时间：2022-07-31 09:51:55
导语：在服装艺术设计探讨的撰写旅程中，学习并吸收他人佳作的精髓是一条宝贵的路径，好期刊汇集了一篇优秀范文，愿这些内容能够启发您的创作灵感，引领您探索更多的创作可能。
摘要：服装设计师不但要对服装款式设计有良好的造诣，也要有市场分析和样板分析的能力。所以服装设计专业在课程设置和教学模式上需具有前瞻性、先进性和可行性。要适应企业发展，及时更新教学内容，调整课程结构，创新教学模式。确立以能力为本的课程价值体系，抛弃不适合专业发展特点的陈旧的、过时的课程，删减实用性不强的偏难、偏深的理论内容，将更实用的更适应企业岗位需求的专业知识运用到教学中，根据层次的高低以模块形式授课。教学手段的改革上要打破单一的课堂教学组织模式，可把教学内容带入企业生产现场、品牌专卖店，带领学生参加服装博览会，使学生获得更直观的感性认识，加强学生综合素质能力的培养。推广基于工作过程的教学模式，建立以工作过程为导向，以教学方法与手段创新为主的教学模式。教学中以学生为主体，通过调研，设计拟定典型的项目工作任务，通过教师与学生共同合作、练习、评价达到掌握技能的目的和要求。
关键词：
教学模式课程开发;改革;艺术设计;职业能力;创新能力
针对服装企业对设计类人才的需求。服装设计专业在课程设置和教学模式上需具有前瞻性、先进性和可行性，这样才能够培养出合格的、更具竞争力的专业人才。设计部门是服装企业的生产命脉，设计师掌控着对企业产品的品牌定位和发展方向。设计师对服装款式的把控、结构的分析、甚至样板绘制、工艺流程等工作岗位起着整体监控，协调的作用。所以设计师不但要对服装款式设计要有良好的造诣，也要有市场分析和样板的能力。而服装艺术设计专业要适应企业发展，及时更新教学内容，调整课程结构，创新教学模式。
一、确立以能力为本的课程价值体系
(一)、课程内容的改革
考虑到服装行业的技术更新和生产设备的发展，我们必须抛弃不适合专业发展特点的陈旧的、过时的课程，应以实用性为主，删减实用性不强的偏难、偏深的理论内容，将更实用的更适应企业岗位需求的专业知识运用到教学中，力求真正做到学有所用。跟据企业对设计人员的需要，在专业核心课程方面可以把传统的素描、色彩等基础类美术课改成人物速写和色彩搭配，使之和效果图、款式设计形成专业课业群，根据层次的高低以模块形式授课。款式设计和立体裁剪作为服装类核心课程，也是服装艺术设计专业的必修课程。根据服装企业特点和区域经济差别。增加市场营销和品牌设计课程，可以使学生对款式流行与市场供求关系有正确的认知。
（二）、教学手段的改革
教学手段上要打破单一的课堂教学组织模式。可把教学内容带入企业生产现场、品牌专卖店，进行现场上课。要经常带领学生参加服装博览会，服装订货会拓展眼界，使学生获得更直观的感性认识，从而更好地掌握理论和实践知识。可以和企业合作完成设计项目，带领学生参加设计比赛等方法，增强学生的理论实践能力，强化角色认知，并弥补学校理论教学与生产实际经验的缺憾，最终确立以学生为主体的课堂教学理念。
（三）、加强学生综合素质能力的培养
有良好的职业道德和思想素质，是现代企业用人的首选标准。不断加强学生综合素质能力的培养，让学生掌握一定的自学方法，提高获取专业知识的能力。建立专业教学网络平台，时时更新行业资讯，使学生在学校学习期间掌握行业最新动态，不仅掌握专业知识和技能，还能了解行业动态和发展。利用现代教育技术、教师与学生互动方式组织教学，有效地提高教学质量与教学效果。
