，第二种是在提速练习过程运用频繁，但与第一种指法相比还应加强。
二、琶音学习的技巧
在百度百科中琶音（arpeggio）的定义为：指一串和弦音从低到高或从高到低依次连续奏出，可视为分解和弦的一种。通常作为一种专门的技巧训练用于练习曲中，有时作为短小的连接句或经过句出现在乐曲旋律声部中，也有密集和弦前面加一竖着的波浪线。琶音分为主三和弦，减七和弦和属七和弦。琶音是构成音乐作品的一个基本要素，是初学者、熟练者乃至大师级人物的必修课程，是构成各种不同钢琴音乐作品的不同组合。钢琴家玛格丽特.朗说：练习音阶和琶音必须坚持不懈，这些技巧都帮助学生掌握扎实的钢琴技巧。可见，练习好琶音对将来能够全面、准确、清晰地演奏钢琴音乐作品，提高学生演奏技巧能力起着至关重要的作用。因此，在教学中学生要掌握学习琶音的方法。
（一）练习钢琴身体姿势的掌握
在弹奏、练习钢琴之前，身体保持放松姿势坐着，两脚不能并步、叠加，要前后分开，脚尖着地，腿要放在琴凳里面，两手臂放松、自然地放在琴键上，腕部的位置向琶音隐性额方向倾斜，以便带动手指能够主动、快速的完成穿跨动作。
（二）琶音触键、音色的掌握
学生初学阶段时可以先五指张开，使得掌关节处于打开状态，手指抬高，下落要快，离键也要快，重心要放在指尖，利用掌关节来支撑，转指快速，要手臂带动手腕来增加手指游动的速度。穿指时，1指要用头脑控制预先做准备，手指略微向内弯曲，积极主动地向手掌内移动。
（三）速度和力度的掌握
循序渐进的练习。这个练习技巧是指从慢到快的一个过程。先是慢的练习，这会加强学生正确的动作掌握，使练习逐步从有意识状态向无意识方向过渡。最后使得每个手指的动作，如抬起、下落、站稳和移动都能够做到位，进而使每一个声音都结实、饱满、连贯。在此基础上逐步加快手指下落和手指离键的速度。
先分后合的练习。先采用两手分开的练习，使得每只手可以得到单独的练习，特别是左手的练习，这样可以让左、右手的每一个手指得到相应的锻炼。最后两手合起来练习。跨指时在1指弹奏后，其它手指要从1指上方越过，以1指为支点，通过掌关节带动手掌的移动，手指应在完成弹奏以后迅速离开键盘，锻炼4、5指的独立性。只有这样才能让琶音的演奏水平达到均匀，避免每个音的力度没有变化。
提高自身兴趣的练习。兴趣是最好的老师，具有强大的推进力量，也能培养自身终身习练的意识。首先是寻找自身练习的各种需要，如变换速度练习、变化力度的练习、按照节拍组织方法来练习。特别是按照节拍组织方法来练习，使得琶音的练习有节拍的感觉。能让自己体会到琶音练习中音乐的节律，使琶音一样具有音乐性。这样不但消除了练习的枯燥和增加了练习的趣味性，也提高了琶音练习的控制能力。其次，适当展开竞争，积极组织合作。在练习过程只有通过不断的互相学习，纠正自身的不足，互相共享本身的练习经验，才能取得更大的进步。最后，获得更多的成就动机体验，提高钢琴琶音的掌握。
三、音阶练习常见问题及改进方法
学生在音阶练习中，拇指独立性差。在弹奏过程中常出现拇指穿越不到位，使得手腕和手臂的动作较大，拇指的动作连续性受到影响，在快速弹奏时就更难保持拇指的衔接性，会出现冲击琴健。此外，拇指横向运行主动性差，有时候用指尖的外侧触键，造成力量失控，音色生硬，声音不均匀。
弹音阶五指力度控制不稳定，指法较乱。因为五指的差异性，学生还不能灵活和正确的控制弹奏的力度和速度，在练习过程中的，弹奏的较枯燥乏味，指法容易出现混乱。一指比较灵活，但容易出现过强，声音听起来重，4，5指又比较弱，弹奏起来声音较虚，除此，4指天生能力弱，会被3指和5指连在一起带下去，导致练习时音阶旋律不均匀，弹奏不流畅。同时手指的控制能力影响了指法的协调性，出现混乱现象。所以，五指稳定有力，对弹出均匀有力的声音非常重要，要不断提高手和手指的机能，同时在大脑上建立正确的节奏，流畅的音阶来调整自己的触键动作，加于完善控制才能起到较好的练习效果。当掌握了合理的弹奏方法之后，练习的量就是关键了，并且在练习的过程中学会用心听节奏，保持音阶的流畅性。
四、琶音练习经常出现的问题和改正方法
（一）第一个音不是“落下”，而是直接“压下”
在弹后面的音时却没有提前作好触键准备.指端与键面距离过短，一个音与另一个音要达到多大，脑子里完全不知道，甚至距离感也没有，在位置的不断转移中，很容易忽略手指主动触键的积极性，于是逐音按压下去。这一压，就会带来一定的紧张感，至少要影响到弹下一个音的手指也失去些灵活感。应该注意手指的灵活性和独立性，消除心理上对琶音的某种消极情绪。先用表象训练，在听觉中想象出完整、均匀、带有美好感的“琶音形象”，再灵活、机智地调动身体的机能去实现出来；充分发挥掌关节张开指间距离的能力，同时确保腕关节在变换位置的高度积极性，在运动之中不忘手指主动积极。
（二）手腕、手臂是要跟着手指运动的方向一致
在换指的时候有时肘部动作幅度过大，会造成肘部外翻，取代了腕部的一些主动性。在弹奏过程中，是肩关节带动手臂、腕部、手掌自然协调的移动着，不是单单靠手臂来拖着手掌练习的。因此，只要掌、腕、肘三个关节有了联合协调行动、相辅相成、一气呵成的感觉，就一定能在弹奏琶音中克服困难，达到较高的水平。
【作者简介】陈晓鸣：龙岩华侨职业中专学校。
摘要：教师要从长远的角度去训练学生、注重培养学生的音乐感，并根据学生的心理变化指导他们学会合理的练琴方法。
关键词：学生钢琴教学；前瞻性；音乐感
学生初学钢琴尽管浅易，但却是万丈高楼的根基，因此，当学生初次坐在钢琴前提起一只手弹奏一个乐句或两小乐句的小曲时，就已经接触到钢琴艺术的大部分原则与原理。在这个意义上，初学并不构成降低教师水平的理由。那么，应该注意哪些方法技巧才能把学生学琴的道路引向正确的方向？这是本文将要论述的重点问题。
一、培养学生学习钢琴的兴趣
（一）感受入门，萌发兴趣
作为教学的第一环节我们可采用“听为先导，感受入门”的途径，推动学生兴趣的萌发。譬如，让初学学生欣赏教师弹奏的学生律动曲、游戏曲，把“听”，抓好抓活。一开始可以用悦耳的乐曲，刺激学生的听觉，开启学生的乐感，从而训练反应的灵敏性、节奏的敏感性和对音乐的感受性。当学生内心受到音乐的刺激，并意识到这悦耳的音乐是从眼前这架神奇的钢琴中传出来的，就会产生强烈触摸琴键、模仿教师弹奏的冲动，从此学生进入学琴阶段。
（二）选好教材，引发兴趣
