时间:2023-03-03 15:55:14
导语:在美术设计论文的撰写旅程中,学习并吸收他人佳作的精髓是一条宝贵的路径,好期刊汇集了九篇优秀范文,愿这些内容能够启发您的创作灵感,引领您探索更多的创作可能。
关键词:吉祥美术形意势
中国传统吉祥符号是人类智慧的结晶,传承并发扬它,将其精神元素融入现代烹饪美术设计之中,必定会使烹饪美术设计更具文化性和社会性。
中国传统装饰吉祥图案其实是古代先民希冀生活美满幸福,专门为营造吉祥而创造的装饰艺术造型设计。历代遗存至今的大量造型艺术,绝大多数都是中国祈吉纳祥文化思想的物化形象,蕴藏在中华各民族的博大而丰富多彩的民间艺术之中,成为中华民族思想文化得以传承的源泉。
将传统吉祥图案艺术结合到现代烹饪美术教学设计中,是引导学生掌握具有专业性和艺术性的现代烹饪理念的关键。但这样的一种结合,并不是对传统图形进行纯粹的拷贝或者简单的挪用,教师首先应引导学生认识和了解传统图形,并在此基础上让学生学会逐步挖掘、变化和改造传统图形,让传统图形成为他们进行设计的一个新的创意点和启示点,从而设计出焕发生命力的中国烹饪吉祥图案。而对中国传统图形艺术与烹饪吉祥图案的结合,可以分别从传统图形的“形”“意”“势”三个方面来进行分析与沿用。
“形”的提取与衍生
“形”一般指图形所表现出来的物象外形与结构。中国传统图形是根植于中国民族性、地域性的传统艺术渊源中的,它们与现代图形的造型方式有着许多不同的地方。中国传统图形主要注重的是实形(或称为正形)的完整性与装饰性,关注形与形之间的呼应、礼让和穿插关系,在组构时多遵循求整、求对称均齐的骨式。那么如何将传统图形中的“形”运用到现代烹饪美术教学之中?首先,教师应该引导学生学会从传统图形中提取其“形”的元素;然后,再结合构成课程中所学到的一些构成手段,如:打散、切割、错位、变异等方法,将提取的“形”元素再进行新的设计重组;最后,再让学生将这种立足在传统图形原形上,而又对原形不断分解、转变和重构的衍生形糅合到图案的绘制之中。这样的烹饪美术图案,不仅能够保留传统艺术的神韵,又带有鲜明的时代特征,并且还能充分地表达出所蕴含的理念与个性。
“意”的沿用与延伸
从古至今,世世代代,人们之所以反反复复地描摹着同一个图形,不仅仅是因为它的外形具有美观的欣赏价值,更重要的是在于我们所看到的这些传统图形,其背后往往蕴含着更深更广的吉祥意义。
要将传统图形艺术与现代烹饪美术教学相结合,教师不仅要引导学生去提炼和创新传统图形的“形”,同时还要带领学生一起去探求和挖掘蕴含在它们背后的“意”。不论是古人还是现代人,对美好的事物都一样的心存向往,这正如司徒虹所说:“中国人文化意识和形态哲学观念的体现,它具有两个特征:一个是包含科学合理部分,是古人对自然规律的总结;二是它的想象力和创造性,它体现了中国人对吉祥幸福的向往。”传统图形背后的吉祥意味同样也适宜沿用在烹饪美术教学之中。无论从对称讲,还是从偶数说,整个图案都洋溢着古老东方早已流传的吉祥之气。因此,将约定俗成,并已经在中国民众心中形成共识的传统图形“意”延展出更新、更深层次的理念精神,使其更具有文化性与社会性,这也是现代烹饪美术设计的一种很好的艺术体现。
“势”的把握与承传
“势”通常指图形所蕴含的气韵及其所表现出来的态势和气氛,“势”能传达整个图形的精神。在传统图形的“势”这一点上,特别要提到的是中国的国粹——书法。书法是从观察自然界万物姿态而得到启示,匠心结体而成,经过几千年的发展演变,形成了各种不同的个性与风格。书法不仅有结构,更有笔势。结构仅仅是书法运笔的依据,而书法个性形态的形成还是靠其“笔不到而意到”的笔“势”。把握与承传传统图形的“势”,并最终将其融合到现代烹饪美术教学之中,是传统图形艺术与现代图案结合的一个难点。对于传统图形艺术中“形”与“意”的沿用,学生比较好理解,但这种沿用只能说是对传统图形艺术的一种浅层次的理解和认识,而一种新的民族形式的创造,是需要在研究传统图形时摆脱其物化表面,深入到它们精神领域的内部中的。因为只有在深入领悟了传统图形的艺术精华之后,再在现代西方设计思潮的基础上,兼收并蓄,融会贯通,找到传统与现代的契合点,才能打造出属于我们本民族的同时又是国际的现代烹饪美术。