二、基于工作过程的教学模式
以工作过程为导向的教学模式，是根据产品的工作过程确定学习领域，强调以学生为中心，以学生的直接经验来掌握融合在各项实践行动中的最新知识和最新技能。根据学生课程进展情况，布置工作任务，把培养学生的职业能力作为主线并贯穿始终。以企业真实工作任务为载体，让学生按企业的实际设计要求完成作业，将众多的专业知识，通过完成工作任务进行串联。这种基于工作过程的培养模式对学生的职业能力和促进职业素质的养成方面占有重要地位。
在教学中，专业教师可以把企业的真实产品、工艺标准引入课堂教学活动中，充分利用校内外实训基地，学生在教师的指导下参与新产品开发与技术创新。在为企业做项目的过程中，由企业提供项目、课题任务。从市场调研到产品开发，再到样品试制，组织大货生产一条龙的跟进，让学生在实战中学会灵活应用专业知识，在为企业赢得利益的同时，也为自己赢得在校内学不到的知识和技能。
三、以教学方法与手段创新为主的课堂教学模式
课堂教学不仅是学生学习成长的地方，也是一个再创造的过程。在课堂教学中，教师应根据学生的发展需要对教学方法和手段进行大胆的合理的调整和重构，所以要求教师要学会探索、开发、整合教学资源，要善于利用一切现代化的信息技术，丰富教学内容，增进教学的趣味性，使学生从实践中获得理论的升华，提高动手能力。
（一）、“以学生为主体，以能力为本位”的课堂教学模式
根据现代学生成长环境，特别是艺术类学生学习能力差别很大，因此要避免单一化、公式化、模式化的教学方法。这就要求专业教师具有丰富的专业知识和较强的实践能力，能够根据不同的学生，布置不同层次的训练任务，在实际操作过程中来接受专业知识，从而让每个学生的实践能力得到很好的发展，帮助学生树立好的职业意识。
教师在教学中以学生为主体，采用项目教学、任务驱动法，通过调研，设计拟定典型的项目工作任务，采取演示或讲解等方式来分析任务，引导学生“边学边做，边做边学”，并给予学生完成该任务的方法和步骤。学生则针对提出的任务按要求去独立完成训练，在此基础上，充分发挥学生的主体作用，实现“学中做，做中学”，通过教师与学生共同合作、练习、评价达到掌握技能的目的和要求。
在实践教学环节和服装产业运作相对应，建立校内服装实训基地或校办产业，采用企业的真实案例训练岗位能力，创造模拟仿真教学环境，教师与学生以双重身份的形式融入到课堂教学中，例如在实训课时，给学生以不同角色分工，分别委以设计主管、制版主任、生产班长、市场调研员等身份，分别完成不同阶段的职能作业，教师则通过岗位分析，让学生融入实际的企业环境中，促进学生技能的获取和吸收，最大限度调动起学习积极性和主动性，发挥其主体作用。
（二）、以创新能力培养为主导的课堂教学模式
面对变化频繁快速的今天，服装承载更多的是着人们的思想和观念，蕴含着当代人文精神，服装是艺术与科技、物质与文化的综合体现，同时它又极具时代感，永远走在时尚的最前沿。服装艺术设计专业学生的创新能力也就显得尤为重要。
要发挥学生的创造能力和创新能力，教师要研究学生特点，启发学生多思巧做，使学生的思维得到激发。在课堂中有针对性的布置趣味作业，比如对喜欢做手工的学生可以在在教学中穿插拼布、布艺等创造性技能，针对爱时髦的女生可以插入流行的发卡、头饰、手包等制作工艺，这些看似即兴变化的课题项目对于学生职业素养的养成十分有利。另外，创造良好的学习氛围也是激发学生创新能力的重要因素。教育心理学研究表明：民主和谐的师生关系，有利于创造宽松愉悦的课堂学习气氛。学生在这种宽松的氛围内没有任何心理压力，情感也将会随着教师的激励，越来越多地去主动思考。