一个善于引发学生钢琴学习兴趣的老师，一般都比较注意教材的形象性、愉悦性和适龄性。教材大致可以分为两类：一类是必弹曲目，另一类是自选曲目。教学内容应注意循序渐进，做到由易到难、由浅入深。表现手法应由单一到复杂，太易太难的教材都不易唤起学生的兴趣，应多选择有训练价值的教材。如《哈农钢琴指法练习》、《拜厄钢琴练习曲》等。另外，还可以补充一些学生熟悉的乐曲为素材，由教师示范几首，然后让学生听后自由选择学习弹奏，这种办法将会极大诱发学生的兴趣。
（三）深入浅出，启发兴趣
学生启蒙钢琴学习是以识谱、打拍，锻炼手指为基础的过程，但如果只停留于此，学生久而久之就会对学习钢琴失去兴趣。所以，在学生启蒙钢琴教学中，教师要学会用深入浅出的教学方法，启发学生展开丰富的想象来充分理解音乐，培养学生学习钢琴的兴趣。
二、学生初学钢琴的弹奏技巧
初学钢琴必须注意几个重要的技术问题：放松、读谱、敏锐的听觉。
（一）放松
放松对于初学学生是很抽象的概念。放松是针对紧张而言的，要让学生懂得放松首先要消除心理紧张和肌体紧张。
（二）读谱
熟练地认识五线谱对学生学习钢琴是一个重要关口。在识谱训练时除了注意五线谱的线间关系，还包括谱号、调号、指法、临时升降号等，这些问题必须引起重视。
（三）敏锐的听觉
敏锐的听觉是辨别触键正确与否的导师，如何触键主要靠听觉来分别。从学琴的第一天起，就要树立一个明确的学琴原则：在学习触键技术中涉及到的触键准备动作、触键主要动作部位、各个部位的协调、重量的运作、用力与放松等动作要领方法时，都要与对声音的倾听和辨别相结合。要在学会技术动作的同时，懂得什么声音是正确的。教师要多示范、讲解，树立正确的声音听觉，培养学生拥有一双灵敏辨别旋律、节奏、和声音色的耳朵。
三、传授学生科学的弹奏方法
（一）断奏手法
在声音方面，断奏要求达到“珠落玉盘”的效果，要不噪不虚，结实通透。在如何用力方面，应在指尖集中的前提下体会和做好“手腕的呼吸”。初学断奏，要在提手腕的同时辅以小臂的配合，即弹出“大断奏”的效果；基本功逐渐巩固后，随着弹奏速度的稍稍加快，动作幅度明显变小，主要依靠手腕的呼吸弹好“小断奏”。自始至终，指尖一直是永远下垂和坚定站立的。一个完整的断奏动作的连续。“提”即提起手腕，“放”即放下手腕，“抬”即手位落到距琴键一半距离的时候适当抬起触键的手指，“落”即在准确的音位上落下和坚定地站好手指。总之，断奏要做到感觉上放松，动作上美观，用力上自然，声音上结实。
（二）连奏手法
与断奏“珠落玉盘”效果相比，连奏更像串起的珠子，主要做好指法的支撑和手腕的稳定，从而通过依靠掌关节发力的“抬指”动作，将弹奏重力从一个手指转移到另一个手指上去。连奏动作主要有两种，即“高抬指连奏法”和“重力分配法”。初学连奏，可适当放低手腕，采用“高抬指连奏法”。弹奏重力的转移动作必须肯定明确，站好前一音，再抬后一音，切勿含混不清，做到“用谁抬谁”。弹奏质量确立后，可逐渐运用快连奏即“重力分配法”，将一次手腕呼吸动作产生的重力平均分配给两个甚至多个手指等不同情况去弹奏，这才能适应和满足乐曲速度加快、难度增加和技术进步的需要。在“重力分配法”快速弹奏中，整个手的手指尖集中整齐和手腕的绝对稳定是至关重要的，一定要严格遵守。
（三）跳奏手法
跳奏的声音效果是短促、跳跃、轻快，用力的感觉一定是“抓起”而不是“砸下”。在发出声音之前的一瞬间，指尖是贴实琴键“抓”的，而不是抬离琴键“拍”的。其实只要突出两点：一是“抓起”的动作，二是“向上”的力量。在跳奏手法的学习中，首先让指尖抓实琴键一定不能有半距离，坚持指尖永远保持下垂，用迅速提起手腕瞬间产生在指尖上反作用力自琴键最底部抓出声音，真正学会“用指尖弹奏”，感觉是向上的力量弹出声音，这是跳奏手法的实质。
断奏、连奏、跳奏这3种基本奏法，前一种始终是后一种的基础；而每一种基本奏法内部又都分为两个大的阶段，前一阶段则是后一阶段的基础。在技术学习方面，一定要遵循按部就班、循序渐进的原则，切不可操之过急，粗枝大叶。这样，才可能收到良好的效果。
总之，对于学生钢琴的教学而言，教师的着眼点必须站在高处，要为长期的钢琴学习培养好的习惯，打好坚实的基础，树立正确的学琴观念，培养学生的审美能力，这些都是学生钢琴教学的关键所在。以上是我在教学过程中摸索出的一些经验，仅仅是对学生钢琴学习兴趣的激发与培养的初步探索。不可否认，钢琴教学中激发和培养学生兴趣的途径与方法是多方面的，比如，社会、家庭环境的优化，家长的协调配合，学生良好的练琴习惯的培养，训练时间的科学分配以及训练目标的设定等。所以，我们音乐教育工作者有义不容辞的责任对学生钢琴教学去不断地发掘与完善。
摘要：通过钢琴的学习能够有效的提高学生的意志力水平，让学生有更加吃苦耐劳的精神，对于学习以及未来的人生发展都起到一定程度的影响作用。在钢琴学习中，演奏是最为基础也是最为关键的部分。熟练的弹奏技巧和个人音乐综合素养在钢琴演奏中是极为重要的两个部分，现代钢琴教育应正确处理好两者之间的关系，在培养基本技术的前提下，重视个人综合素质的培养。
关键词：钢琴教学 演奏 培养
钢琴学习能够增强人的耐力，提升人的气质修养，已经越来越多的家长选择让孩子进行钢琴学习，因此钢琴逐渐成为现在音乐教学中的关键部分。作为音乐教师应该正确认识到钢琴演奏教学的重要性，在传授演奏技巧的同时，也要采取合理的教育手段来培养学生的音乐综合素养。
一、技巧以及音乐素养是钢琴演奏教学的关键
1.演奏技巧是钢琴演奏能力提升的基础钢琴演奏基本方法的发展和变化经历了三百多年的历史，从单纯的手指演奏到手臂和全身重量的协作，再到20世纪的重量演奏，直至今天的手指演奏与重量演奏相结合，钢琴演奏法自成体系，钢琴演奏要求演奏者要有扎实而全面的技术功底，否则演奏就无从说起。
2.个人音乐综合素质是钢琴演奏能力提升的前提
一首音乐作品要得以完美的呈现，除了有扎实的基本功外，更重要的则需要发挥演奏者个人的音乐综合素养，依靠个人审美评价加以表现。因此对于学生音乐综合素养的提升是钢琴演奏教学中十分重要的环节。
二、增强钢琴演奏技巧与培养音乐综合素养的教学手段
1.注重学生钢琴演奏的基础教学
在钢琴演奏学习中，基础性教学是至关重要的，使学生展开钢琴学习的关键，对于之后钢琴演奏的学习以及演奏水平的提升都起到决定性的作用。只有做好基础教学，让学生拥有过硬的演奏基本功底，才能够更好的进行钢琴演奏。因此，音乐教师应该注重学生钢琴演奏的基础教学，帮助学生打好坚实的钢琴基础，确保学生未来钢琴演奏的良好效果。