中国传统美学强调的是主客统一的整体意识和“求全美满”的美学观念,认为万事万物都是一个和谐统一的整体,都遵循同一个本质规律。因而中国古代的艺术家始终致力于“以整体为美”的创作,将天、地、人、艺术、道德看作一个生气勃勃的有机整体,以人的情感赋予物的形式,借物抒情,“以形写意”,“形神兼备”,这是一种善和美的行为和意志。在传统图案的题材和构成形式上,都表露出我国人民那种“善始善终”的处世哲学。中国吉祥装饰艺术不重“写实”重“传神”,不重“再现”重“表现”,提升为“物我同一”的审美观念,是中国人文化意识和形态哲学观念的体现。即使吉祥主题的装饰在传统观念中仍具有神性的一面,但它还是具有现实意义的,其深层的装饰动机是创造一个吉祥化的世界,表达一种对安定、和谐、康富生活的企盼。
中国吉祥文化是东方文化的一处独特景观。它题材之广泛、内涵之丰富、形式之多样、流传之久远,是其他艺术形式难以替代的。它是中华民族历史文化宝库中一笔珍贵的精神财富,即使立于世界艺术之林,它那独特的东方文化魅力也丝毫不会逊色。把吉祥符号的精神元素融入现代烹饪美术设计之中,必定会使烹饪美术吉祥图案的设计更具文化性与社会性。
参考文献:
[1]《中国吉祥图像大观1》,《中国艺术学》,彭吉象主编,高等教育出版社,2005年3月
[2]《中国艺术设计史》,赵农著,陕西人民美术出版社,2004年1月
比较常见的舞台灯具有聚光灯、柔光灯、泛光灯、散光灯、换色灯、成像灯等,尤其是近年来新兴起的电脑灯、LED灯等高科技灯具更是成为了舞台美术设计的新宠,舞台灯光师可以运用这些多样的灯具制造出丰富多彩的视觉效果和舞台表演效果。此外,舞台灯光设计是一项非常敏感而又富于个性的工作,灯光设计师在进行灯光设计时要综合考虑各方面的需求,在灯光的流动变幻中创作出深层次的语义,并实现舞台视觉效果的有效沟通,这有利于观众的理解和欣赏。舞台灯光设计师不仅要考虑到所有舞台灯光的主次关系和剧情发展的空间构成,还要考虑到不同表演场景的不同的色彩、明度和照度的需求,以表现出灯光色彩的和谐。其具体需要把握住以下两点设计原则:第一,舞台灯光的变化要符合整体剧情发展的需要,设计师要按照舞台表演的、低潮以及主场、次场等的变化来配置不同的灯光,做到不同场景切换之间的自然有序以及多种色彩搭配的协调合理,保证不同情绪之间的鲜明对比。其次,舞台灯光的设计还要和表演者的动态表演保持高度一致,要保证两者合二为一,无论是灯光的静止还是灯光的流动,都要配合演员的表演,以突出演员的主体地位。在舞台的灯光运用方面,2002年上海戏剧学院“黑匣子”所上演的话剧《牛虻》就是一个很好的例子。在整台舞台表演中,冷酷的白光照明贯穿着整个剧情,并依靠光线的投射角度和亮度所形成的光影来丰富舞台画面,衬托话剧人物。剧中,亚瑟被出卖后也出卖了自己的同志,睡梦中,亚瑟另外一个自我的影子出现在了画面中,且随着模拟心跳的鼓点声渐渐移动,最后被紧紧地拘禁在一个狭小的光圈之中,灯光也随着鼓点声的大小而表现出不同明暗程度的变化,这种灯光的流动变幻揭示出了一个内心饱受良心煎熬的年轻人的心路历程。
二、舞台布景的环境模拟
布景是指舞台上或是摄影场地所放置的景物,是对环境的一种模拟。舞台布景的概念相对来说是比较广泛的,除了剧中人物之外,舞台画面中所有的一切都可以归属到舞台布景的范围之内,可以说舞台布景是舞台美术的主体构成部分。我国著名戏剧家先生曾经说过:“没有舞台布景,就没有戏剧这门形式。”恰到好处的舞台布景,能够渲染舞台表演的氛围,以加深观众对舞台表演的印象。同时,舞台布景作为舞台美术不可或缺的一种表现形式,它能够有效地扩展舞台表现空间,加强时间和空间的对比,从而保证了舞台表演的顺利进行。正如同美国的伯里安在评价英国设计师为《时髦的人》所作的舞台布景时所说的话“此处的舞台背景既表达出了惊人的准确性,又向观众传达出了一种既定的幽默感,还有助于对不同场景的空间环境进行描绘。”从最初的侧片布景到现代的立体布景,从原始的绘景到现代的数字化虚拟视频的广泛的出现,舞台布景已经经历了300多年的风雨历程。具体而言,舞台背景可以分为写实布景和写意布景两种类型。一是写实类舞台布景,这类的舞台布景遵循的是“再现的真实性”这一布景原则,其要求舞台设计师在进行舞台布景设计时要尽可能地还原现实生活或自然形态,以给受众带来极强的现场感和真实感。如在对舞剧《漓江情韵》进行布景设计的时候,设计师对漓江山水进行了深入的研究,然后采用了由翡翠绿构成的漓江山水,最大限度地还原了漓江山水的真实面貌,从而使观众产生了一种身临其境的感觉。二是写意类布景,这类的布景比较抽象,不注重真实的再现和现实的还原,常借用浪漫主义和隐喻的表现手法,以此来表现人物的内心情感。以中央实验室所表演的话剧《阿Q正传》为例,设计师在进行布景设计的时候并没有对江南水乡进行写实的描绘,而是立足于我国的传统文化,采用我国著名的白描手法,在长麻布上用墨色点染出绍兴的水乡作为外景。这样的布景设计引发了受众对该戏剧内在精神世界的思考,有利于把受众带入到人物的内心深处去,从而能使人感受到一种高层次的视觉感受。