教师的职责不仅是传递知识，而是做到传道、授业、解惑。在教师的鼓励、启发下学生就会有话敢说，有话可说，思维活跃，从而更加轻松的投入到学习过程中。
总之，服装艺术设计专业的课程改革要依据社会的需求、企业的需要及学生的认知来进行，既要做到科学具体还要及时调整。只要我们坚持不懈地探索和实践，让课程改革跟上时展的节拍，不断探索引用先进的教学方法和手段，把教学水平提高到一个新的高度，就会为社会培养出更多的复合型技能性人才，就会为企业输送更多具有实践操作能力的高素质的设计技术人员。
摘 要：现代服装设计已不是单纯的设计服装，它越来越多的融合了其他形式的艺术设计，如：建筑、音乐、绘画、电影、科技等等。任何艺术形式都有其共同性，只要找出它们的共性并加以融合就能创造出有特色、艺术性和文化内涵的时装。
关键词：风格；融合；元素；设计
服装是时代的一个重要标志，作为社会文化的物质载体，随着时代的发展不断注入新的精神、新的观念，融合了其他类型艺术设计的精髓，那些设计形式给服装设计提供了更广阔的创造空间，同时也满足了人们求新、求异的着装心理。
一、建筑与服装设计
建筑艺术是通过建筑物质实体进行表现的空间造型艺术，与服装一样，是人类为自己创造的物质生活条件，是人们重要的物质文化形式之一。从近代女装的发展可以看出服装发展的趋势是立体与平面设计的融合。建筑的结构和廓型等在建筑中备受关注的元素也成为时装大师们关注的焦点。
（一）哥特建筑艺术
哥特式建筑始于12世纪40年代，通过频繁使用纵向延伸线条，使建筑高耸入云，使人有置身于天国感受，如尖顶建筑，四根大柱支撑高高的拱顶，由此产生出直线和流线型的外观效果。
（二）哥特式建筑风格在服装设计中的应用
现代哥特风格服装在造型上呈现锐角三角形、筒形和喇叭形，着力强调肩部的突出效果，借鉴传统长及地面的罩衫款式，大多采用短装配长裙，裙身极长，甚至拖地，裙摆向外展开。服装上的分割线、装饰线多采用纵向的，垂直的线条。色彩上，神秘、庄重的黑色和深红色最能传递哥特风格的精髓。在2007年秋冬时装秀中，Alexander McQueen以神秘的深红色为主调，搭配黑色和米色，硬朗的上装分明带有哥特烙印，现代的、古典的、异域的、时尚的、交相辉映。整体造型上，稍宽松的针织外套由腰带束起，微蓬的超短A型裙形成完美的X型造型。
二、绘画与服装设计
绘画是人类最早的艺术形式之一。作为一种造型艺术，服装常以绘画艺术为其创作根源。但作为兼具实用性、功能性的综合造型艺术，服装在满足审美要求的同时，又不能失其实用性。最具代表性的绘画风格在服装上的应用当属波普。
（一）波普艺术风格
波普艺术是与时装结合最为紧密的现代艺术形式之一，并成为主流现代时装风格一。波普艺术产生于20世纪50年代末，兴盛于60～70年代，指的是一种“大众化的”、“年轻的”、“便宜的”、“趣味性的”、“即时性的”形态与精神的艺术风格。
（二）波普艺术风格在服装设计中的应用
在时装中，波普艺术找到了可以自由发挥的空间。主要体现在服装面料及图案的创新上。波普风格的服装将文字、色彩、线条搭配运用到服装上，加以夸张和变化，往往富含意味和情趣，卡通、幽默、的标语、艳丽的色块对比，报纸印刷图案、随手的涂鸦、连环画或是肖像拼贴都是波普风格的素材，展现着生活的睿智和幽默感。伊夫・圣・洛朗1956年秋冬推出了以抽象画家蒙德里安的几何绘画为主题的作品，20世纪90年代，范思哲也曾以玛丽莲・梦露头像图案的长裙表他了他对波普艺术的推崇，可见波普艺术风格对服装的影响非常大而且深远，它已经从最初的艺术形式变成与人们随影随行的生活文化。