2.传授给学生钢琴演奏的技巧
（一）音阶演奏的技巧
对于音阶演奏的效果一般情况下是根据演奏是否流畅、音阶彼此之间的衔接连是否良好、是否满足观众听觉需求这几个问题来评测的。优秀的音阶演奏其实是说在进行上行下行演奏的时候，音阶流畅并衔接度良好根本不会让人感觉音阶当中有任何的空隙。这对于演奏者的手指灵活度提出了很高的要求，必须保证拇指足够的灵活，能够做好各个音阶天衣无缝的衔接。在进行音阶演奏教学的时候，教师必须时刻关注学生演奏中的手指动作，随时指出学生的不足，帮助学生完成规范化的演奏，并最终养成良好的动作习惯用于之后的演奏当中。
（二）钢琴演奏基本技巧训练
钢琴基本演奏方式包括：连音、非连音以及跳音。钢琴连音奏法关键在于力量可以随意移动，演奏每个音时，要将手臂放下时力量以一个手指传到另一个手指上。可以感觉到音进行时的倾向，弹完一个音时，手指保留较小的重量在键底来作为第二个音的支点。而非连音奏法，通常钢琴初学者，在掌握好坐姿、手型后，就会练习非连音演奏。在非连音演奏过程中要注意先将手臂缓慢抬起，稍高于琴键，手指弯曲、手向下垂，手臂自然缓缓的落下。将演奏的手指轻轻按在琴上，指端需要站立好，掌关节不能有塌陷，手指的末端关节亦不能凹进去。
（三）乐感以及节奏感的培养
良好的乐感以及对节奏感是学生在钢琴学习中必须拥有的能力，音乐教师在要求学生做节拍练习的过程中，要提醒学生注重三个重点，即清楚拍子的节奏，查清楚节奏有几拍以及在保持节拍的平稳性。让学生能够在演奏中自觉的打拍，从而提升学生对节拍的把握能力，并实现对学生乐感以及节奏感的培养目的。
3.培养学生音乐综合素养
（一）帮助学生养成良好的演奏心理
这里我们所说的演奏心理其实谁说演奏者在进行钢琴演奏时的心理过程，主要由演奏目的、情感释放、画面想象等几个问题组成，所有的演奏者在进行演奏的时候都有一定的情绪波动，造成不同的心理活动过程。相较于其他乐器的演奏，钢琴对演奏者的心理素质要求标准更高。因此，钢琴老教师在演奏教学的过程中要帮助学生养成良好的演奏心理，提高学生的心理素质，鼓励学生多参加钢琴演奏活动，确保现场演奏时能够正常发挥。
（二）掌握音乐作品的创作故事与风格
每个音乐作品背后都有自己的创作故事，包含了创作者生活时代背景、生活环境与状况、作者自身经历、情感体验以及作品产生初衷。只有了解这些，才能掌握作者创作当下的情感以及作品中蕴含的深刻意义，才能在乐曲演奏中完整准确地展现出来。老师可以通过让学生欣赏不同音乐风格的作品，来锻炼学生对音乐风格的把握，最终准确抓住演奏作品的风格、情感。
（三）把握好音乐作品旋律
表现好音乐旋律，对音乐作品的演奏相当重要。要想找到旋律动向与形态，可以借助人声来做音乐旋律教学辅助手段，让作品中音乐表达更明显。从而让学生更加把握好音乐作品旋律，并根据演唱来进行不断练习，贴近演唱的动态性与感染力，才能让学生自然、顺畅表达音乐作品主旋律。
三、小结
总的来说，钢琴演奏是以演奏者精湛的演奏技术为基础，通过演奏者自身的综合素养，加之对音乐的理解，为作品进行二度创作。用各种音符表现音乐，使听者从中感受到音乐所带给我们的喜怒哀乐，因此演奏技巧和个人音乐素养在钢琴演奏中同样重要。在钢琴演奏的教学中，应该权衡两者的比重，确保学生能力的全面提升。
俄罗斯伟大的钢琴家鲁宾斯坦曾有过精辟的比喻：“踏板是钢琴的灵魂”，借此来形容踏板在钢琴演奏中的特殊性。在钢琴演奏中，踏板的运用是不可缺少的一个重要组成部分。也是钢琴教学中的重要内容，作为一名钢琴演奏者一定要认真学习并掌握踏板的运用技巧，若能正确、合理地安排运用踏板，就能把音乐作品表现得更加丰富多彩，富有魅力。反之，则会带来消极后果，破外音乐形象。
钢琴踏板的历史发展，是一个横跨150多年的复杂的演变过程，它最后以现代钢琴上所见的三个踏板而固定下来。现代钢琴的三个踏板，即右踏板（延音踏板）、左踏板（弱音踏板）、中踏板（持续音踏板）。
一、右踏板的功能与使用技巧
1.连音踏板。连音踏板也叫“切分”踏板，它是最常见的踏板技巧，是钢琴教学中的一个重要内容，也是每个学钢琴的人一开始就必须掌握的踏板技巧。所谓连音踏板就是把这一音（或和弦）连到那一音（或和弦），既不断开又不模糊，这种踏板加强了音乐的连贯性，使钢琴的声音具有歌唱性。其方法是：弹奏第一个音（或和弦），马上踩下踏板抓住这个音（或和弦）。当第二个音（或和弦）下键的同时要抬起踏板，当手指下键之后，听到新的音（或和弦）出来后，马上再踩下踏板。这样一来，在前面的声音消去的同时，后面的声音又接之出现了，使之两个部分的声音既连贯又不重叠。至于踩踏板的速度，基本和下键的速度相同。有的人对这一技巧掌握得不太好，容易出现两个毛病，一个是不自觉地使踏板与手的上下动作相一致，造成音与音之间的间断。再一个是习惯性地把踏板踩在重拍上，使得这一技巧变为机械的打拍子动作。这两种现象都要加以注意，因为它会对塑造音乐形象起破外作用。
还应该指出是连音踏板法中从提起到再踩下踏板之间的时间长短，要顾及种种不同的音色变化，当踏板在每次更换中松开的时间越长，周围泛音的丰富程度也就相应地逐渐减少，演奏者应根据作品的一个特定段落中对音色的要求来运用踏板。
2.和声踏板。和声踏板也是比较常用的踏板技巧，多用于琶音较多的作品，其主要作用是利用这一技巧表现出一种和声效果，从而更加完善地表现音乐作品。
在钢琴教学中多参阅一些钢琴作品，我们便会发现这样一种现象，凡是在音乐的变化，起伏和音乐情绪反复波动的地方，大都运用有琶音的织体，而琶音又绝大部分是由和弦变化而来的。这一变化尽管方式繁多，可又都具有某一和声的功能。所以，无论是哪一种琶音，我们都可以视它为和弦，并按照和弦的原理配用踏板，即换和声时更换踏板。
一般来说，琶音都是要把踏板踩满的，只有在和声有了变化的情况下才可更换踏板，一般弹奏者都知道这种方法，很多钢琴家也经常这样用。这里再介绍一种较为复杂的方法，能使这一音型变得更清楚、干净。具体运用方法是：在琶音由低向高音区进行时，踏板可以一直保持；反之，在琶音由高向低音区进行时，踏板就不能再保持了，而应该每一组音换一次踏板（如果有旋律的话，就在旋律音上换踏板）。这一道理很简单，上行时需要低音的烘托，以使每个上行音都要更加饱满，下行时则不需要把这些音埋在低音的共鸣里。当然，乐曲有不同的要求，乐器有不同的质量，演奏者在弹奏时可慎酌处理，灵活运用。
3.色彩踏板。与连音踏板和和声踏板相比较而言，色彩踏板在一般情况下用得不多，但为了达到丰富的音乐色彩要求，有些作品里还必须使用这一踏板技巧。如抖动踏板和半踏板。
抖动踏板也被称为碎踏板，它是丰富音乐色彩的一种常用踏板技巧。其踩踏板的动作应该是快速的轻巧的，让制音器碰擦琴弦，从而既不使声音完全闷住，又使琴弦不能完全的振动。所以，为了达到这一效果，避免声音中出现阻塞或砍断，断音器的动作越轻快越好。抖动踏板的作用，主要是能够产生所需要的共鸣和色彩，并且不会形成成堆的使用踏板的声音，使用抖动踏板可以减少声音亮度，使得在到达弱（p）时，整个地换踏板不至于产生力度层次的突然下降，可以制止前面保留下来的基音和泛音，产生很均匀的音响效果。
当脚把踏板有控制地踩下，使制音器轻轻地停在弦上时，出现了踏板声音的50%释放，这种更换踏板的方法便叫做“半踏板”。半踏板的主要作用是能使声音既不断开又不重叠。会使快速移动的和声不变得太模糊，又使得声音有一种朦胧气氛。半踏板还能使慢速手段的断音和弦稍微延长而不显得过分干巴，求得一种管弦乐队在大音乐厅中演奏的效果。
4.减弱踏板。减弱踏板是我们不很熟悉的一种踏板技巧，有人甚至根本就没有考虑到右踏板还具有渐弱的功能。
一般人们认为渐弱只有三种可能：一是弹奏时把声音控制得弱些，二是弹出音响后，只等声音自然减弱，三是使用右踏板即弱音踏板。由此我们看到：一个是为弱而弱，一个是消极地减弱，一个是机械地减弱。我们应该知道右踏板也具有帮助渐弱的功能，在有的谱子上强音记号与弱音记号在同一地方出现，对于这样的力度变化我们就可以用右踏板技巧来解决。方法是：先把踏板踩下，使制音器完全抬起，然后把琴键弹下（手即离键），再把踏板快速地松一下，让制音器拍打一下琴弦，但不要使声音全然止住，又立刻踩下踏板。这一动作需要一定的速度，否则是不行的。只要我们认真、反复的练习，完全可以运用右踏板来达到这种由强到弱的效果。
5.渐强踏板。渐强踏板也是一种比较少用的踏板技巧。有些人甚至根本不用它。这个踏板技巧如果掌握得好，会得到意想不到的效果，在舞台上效果可能还不太明显。但在录音里就会听到那微妙的区别。运用右踏板不仅可以帮助做出一个长的渐强，还可以使一个单音被重复时形成渐强。另外，我们也可以用一个全踏板来形成一个震音段落的渐强。
6.预备踏板和结尾踏板。预备踏板和结尾踏板往往不被人重视，如果整个音乐作品弹奏得都很动听，可第一个音处理的不好，干巴巴的，最后一个音又突然切断，这样就破坏了音乐的完整。音乐从无声到有声，而最终又要回到无声中去，这是所有作品的必须过程。我们在处理乐曲首尾时应注意在乐曲的第一音响（无论是弱起强起）发出前都要先把踏板踩下，以使其声音饱满，乐曲结束时，音乐一般用强收或弱收来处理音乐的结尾，强收时当音乐进入最强烈的最后一个和弦的下一小节的强拍上把踏板很快地收回去，以使制音器立刻把音乐制止住，从而获得强烈的音响节奏效果。弱收时，为乐曲在安静减弱中结束时，一般常在乐谱的最后一个音符或和弦上加延音记号，最后一个音响弹出后，应该缓慢抬起踏板，让制音器很慢又很柔和地把所有的乐音逐渐制止住，以产生一种很均匀又渐渐消失的音响效果。
二、右踏板在钢琴演奏艺术中的积极作用
钢琴的一个独特而又美妙的特点，是钢琴大师手下的一个最有力地感染人的手法，约瑟大・霍夫曼曾说：“通常我们对‘钢琴魅力’一词的理解，在很大程度上是有艺术地应用踏板而取得的。”右踏板在钢琴演奏艺术中的作用归纳起来，大致有如下几点：
1.色彩作用。右踏板的应用可使钢琴的音色丰富，音质优美。右踏板通过丰富的共振泛音的混响来丰富音质的作用，有的钢琴家将其视为相当于歌唱家或弦乐演奏家的颤音或揉弦，正因为使用踏板可以改变音色，那么不用踏板与用踏板的地方又可获得鲜明的色彩对比。因此，有人说踏板是钢琴家的“调色板”。
2.连接作用。利用右踏板的延音作用，可使连奏的声音更加圆滑，句法的划分更加清晰，一些远距离的音或不宜用手指保持的音能够连接保持。例如周广仁教授的《台湾同胞我的骨肉兄弟》在演奏中特别要注意根据分句来进行踏板的替换。由于音乐始终是贯穿着祖国人民对台湾同胞深深地思念之情，弹奏时情绪要饱满连贯，这种贯穿始终的感情除了手指的弹奏技巧之外，还必须要依靠巧妙地使用踏板才能烘托出来。
3.力度作用。弱音踏板与强音踏板的使用，不仅使钢琴音色的变化丰富，更使力度的层次增加，加强了力度的表现能力，使得有乐器之王美誉的钢琴拥有交响乐队的丰富的表现力成为可能。
4.节奏作用。强音踏板的使用可加强节奏的律动感，加强节奏和动力的表现能力。如在舞曲或进行曲性质的乐曲中使用踏板，强调节奏重音，可加强节奏感和音乐的旋律。例如江静的《红头绳》，第一段在每小节的重拍上加上强音踏板，可突出这种舞蹈节奏生动活泼的性格，属踏板的节奏作用，第三段加踏板使旋律更加流畅深情，属踏板的连接作用，而第二段不用踏板，快速明亮的钢琴高音区音色描绘出雪花飞舞的场景，和前后两段形成色彩的对比，属踏板的色彩作用。
艺术地运用右踏板可以表现许多美好的音色，比如飞溅的瀑布、谷粒飞舞、沙沙作响的树叶等，这些都带给人美的享受。肖邦曾说过：“使用踏板的正确方法仍是一个终身的学习。”无论踏板技巧多么复杂，只要我们认真地去对待，细心地去研究，再加上刻苦练习，是可以较好地掌握的。
（湖南省教育科学“十一五”规划课题《高职学院构建和谐校园研究与实践》研究成果（课题号XJK06CZC050））
（作者单位：永州职业技术学院）
摘 要： 钢琴弹奏技巧是学习钢琴的关键。本文从多方面对教学实践进行了可行性研究，为了提高钢琴演奏教学效果，将钢琴教学提升到弹奏的技巧与音乐教育相融合的层面，就必须使学生熟练地掌握各种弹奏技巧，深入了解感受音乐作品的创作背景、风格，把握音乐作品的旋律，运用丰富合理的想象，同时具有较好的心理素质。本文还对钢琴技巧在教学中的运用进行了阐述。
关键词： 钢琴 弹奏技巧 音乐教学 基本功
随着我国教育事业的快速发展，钢琴这件西洋乐器已经走进学生课堂，成为音乐课一项重要的内容。同时，学习钢琴可以提高人的修养、陶冶人的情操，使思维变得灵活，长期弹钢琴能使人培养专注的精神和勤奋的学习精神，练习钢琴演奏是一个系统的、长期的、枯燥乏味的过程，技巧在钢琴教学中对于学生和音乐教师来说都具有重要的价值，钢琴教学目标不只是要让学生掌握演奏的技巧，更是要他们在弹奏的同时领略音乐的内涵，在教学中要将“弹奏”与“音乐”相融合，使钢琴教学升华到弹奏技巧与音乐教育相融合的境界。如何灵活地将钢琴技巧运用到教学中，成为摆在我们面前的重要课题。