三、音乐与服装设计
音乐艺术是通过有组织的音响运动，创造音乐形象、表现思想和情感，反应社会生活的艺术形式，这与服装设计有着共同的作用。时装设计不断从音乐中汲取灵感，20世纪60年代一直到现在，无论是朋克、披头士、摇滚等音乐文化，还是众多的流行音乐它们都为设计师提供了丰富的想象空间。
（一）朋克音乐风格
朋克风格诞生于70年代的英国，青少年们对社会产生不满的情绪。他们崇尚自由，他们反叛世间的丑恶，却又创造出新的丑恶。朋克精神是一种自由和解放的象征，也代表着人性的另一面，挣扎、不安于现状的矛盾。
（二）朋克风格服装
朋克风格主张DIY，把廉价服装和布料进行再造加工，使服装呈现出一种新的粗糙的风格。不规则的缝线设计、高高的黑色网眼丝袜、皮带上大大的环扣、格子超短裙、黑色皮革、铆钉……提到朋克就不得不说有“朋克教母”之称的设计师Vivian Westwood，她始终是朋克时装的先驱者，她的设计常常表现为不对称的剪裁结构，凌乱的缝线处理，坚持走性感路线，特别突出胸部和臀部，胸线挖得很低，搭配夸张的大领，故意将文胸穿在外面，开创了衣外穿的先河。
现代服装设计已不是单纯的设计服装，它越来越多的融合了其他形式的艺术设计，艺术是没有界限的，任何艺术形式都有其共同性，服装本身也是一种文化，并与其他的文化类别相互影响，作为服装设计师应多了解世界各时期、各地区、各民族具有代表性的文化，从中获得灵感，创造出有特色、艺术性和文化内涵的时装。
摘 要:中国服装艺术设计能够在世界时尚舞台上占有一席之地,树立自己的品牌,离不开对传统文化的传承。面对服装设计向多元化、民族化、个性化方向发展的趋势,我们应该继承传统文明的精髓并发扬光大,并在此基础上发挥我们的创新精神,使设计既富于创新精神,又不失时代特征和民族特色。
关键词:服装艺术设计 传承 创新
服装艺术设计的发展一方面受到自身发展规律的影响,另一方面又受到其他民族或艺术设计形式的影响。继承是艺术设计的基础,创新则是艺术设计发展的动力。服装艺术设计要想取得好的发展,就必须探讨现代艺术设计与原来艺术设计的关系,探讨本民族的艺术设计与其他民族艺术设计的关系以及服装艺术设计和其他艺术设计之间的关系。服装艺术设计的创新问题也正是对这些关系充分理解和把握的基础上,使设计者更自觉地继承本民族的传统艺术,并且更加主动地借鉴世界各民族及其他艺术设计门类的优秀元素,从而创造出更好的服装艺术设计的产品,促使我国服装艺术设计水平达到一个新的高度。
1 我国服装艺术设计的传承
我国服装艺术设计将传统艺术很好地融入到服装艺术设计中间,将传统民族艺术与现代服饰有机结合,它们成为互为包容、相互协调的统一体。他们之间既相互包容,又相互对立。我国服装艺术设计传承的有以下几个方面。
1.1 对意境的传承
我国传统民族艺术的特点是对意境的追求,特别喜欢通过图案及图案的方式来表达吉祥喜庆的寓意。我们祖先为了表达追求美好的愿望将吉祥和图案结合在一起,是一种传统的风俗习惯。