一、让学生掌握基本的弹奏技巧是教学的硬性要求
钢琴的基本技巧在钢琴演奏中具有举足轻重的地位，过硬的钢琴技巧是高质量演奏的必备条件，要想通过钢琴演奏，充分地表达出演奏作品的音乐内涵及其情感，扎实过硬的弹奏技巧是重要的基础。在教学中要加强目的性教育，应使学生理解技巧在钢琴演奏中的地位和作用，设定符合每个学生的技巧学习目标，激励每个学生积极地自主训练，将技巧学习变为自觉、主动的学习行为。在钢琴教学中，音乐教师针对弹奏技巧应做好以下几方面工作。
（一）使学生掌握扎实基本功
首先，准备工作要充分。钢琴演奏基本功的训练应先从最基本的坐姿开始，当学生一坐到钢琴上去，音乐教师就必须注意他的坐姿，要做到重心稳定。开始弹钢琴的时候，身体的重心要靠臀部和脚来支撑，坐姿要以自然端正，手臂不能僵硬、紧张，或者过于松懈，这样才有利于弹奏。我国著名的钢琴家赵晓生在《钢琴演奏之道》里指出：“演奏者应坐在琴凳的三分之一宽度的位置上。”［１］钢琴在弹奏时一般可根据需要，身体进行左右倾斜、自动调整，而一部分人经常坐满凳子弹钢琴，并感觉这样很舒服，但这是一种不良的演奏习惯，因为弹琴是一种高度集中，脑力和体力相结合的劳动，不论是练琴或演奏，弹奏者都必须保持正确的姿势。同时，学生自从开始接触钢琴的那天，就必须注意手型的正确性。弹钢琴要求双手放松、手腕要柔软、手呈半圆形状，呈空握球状态，手指稍向内弯，手腕与琴键键面基本保持在同一水平面上。想要有一个良好的手型，指掌关节与第一、五指指关节的站立是关键。最末端的关节，即手指的第一关节，从演奏训练开始就要培养站立能力，要求自然地站好，不能让关节塌进去。如若手指第一关节站立不好，想弹出来集中、厚实和富有变化力的声音是不可能的。每个手指有不同的长度，手型要与之相匹配。音乐教师在教学中，学生在身体放松、高度协调的状态下进行演奏的同时，音乐教师要在严格要求的基础上，观察、分析学生在演奏中出现的技巧错误及其产生的原因，及时采用有效方法与措施，纠正与指导学生在演奏中出现的技巧错误，使学生形成正确、熟练的钢琴演奏的“手的正确定型”，为学生控制、操作键盘，轻松自如地表现音乐打下坚实的基础。
其次，要夯实乐理基础知识。正确的读谱是演奏一首乐曲的最基本的条件，如何连谱都读不了，就根本弹不了钢琴。［２］提到正确的读谱，很多人认为只是音高、节奏的正确与否。实际上除了这两者之外还有许多重要的标记，都直接影响着学生对乐曲的理解、表现，以及对乐曲风格的把握和概括。如：音乐术语提示了乐曲是欢快或是抒情的，是快板、行板还是慢板，这些因素都直接关系到学生对整个作品风格把握；同时，力度标记，同样关系到乐曲演奏中音乐的表现。乐曲的最终效果受到不同的速度和力度的直接影响，所以教师要指导学生在演奏作品时要把握不同的速度要求，尽可能表达出作品的本身含意。概而述之，演奏的技巧是以音乐的基本功能否扎实为基础的，二者是相辅相成、不能分割的。此外，在教学活动中，音乐教师还要经常向学生介绍一些关于音乐文化方面的广义知识。例如讲到外国的音乐作品，可以讲解一下那个国家的民族的性格特征及国家的发展历史，使他们在学习的过程中了解更全面的知识。
（二）使学生掌握演奏的基本技巧
1.音阶的演奏技巧
弹奏音阶除了五个手指的互相独立之外，最重要的是音阶的流畅、连贯、均匀、有颗粒和质感。上行与下行的弹奏过程中，要能做到听不出换指的蛛丝马迹，就像我们生有很多手指一样，拇指能上下、左右活动，而二、三、四、五指只能上下活动，而不能左右活动。所以，我们要发挥拇指左右活动的能力。依靠拇指的左右活动把大串的音连接起来，具体做法是：拇指弹完自己的音，当二指弹下一个音时，拇指尖就必须已经悄悄地钻进二指的后面，这样，拇指就很自然地不流露出任何痕迹地抵达了下一个音的位置上，音阶就能保持声音平均。终其原因，其问题的关键就是在于拇指的提前、预约工作。拇指的提前准备工作做为弹奏音阶的重有动作，在教学中，一定要让学生时刻注意到，并把这种动作培养成一个好的习惯，使学生从有意识的要求变成下意识的自然习惯，不用思考就能做得很好，我们要从一开始就要训练学生养成这种良好的习惯。
2.弹奏的基本技巧
所有的正确弹奏方法都不可能是与生俱来的，对初级阶段的学生来说，教授正确的弹奏法最为重要。钢琴最基本的弹奏方法有：连音、非连音、跳音奏法三种。其中非连音奏法，初学者在训练好坐姿与手型后，接下来就是进行非连音练习，在练习中要注意在弹非连音时是先将手臂慢慢提起，略高于键盘，手自然下垂，手指自然弯曲，然后手臂缓慢地自然落下，将弹奏的手指轻轻按在琴上，指端站立好，掌关节不能有塌陷，手指的末端关节亦不能凹进去。在进行非连音练习时，如果学生领悟不通会则会出现“砸琴”的现象，此时音乐教师应当把非连音进行时力量的出发点讲通，例如在第一个提起动作时应是大臂带动小臂，落下应是手臂慢慢的自然落下，通过这些训练达到最终目的。非连音有时类似于断奏，两者整合为同一个弹奏的概念。跳音弹奏技术，钢琴音乐除了有连音和非连音弹奏以外还可以用跳音来表达。从弹奏方法上来区分有各种不同的跳音：有用手臂力量弹奏的跳音，也有用手腕力量弹奏的跳音，更有用手指力量弹奏的跳音，用不同的奏法将发出不同音色的声音。连音奏法，连音奏法对于手指独立性的要求更高，一些学生在弹连奏时常常会造成第二个音弹下去时第一个音还没有完全放开。出现这样的情况，终其原因，一是力量没有完全掌握，二是手指的独立性还不够。连音奏法的关键是力量能够随心所欲地移动。弹奏每个音的时候，要使手臂放下的重量从一个手指转移到另外的手指上。应能感觉到音进行的倾向，每弹完一个音的同时，手指要保留微小的重量在键底，把它当作第二个音的支点。教师在教学中，要特别注重训练学生连音、非连音、跳音等基本技巧的练习，这些是学生掌握钢琴技巧的灵魂。
3.准确的节奏感和音乐感
节奏是音乐的生命，音乐的脉搏。［３］每一种音乐的进行，首先在于节奏的作用。节奏的脉动无时无刻不穿插在音乐当中。其中，节拍的训练中，对学生的基本要求是一要拍子搞清楚，二要拍子数准确，三要速度统一。在教学中，首先要培养学生数拍子，打拍子的习惯。有的时候也可以借助节拍器来帮助没有数拍子习惯的学生进行训练。当然，节拍器的使用只是借助一下外力，不能夸大它的教学作用。从本质上来讲，还是要学生拥有拍子的准确概念和感觉。而后进行的节奏的训练过程，在训练学生数准拍子之后，教师进一步要做的就是训练学生感觉节奏。有的学生只是机械地数着拍子，但他并没有去感觉节奏的分组、节奏的特性，这样的音乐学习是没有效果的。钢琴老师要使学生做到有内心的节奏感觉。