人们对吉祥喜庆的图案赋予积极向上的内涵,表达了人们热爱生活、热切盼望幸福生活的心态。中华民族的图腾象征是“龙”,它代表勤奋、勇敢、高贵和威武。传统艺术利用了这些吉祥图案的寓意,比如雕刻、瓷器、剪纸和装饰等艺术,中国人将精神寄托在带有吉祥寓意的图案上,这些图案带有了生命力。这些宝贵的传统艺术遗产成为了当代设计师们表现的法宝,设计师祁刚为电影明星高圆圆设计的“喜上眉梢”惊艳戛纳电影节,通过中华民族传统的吉祥图案来传递中国传统文化。
1.2 对图案的传承
我国传统图案的发展历史十分悠久,中国文化从出现之初就认可并强调纹饰的作用。我国图案类别众多,内容反映社会的方方面面。传统图案变幻莫测、美轮美奂、风格迥异,显示了各个历史时期的工艺水平,同时反映了中国的文化传统。许多图案现在仍然受到人们的追捧,历经数百年还保持着旺盛的生命力。我国的服装设计师在现代服装设计的过程中,将包涵传统艺术形式的图案融入进现代服装中,现代服饰中巧妙引入传统图案,使服饰具有古典美。服装设计师为了将传统图案完美融合到现代服装中,在服装设计的过程中,注重图案与服装结合的形式美感,形态与功能的关系、形态与材料以及工艺的关系,有效地体现传统文化在服饰中的内涵。
1.3 对色彩的传承
中国人是世界上最早懂得使用色彩的民族,确立了自己独特的色彩结构,形成了中国人特有的色彩喜好。“青花瓷”、“唐三彩”等以色彩命名的传统艺术形式体现了中国人对色彩的爱好。“婆金”、“描金”这些传统镀金工艺,也体现了古人对色彩的爱好,引起现代人的无限遐想,现在国际社会上仍然以“中国红”这一红色的命名来显示中国人对红色的偏爱。
1.4 主题风格的传承
中国古代的服装设计主题可以简单分为崇拜、节令、习俗、品格、愿望、价值观、时尚、伦理道德、礼仪、权威、环境、社会秩序、美感及情趣等十四大类。古代服装设计的过程中,既有体现单一主题的更多的是多个主题相融合的情景。不同主题的服装设计包含着不同的特色,这些主题都是服装的风格、面料、款式、装饰、色彩及服饰搭配等因素集体作用的效果。直线裁剪、平面展开、强调线型和装饰的抽象化语言,以此来表现社会政治、伦理观念的组合审美观是古代服饰的设计风格。
2 我国服装艺术设计的创新
服装艺术设计的发展离不开传承,但是传承只是积累知识、掌握技巧的手段,是其发展的基础;服装艺术设计要想取得更大的发展就必须依靠创新,创新才是其发展的根本动力。我国现代服装艺术设计的创新可以从以下几个方面入手。
2.1 重视我国传统配色的原理在服装设计中的作用
各民族优秀的艺术设计家在创作古代服装艺术设计作品或其它艺术作品时积累了大量的配色经验,发明了大量的配色组合,这为我国现代服装艺术设计的创新提供了有益的启示。
2.2 借鉴和吸收传统文化的优点
在吸收的过程中,不是简单的拿过来就用,照抄照搬传统文化,而是要对传统文化的材料进行再认识、再加工,主要是文化内涵的改变和艺术表现形式的变换;设计者要把激发创作灵感的原型因素转化为切身的心灵感受,分析、总结原素材的主要优点并进行提炼,最后通过一种准确的、适当的、与现代社会时展需求相适应的形式表现出来。比如旗袍,最开始是满族女子穿的一种类似于长方形的大袍,刚开始出现时的造型不能体现出女性的性感特征,也不能将体现女性的形象美显现出来。1911年,但随着辛亥革命的发生,西方先进的理念开始影响我国,西方女装的先进观念、现代人文精神和设计、造型艺术特点被旗袍所吸收并引用,旗袍的款式和裁剪制作得到极大的提高,将中国传统服饰的优点和西方女装的长处有机地融合在一起。经过吸收再创造以后的旗袍收紧了腰身,将长度缩短、提高开衩的幅度,甚至出现低领无袖的形式,将高领逐渐改变降低直到取消领子,甚至把领子开低,使美丽的颈部完全显露出来,充分展示人体的曲线美,这种中西合璧的服装款式既是借鉴西方优秀服饰文化的结果,也是中国传统服饰文化的传承和发展。