二、培养学生对音乐的深入理解
有人说“音乐感是与生俱来的”，意思是说有些人一生来就是音乐感好，有天赋，天生就是学音乐的好材料，也有的人生来就不是学音乐的，是不具备培养可能的。我认为，一个合格的音乐教师应能把一些在音乐方面天赋一般的学生引进音乐之门，使他们逐步提高对音乐理解感受和表现的能力，而逐步做到有音乐感的演奏。钢琴技巧的教学，首先就要给学生创造一个良好的音乐环境。钢琴是一种西洋乐器，钢琴背后的文化也来自于区域，教师在教学过程中，要通过对音乐文化的整体把握和理解，将其传授给学生，增强文化底蕴和自身的音乐素养，从而有利于钢琴技巧的学习。
（一）演奏心理训练
钢琴的演奏心里是指演奏者在演奏中的心理活动。这种心理活动是在演奏过程中发生的。如演奏的欲望，动机，感情、记忆、想象，应变心理，临场状态，等等。可以说每位演奏者的心理状态是十分复杂的现象。钢琴演奏和其它的表演艺术同样是时间的艺术，其特点是演奏者日常练习的效果要在演奏的刹那间完整的、有创造性地表演出来。［４］在现实的教学中，有的学生由于紧张而失去正常的演奏状态，思维混乱，不能完整的表现音乐。而有的学生记谱记得非常好，但就是从演奏中表达不出作品所要表现的内容及感情。因此，演奏前教师应指导学生必须具备几个心理条件，一是有强烈的演奏欲望和自信心。由于经常得不到预期的演奏效果，会使学生失去演奏的自信心，必须有达到演奏良好效果充分的准备。二是积累并凝聚演奏的审美完型心理结构。要注意从外部培养学生的音乐审美经验和艺术的素养，使学生的头脑储存更多的音乐的审美信息。同时还要要注意培养学生艺术创造的个性。鼓励学生去发挥心理的主观能动作用，自觉地去选择、组织、创造作品的完美“完型”。三要具有较强的应变的能力。练习感觉与竞技感觉是截然不同的，这一点在竞技性运动员和表演艺术的演奏者是有相同性的，音乐教师在教学过程中要尽可能地为学生缩小差距。每个人的个性、气质各不相同，有的学生容易紧张，有的学生在演奏中过于兴奋，有的人在演奏中又过分压抑。音乐教师针对这些问题，在平时要有针对性地对学生进行训练。
（二）了解感受音乐作品的创作背景和风格
在学习演奏音乐作品之前，一定要使学生了解音乐作品的创作背景和作品风格，准备工作做好了，在教学中才能使学生学会表现音乐。每一个音乐作品都是作曲家内心情感体验的再现，只有理解和掌握了作品内在的感情和含义，演奏出来的音乐才具有生命力和感召力。因此，在钢琴教学中，音乐教师应主动向学生讲授作者生活的年代背景、生活状况、作品产生原因等，使学生对作品的相关情况及作曲家的创作思想有一个全面的了解，使学生从理论的层面上理解音乐作品。同时，教会学生倾听是感受音乐作品风格的最佳路径。首先音乐教师在教学过程中，要经常提醒学生注意倾听自己的音乐，努力去辨析自己演奏的音乐是否优美，仔细感受声音的层次和质地的变化。其次音乐教师要引导学生聆听不同风格的音乐作品和不同演奏家的精美绝伦的演奏，使学生在听的过程中感受音乐的情感，感受音乐作品的风格；使学生在音乐作品背景把握的基础上，有一个大体的了解和感觉，为其在正式演奏的时候更准确、细致、全面地表现音乐做好准备工作。
（三）掌握音乐作品的旋律
音乐中最富有表现力的关键部分就是旋律，要表现好旋律，首先要准确地找到旋律的动向和形态。［５］人的声音是自然界所有声音中最原生态、最自然、最具感染力的声音，演唱的旋律效果会比乐器演奏的旋律效果更具动态性和感染力。因此，在钢琴演奏教学过程中应辅以演唱手段，尽量做到使演奏的呼吸适当、强弱变化自然、音色优美如真人歌唱一样，使作品中的音乐性表达更加鲜明。因为只有这样，学生演奏的音乐才会更天然、流畅，使演奏更具歌唱性，才能掌握音乐作品的主旋律。
（四）合理丰富的想象
想象，从心理学层面上看，是人头脑中对记忆、表象，分析、综合加工创造，进而形成新的表象的心理过程，它是人类思维的一种特殊形式。而钢琴演奏是再现音乐家生活场景、民族风格、思想等想象的全过程。因此，音乐教师在教学过程中，应选择一些形象化、具体化的音乐作品让学生演奏，引导并鼓励他们通过想象来表现音乐，使音乐更加形象化。这样做，有利于音乐技巧的传授的同时，又会让学生更真切地体会到钢琴演奏的美妙和音乐的魅力。
三、结语
总之，在钢琴教学中，教师应将钢琴的弹奏技巧与音乐表现完美地结合。钢琴艺术教育的实质是音乐艺术素质教育过程，而在音乐课堂中钢琴技巧的正确运用又是教师教授钢琴的基本保障。要提高钢琴演奏教学的效果，必须使学生熟练地掌握弹奏技巧，充分了解感受音乐作品的创作背景、风格，并辅以演唱等形式掌握音乐作品的旋律、节奏，而后依托丰富的想象力再现作曲家的思想形态、民族风格、生活场景等，从而全面提高钢琴演奏能力。
【内容摘要】在现如今的社会中，音乐已经成为人们不可缺少的一部分。而与音乐息息相关的钢琴也是人们学习的主要乐器，从非专业到专业，有很多学生选择到大学深造自己的钢琴技能。钢琴的演奏，是整个钢琴教学的一个重点，也是目标。文章分析了钢琴演奏所需要具备的技巧，以及在教学过程中需要注意的事项。
【关键词】高校 钢琴 演奏 技巧 教学
一、钢琴演奏过程当中的基础技巧
1.钢琴音阶的演奏技巧
在钢琴练习中，音阶的弹奏是一项基本功，这项基本功的程度是从是否流畅、连续，音质怎样等多种角度来判断的。①比较优秀的音阶弹奏是不管从低音到高音还是从高音到低音，一点都听不出来手指转换的停顿。这就要求学生在弹奏的过程中一定要注意手指是否灵活，之前就要把拇指练得非常熟练。教师在进行音阶教课的过程当中应该时刻提醒学生，要按照正确的指法进行练习，这样在训练的熟练了之后才可以在以后的钢琴演奏中熟练的运用。
2.钢琴演奏的基础技能练习
要学好钢琴，就要掌握正确的钢琴弹奏方式，而且这些弹奏方式都不是先天就可以掌握的，都是通过以后的学习和练习，最后才能够正确弹奏的。因此，想要提升学生的钢琴演奏水准，教师一定要保证所教授的演奏方式是正确的。对于钢琴来说，最基础的弹奏方法包含：连贯音阶、不连贯音阶和跳跃音阶的演奏。连贯的音阶对于学生的弹奏来说要有很好的独立性，大多数学生在弹钢琴时，一般会发生前一个音阶还没有全部抬起，后面的音阶已经弹下去的情况。导致这样的状况有两种可能的因素，第一个是还没有训练出手指的独立性，第二个因素是没有对力量进行很好的控制。②钢琴连续音阶的弹奏方式重点在于力量的传递，也就是说在弹每一个音阶的时候，要把手臂放到琴键上的力量从一个手指上传递到另一个手指上。在这个过程当中，能够感受到音阶有向下传递的倾向，在一个音阶弹奏完的时候，手指要留住比较微小的力量在琴键的底部来当作第二个音阶的支撑点。而非连续音阶弹奏的方式，要格外注重先把手臂慢慢地抬高，比钢琴键盘稍微高一些即可，手指回弯、手自然下落，手臂缓慢地放到琴键上。把正在弹奏的手指缓慢地按在钢琴的键盘上面，手指的顶端需要站立好，手掌和各个关节都不可以有塌下来的地方，手指的尾部的一端也不能塌陷下来。训练这种音阶弹奏的方式，一旦学生不能掌握的话，就有砸到琴键的情况发生。因此，力量的教学是非连续音阶的教学的重点。③
3.音乐的感觉和节奏的感觉需要掌握好
节奏对于音乐来是非常重要的，节奏也被人们形容成是音乐的心脏，不一样的音乐都与不一样的节奏存在关系，不一样的节奏放在同样的音乐里面都会产生不一样的效果。教师在进行节奏练习的时候，应该对学生有着一些要求，比如说，要明白节拍、数清楚节拍、让速度一致等，在教学的初期就应该让学生养成在弹奏的过程中自然而然的进行数拍子。然后，让学生自己能够感觉到节拍是否准确和打拍子是什么样的感觉。之后，再让学生进行对于节奏的练习，让学生能够感受到节奏。因为，有些学生能因为打拍子而打拍子，像个机器一样，而不是去感受节奏的特殊的性质、分组的情况，这样的学生并不能够掌握音乐当中的节奏的感觉，也不能正确的表达出弹奏里面的技能和感情的表述。④
二、钢琴教学中的注意事项
1.钢琴教学中要注意根据学生的特点教学
在进行钢琴的教育过程当中，教师应该首先了解学生的想法，从这方面入手，进行钢琴的教育。因为，不管是演奏钢琴的人，还是听众，都需要用心去沟通，好的音乐是不需要言语的交流的。假如在钢琴的教学过程当中，教师只是让学生像个机器一样练习技能的要点，而且还把这种练习当成了最后的训练目的，而不去要求学生做感情的投入和交流，那么弹奏出来的乐曲也是不带感情的，更不会打动人。学生只有在知道了乐曲中饱含了怎样的感情之后，才能够在心里琢磨，并且在技巧上持续的训练，最后才能够进行很好的演奏，从而让听众达到满意的效果。在这一过程当中，教师一定要监督学生的演奏的心理，在某种程度给予指导。⑤
对于所有事物的教学都是不可以脱离需要教育的人而单独存在的，因此，教师作为种育人者应该在教育中总结出一种切实可行的教育方法，并且这种方法一定是正确的。不仅要关心学生在音乐上的需要，而且还要注意他们在音乐心理和自身特点上的进步，更要根据不同学生的不同心理和素质等特点进行教育。
2.要注意钢琴创新性素养的教学
音乐从其本质上来讲，是一种创造并且开创的新意过程。就好像这个地球上从来没有过一模一样的树叶一样，不一样的人弹奏同样的一首乐曲给人的感觉也会是不一样的，或者是同样的乐曲一样的人但是在不一样的时间弹奏的时候也会有着不一样的感觉，因为人的心态和阅历是会变化的。音乐永远吸引人的地方就在于其本身所具有的永恒和人们所赋予其新的含义。人们在写作音乐和乐曲的同时，也是对于人类自身的重新认识。
面对不一样的音乐应该进行不一样的理解，不同的人对于音乐也会有着不一样的理解。教师应该让学生大胆地进行创新，对于遇到的问题自己进行解决，这样才能通过自学的方式学好钢琴，并且对于钢琴保持着良好的兴趣。
作者单位：哈尔滨师范大学音乐学院
摘要：在钢琴的学习中，弹奏技巧是重点也是难点。为了提升学生弹奏钢琴的技巧，本文从实践出发，使得钢琴演奏与音乐教育相连接，在理解音乐内涵的情况下出发，使学生德智体美劳得到全面发展。本文将通过实践分析钢琴教学中奏鸣曲的弹奏技巧。
关键词：钢琴 弹奏技巧 音乐教学 基本功
随着我国教育事业的发展，我们的教学理念开始发生变化，我们更加注重学生德智体美劳的全面发展，学习音乐可以陶冶情操，培养专注和勤奋学习的精神。但是在实践中钢琴是一们非常枯燥的功课，钢琴教学很难实施，因此教师如何将音乐和技巧有机结合融入到教学当中，是我们首先要考虑的难题。
一、奏鸣曲的弹奏技巧从基本功抓起
（一）音阶的演奏技巧
弹奏音阶除了五个指头相互独立外，还要考虑音阶的连贯流畅和连贯性，使人在上下衔接之时听不出蛛丝马迹，那么音阶的训练成为摆在我们面前的首要难题。具体做法是：拇指弹完了自己的音，用二指弹下一个音时，拇指尖就已经悄悄地钻进二指的后面，这样拇指就很自然地抵达了下一个音的位置上，音阶就能保持声音平稳，并且弹奏出来的音乐连贯，听不出衔接的痕迹。由此可以看出其问题的关键就是拇指的提前、预约工作。任何钢琴曲都是从音阶开始，因此我们要做好音阶的预备工作，平时要勤加练习，在教学过程中下意识培养这种动作，并且把这种动作形成一种习惯。
（二）弹奏的基本技巧
我们的弹奏能力都不是与生俱来的，都是通过平时的勤加练习得到的，正确弹奏方法是学习的前提和基础，因为我们要培养学生正确的弹奏方法。钢琴最基本的弹奏方法有：连音、非连音、跳音奏法二种。音乐教师在讲课时应当仔细认真分析这三种弹奏方法，根据学生的习惯，找出适合学生弹奏的方法，这样才能起到事半功倍的效果。这些学好音乐的基本功，我们必须掌握，只有这样我们才能接触到音乐的灵活深处，提升自己的弹奏技巧。
（三）准确的节奏感和音乐感
音乐是有节奏的，而这种节奏是我们必须要掌握的。每一首音乐都要不同的节奏，不同的旋律，节奏无时无刻不体现在音乐教学中，节奏的训练中，首先要搞清楚拍子，其次拍子数要准确，最后要速度统一。在平时的学习中我们要培养学生打拍子和数拍子的习惯。例如：我们在唱歌时，开始的前奏我们经常采用数拍子的形式，在唱歌的过程中，我们也经常采用打节拍的方式来进行互动或者加油，打拍子并不是机械的拍打，而是要融入到节奏感中，这样才能使音乐达到内心，从根本上提升弹奏音乐技巧。
二、培养学生对音乐的深入理解
我们常说天赋，这就说明有些人的音乐感是与生俱来的，是学习音乐的可造之才，肯定也有人不适合学习音乐。教师在教学的过程中要有针对性地进行，对音乐感一般的学生，我们要先做好基本功课，例如：贝多芬的《第一交响曲》，教师要讲述创作的背景、作者当时的处境、作者的生平经历，了解作者的创作基调，逐步培养学生的音乐感。