2.3 从传统服饰的角度吸收各种历史时期的配色、图案和精致的传统工艺
艳丽的民族色彩,传统的凤凰、牡丹、祥龙等吉祥图案,精致的刺绣、盘扣,这些具有民族特色的元素越来越多地被设汁师们吸收到服装设计中,借助于打散、错位、变异等方法将传统图案运用到服装设计,进行新的设计重组,实现理想的效果。
3 结语
我国的服装设计只有立足于自己的传统,运用现代设计理念,将中国元素进行感性的运用与理性的重组,融入多种艺术风格,从而创造出真正的中国风格。
摘 要：随着社会经济的发展，人们的物质生活水平日益提高，对服饰审美的要求也不断提高，更加追求多元化和个性化的服装设计。当手绘融入服装艺术设计领域时，受到了人们的青睐和普遍关注。手绘技艺是一种古老的染织艺术，具有悠久的历史特点，当古老的手绘技艺与现代服装设计融合时，充分显现了不可比拟的特征和风格，使服装设计大放异彩。
关键词：手绘；服装；艺术设计
在人们的生活质量改善、服装审美越来越高的前提下，个性化、多元化的服装艺术设计成为潮流和趋势。许多服装艺术设计师采用极为巧妙、精致的方式，将古老的手绘技艺融入服装艺术设计之中，不仅增添了服装设计的新颖性和创意性，也凸显了别具一格的崭新模样，极大地推动了服装艺术设计的创新和发展。
1 手绘技艺的源流与发展
手绘是一种古老的染织艺术，特指在面料上用手工绘制的方式，绘制染织而成各种变化丰富的花样及图案。[1]它历史悠久，早在人类的远古时期就已出现。当时，由于生存环境极其恶劣，人们为了保护自己、恐吓野兽，就将赭石等天然颜料涂抹在自己的身体之上，形成了各种与自然环境相接近的图案，以更好地保护自己、适应环境。当服装面料进入人们的日常生活中时，手绘技艺就成了服装设计的一种独特的装饰纹样和图案。到了现代社会，随着科学技术和社会生产力的进步，手绘技艺在现代印花技术的发明之后略显褪色，然而这种古老的手绘技艺并非失传，而是成了一种古老的艺术被留存和传承，并在现代服装设计领域绽放出其独特的光彩。手绘技艺中自然、纯朴、个性化、丰富化的纹样和图案极大地吸引了人们的眼球，成了独树一帜的服装设计装饰方法和技术，掀起了服装设计界崭新的设计思潮和风尚。
2 手绘技艺在服装艺术设计中的价值
2.1 填补了现代印花技术的不足
在科学技术不断发展和进步的过程中，出现了机械化的作业方式，也衍生了应用于服装设计领域的机械印花技术。由于机械化不可比拟的快速生产模式，机械印花技术被普遍应用于服装的面料上，极大地促进了服装领域的发展。然而，现代机械印花技术仍存在自身的不足和缺憾，主要表现为以下两点：
一是由于模板制作成本较高，加工企业通常会采用同一个机械印花模板进行生产，将消费者的个性化追求置于其次，由此出现了与现代时尚不相符合的缺陷性。二是机械印花需要在制作出花样模板之后，方可投入生产制作过程，这不仅无法充分体现设计者的创意化思想，还容易导致服装图案单调化、生硬化，无法与消费者的多元化需求相匹配。
与之相比，手绘技艺则具有更为独特的优越性，具体表现为以下几点：
一是手绘技艺制作而成的纹样和图案更为简洁和灵活，同时也更具个性化和多元化的特征和风格。服装艺术设计者可进行自主的创意想象，尝试新颖别致的图案和纹样，极大地满足消费者的个性化、多元化的审美需求。二是用手绘技艺制作图案和纹样具有极其便利的条件和优越性，它无需大型设备和更多的场地，具有更低的成本优势，从而获得了人们的青睐。三是针对性较强。手绘技艺制作而成的图案和纹样可以针对性地应用于不同种类的面料之中，并根据设计者的创意想象，有选择地形成风格迥异的纹样和图案。