（一）演奏心理训练
演奏心理指演奏时的心里活动，每位演奏者都有不同的心理状态，有些人没有系统的音乐知识，但是有丰富的表演经验，可以自如应付突发状况和临场应变能力，甚至能够创造性地发挥。但是如果没有表演经验，在表演时就会出现紧张甚至手抖或脚抖的情况，在出错时甚至可能不知所措地停止演奏，这就是演奏心理差的表现。在现实生活中，学生常因为紧张而记不住音乐谱，有的记住了乐谱但是却因无法自如发挥，而弹奏的曲子没有感情，教师应当通过以下几个方面进行心理辅导：首先要有强烈的表现欲望和自信心，在演奏的过程中，观众难免会出现不感兴趣等现象，这时教师要进行适当的心理辅导，提升学生自信心；其次，积累并凝聚演奏的审美完型心理结构。
（二）了解作品的背景和风格
在演奏音乐之前，我们应当充分了解音乐背景以及作者在创作时的处境，只有这样我们才能更好地体会作者的思想感情，融入到音乐中。例如：《第一交响曲》是在贝多芬耳朵失聪的条件下创造的，耳朵失聪对一个音乐家来说是一个如同失去生命的打击，但是贝多芬不服输，此曲就充分表现了这两点。教师在日常的教学过程中，要带领学生多听曲子，体会曲子中不同的思想感情，日积月累我们不但可以体会出作者的思想感情，而且可以提升我们的音乐素养。
（三）掌握作品的音乐旋律
音乐中最具有感染力的应当是高潮部分了，要想充分体会音乐就要找准音乐旋律，人的声音、不同乐器的声音都是非常具有感染力，人的声音是最具有感染力的，因此在音乐的学习中，通过人的声音的高低起伏来找准作品的音乐弦律，提升音乐的演奏技巧。
（四）合理的想象
在音乐作品的学习过程中我们应当有合理的想象，当旋律轻快明亮时，我们可以想象作者特别的高兴与兴奋；当旋律悲伤沉重时，我们应当想象作者的悲伤与压抑情绪。通过合理的想象，了解作品表达的思想感情，只有这样才能吸引观众。
三、结语
新课改以后，人们越来越重视孩子的全面发展，音乐的学习不但可以陶冶情操，而且可以素质，但是音乐的学习基本功是关键，本文阐述了如何提升学生音乐学习，如何提升演奏技巧，希望对学生的音乐学习有所帮助。
作者简介：
[1]邵琦惠：武威职业学院；
[2]管丽丽：兰州城市学院。
【摘 要】在钢琴教学中，音乐元素是必不可少的基本乐理知识，同时也是提高钢琴教学质量的重要手段，作为钢琴基础内容，音乐要素是学生弹好钢琴的关键，对钢琴教学的顺利开展有着导向的作用。本文主要对融入了音乐要素的演奏技巧在钢琴教学中的应用进行了研究和探讨，以期为钢琴教学提供建议，进而促进学生钢琴演奏技巧的提高。
【关键词】音乐要素；演奏技巧；钢琴教学
一、引言
钢琴演奏追求的是在演奏中准确的对音乐进行诠释，这就需要学生熟练地掌握演奏技巧，分析作品中的技术手法，并且要想体现音乐的艺术，过硬的技术永远都是不可缺少的关键要素。但是在实际教学中，钢琴教学方法显得杂乱无章，学生也不容易掌握演奏技巧，而作为基础的音乐要素怎样渗入到钢琴教学中，又怎样突出演奏技巧，这些都是当前钢琴教学中值得研究和讨论的问题。
二、钢琴演奏中融入音乐要素的教学训练
在钢琴教育家卡尔・莱默尔的钢琴教学中，对钢琴的教学方法提出了很多的建议和要求，在钢琴演奏中学生需要放松，例如手指和手臂要处于自然状态，而且肌肉也应该是处于放松状态，这里强调的就是让学生用意识去控制身体状态，同时还强调了一点，就是利用一切可能的触键方式，也就是演奏技巧，同时节奏需严格，但也要自由，才能让演奏变得游刃有余。
（一）放松训练。学生只要具备了放松的状态，钢琴演奏才会更自然，因此，学生首先需要进行放松训练，在训练中要注意训练学生指尖的敏捷性，尤其是手指的第一关节。可以先让学生学习手指的站立，逐渐过渡到五个手指都能自如的交换和连接，先锻炼每个手指的独立性，然后锻炼学生五个手指的合作协调性。在实际教学中，教师可以先让学生反复练习1212 1313 2323 1414 2424 1515 2525 3535。对于颤音的练习，教师可以让学生先慢弹两个音，并弹响，熟练之后就逐渐加快速度，一直到音色均匀、清晰、快速，动作也要干净利落。双音和和弦的练习，教师则需要引导学生将手指一个个分开进行单音练习，当控制好之后再合起来练习，进而要满足清晰整齐的弹奏要求。
（二）技巧训练。钢琴演奏技巧训练是属于有针对性的技巧训练，主要是实施和推广演奏技巧，包括节奏、触键方式、力度和踏板等方面。触键方式有多种，其基本要点涉及演奏的姿势、断奏、半连奏、非连奏以及连奏等，触键技巧的应用是钢琴教学中最基本的内容之一，教师必须要严正以待。触键技巧的运用可以从不同角度帮助学生体会和感受钢琴技能，手作为人体重要的一个组成部分，在钢琴演奏中同样重要，例如当学生将手指的第一关节和琴键之间的关系了解并掌握之后，在实际演奏中就能逐渐掌握音色的好坏，所以，手指尖敏感度的训练非常重要。例如贴键技巧，无论学生对演奏技巧掌握到何种程度，我们都提倡“低指”的触键方式，也就是需要在下键发出声音之前将手指贴在键盘上，尤其是在进行和旋的演奏时，手指要有一定力度，将每一个和旋弹完以后手指都不能离开键面，用该种方法进行和旋的演奏，会让手指落键更加有把握。但是有些学生在连续弹奏和旋的时候出现缺音和漏音的情况，这主要是因为用力不均匀，采取这样的方法更容易使学生对手指进行控制。
（三）听音训练。在教学中，还需要训练学生的听力，使其听得见一切的音乐要素，这样学生才能自己判断音乐的好坏，同时也能更加容易掌握并控制自身演奏中节奏的准确性、声音的质地和色彩等。听力的训练首先要从对曲调意义的理解开始，而曲调的理解则需要先掌握好音乐的语法。因为只有了解并深刻理解句法之后，才能进行“听音”的训练，进而让学生逐渐形成乐感，为之后的演奏奠定好的基础。而听音训练应该是基于严格和自由的节奏，节奏首先是由心生，然后存在于全身，最后由指尖体现。在实际教学中，可以让学生用手拍桌子的方式来训练打节奏，或者采取指挥图形引导学生打拍子，根据具体需要选择强弱拍，也可以选择用手打大拍，用口打分拍，从一分二直至一分八的方式。
三、结语
总而言之，在钢琴基础教学中音乐要素、乐理知识是尤为重要的，两者相互依赖，相互促进，在钢琴教学中，教师需要掌握钢琴基础学科的特点及其教学客观规律，秉承着初级教学的教学规律，帮助学生掌握基础乐理知识和基本演奏技能，并形成良好的学习习惯，进而为之后深入学习钢琴演奏技巧奠定良好的基础。
购物车(0)