2.2 手绘技艺制作而成的纹样具有极大的商业潜能和价值
随着人们物质生活水平、审美要求的提高，服装不再仅限于遮体避寒，而更多是出于对服装的审美与装饰的需求，对于服装面料的颜色、图案也力求唯一。[2]这就需要服装生产企业生产出种类丰富、图案各异的服装面料。对此，服装艺术设计者可以利用人们的心理，探寻手绘技艺独特的商业潜能和价值，利用个性化的手绘图案和纹样，对服装进行创新设计和富于想象的创意设计，使消费者可以感受到别具一格的服装艺术审美享受，领略到手绘技艺所带来的服装审美震撼，极大地满足消费者的需求。
3 手绘技艺在现代服装艺术设计中的应用
3.1 遵循手绘技艺在现代服装艺术设计中的原则
在手绘技艺在现代服装艺术设计中应用的过程中，要遵循以下几项具体原则：
一是手绘图案与纹样应与服装的整体风格相吻合。在手绘技艺应用于现代服装艺术设计的过程中，由于手绘图案或纹样可以选材于各种丰富的题材内容，这些题材内容必须与服装艺术的整体风格一致，否则就会显得画蛇添足，削弱服装艺术本来的魅力，降低服装的品位和格调。二是手绘图案或纹样要搭配合理，体现与整体布局的协调性。在现代服装艺术设计中应用手绘技艺时，要顺应和迎合消费者的心理需求和审美需求，不仅要传递出服装艺术设计师的独具匠心，还要满足服装设计的整体布局，在和谐、统一的搭配运用之下，较好地满足人们的观感。三是要注重手绘图案或纹样与面料搭配的协调性。在应用手绘图案或纹样时，要注重手绘图案或纹样与服装面料的搭配，采用相应的手绘艺术手法，使手绘图案与面料形成良好的视觉效果。
3.2 手绘技艺在服装面料中的具体运用
在服装面料中，以材质轻薄、光滑的面料为手绘技艺运用的最佳条件。[3]通常来说，凝重而深沉的服装面料不太适用于手绘技艺，而华贵的丝缎和柔美的真丝面料，则可以成为手绘技艺运用的美丽载体和平台。例如，在桑蚕丝服装面料上所展示的手绘技艺具有色彩斑斓、变幻莫测的审美效果，灵活多变的图案或纹样使服装展现出流光溢彩的效果，极大地弥补了机械印花技术生硬、刻板的缺憾。在丝缎面料之中，手绘技艺可以随心所欲地挥洒和想象，根据服装的不同风格实现不同的图案套色和花样回纹，表现或粗犷或纤细的审美艺术效果。
3.3 采用变幻多端的手绘技艺手法
在手绘技艺应用于服装艺术设计过程中时，可以融合运用丰富变幻的手绘技艺和手法。[4]通常来说，有三种技法――直接绘、防染绘、型染绘，这三种不同的手绘技艺和手法各具特色，在设计师的创意想象之下可以不断创新和变化。比如，黑白水墨画系列的中国民族风服装，凸显了多变的服装艺术风格，以面料的沉稳与厚实、色彩的和谐与自然，展示了东方独具风格的魅力和色彩。再如，在服装设计中嵌入灵动的京剧水袖服饰，配以直观而形象的立体裁剪方式，则可以凸显女性窈窕的身段和温雅的气质。
4 结语
手绘技艺在服装艺术设计中的应用有着不可比拟的艺术价值和商业价值，它区别于现代机械印花工艺，可以更为灵活、更为自如地变幻和创新。服装艺术设计者可以通过创意想象和恣意发挥，运用手绘技艺和手法，并遵循一定的原则，赋予服装以灵动的色彩和风格，从而呈现色彩斑斓、流光溢彩的艺术审美效果。
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