三、舞台道具的空间渲染
当前那些对女士们充满诱惑力的漂亮衣服永远不会缺乏购买的动力,永远不会有卖不出去的一天。正是因为这样的一种机遇和商机,导致现在服装市场上没有一点的新鲜感,在现实中到处都是大批量的生产,市场充满“山寨货”的感觉,没有一丁点自己的特点和创新;品牌效应低下,让大家信任和安心的服饰品牌有限,女士们的消费需要无法满足。尽管有很多的品牌将广告做得如何的引人注意,如何的大量资金投入,如何的请大牌明星,但是依然没有一点起色,因为不注重在衣服上的研究,没有更多的创新,一味地生产,让人们产生了审美疲劳。这个时候美术设计进入服装市场,则能创造出更加多元化、更加时尚的衣服,这是服装市场上的一次革命。
2美术设计与服装设计的重要性
美术设计在服装设计中充当了重要而且基础的角色。美术设计过程最重要的是感觉,也就是灵感。一个好的设计的作品必须有内涵和深度,也就是所谓的“悟”,悟到再创作,悟到再设计比不着边际的设计好很多,同样悟的过程也是多看的过程。如图2这款错觉艺术在服装中的应用,就有效地把错觉艺术应用的到服装中来,这一应用,不仅提升是服装的艺术价值,同时又沟通了上装与下装的统一性,使服装的整体性更完备,时尚、典雅和艺术气息浓郁。美术设计在服装中应用,会产生另一种全新的感觉,首先会对服装的审美观会有很大的提高,超强的审美观是服装设计取胜的最大优势,审美观是检验服装妙在何处或者败在何处的着眼点;其次就是服装效果同时也检验着美术设计的功底,彰显设计者美术审美和手法功底,成功的服装设计,是美术与服装的双重成功。服装设计与美术设计是相辅相成,相得益彰的。好的美术创意,推动服装设计的艺术性与审美性,服装设计有增加了美术设计的内涵与表现的张力,二者相互作用,相互制约,缺一不可。
3美术设计对于服装市场的影响
美术设计加入到服装这个多方融合的大家庭之中,带来许多新气象,让设计师可以得到更加充分的想象力,从原来的服装设计之中走出来,有许多现在流行的、受欢迎的服装都是由美术设计得到的灵感。人们从哥特式建筑中得到灵感,靠美术设计,将哥特式风格中的夸张,多装饰元素带到了服装之中,设计出了受欢迎的紧身裤,尖头鞋。美术设计对于服装市场来说,是非常难得的助力,可以促进更多美丽时尚的衣服诞生。
4美术设计在服装市场中的前景分析
从我国的服饰制造业总体增长态势上来看,它的商机是巨大的,因为人人需要穿着,服饰制造业永远不会饱和,服饰的更新换代,季度变化,都是大规模的更新换代,服饰的需求永远不会降低。美术设计在服装生产中扮演着重要的角色,美术设计在未来服装市场中不可忽视时代的进步。时尚潮流的发展,经济水平的提高,服饰制造业在不断地引领消费方向,从遮衣蔽体到高端时尚,服饰对于各个阶层的人都是非常重要的。所以美术设计不但不会被忽视,反而发挥着越来越重要的作用。美术设计在服装市场中的前景是良好的。如今,服饰产业跟随时代的脚步更新人们生活的态度,加强了服饰制造业在人们生活中的地位,也影响了时装设计师的工作,因为涉及到美术设计这一流程。每一位时装设计师的绝佳创意,都会对社会带来一定的经济效益和社会轰动。所以有更多更好的设计理念和想法的出现是极为重要的。五彩缤纷,各具特色的服饰不断涌入时展的潮流中,促进服饰制造业的迅猛发展。服装样式越来越多样化,还有相对应的穿着场合,现今人们更崇尚休闲生活方式,更热爱体育运动,这都将会对服装样式的设计产生巨大的影响,也就是对美术设计理念有了更高的要求。
5结语
我们走进国内著名的专业游戏培训学校,GA游戏教育基地,回顾过去几年中GA培养的数百名游戏美术人才。不难发现,所有这些学员大体可以分成三类。这三类学员的成长轨迹,代表了三种典型的通往游戏开发领域的途径。下面三个学员的真实经历,或许可以给我们一些启发。
李星从小就对美术有浓厚的兴趣,父母很早就开始培养他,希望他能在美术领域有所成就。从小学开始他就一直坚持参加各种美术培训班,最终顺利考上四川美院。大学四年,李星逐渐喜欢上了游戏,刚开始是喜欢玩,后来逐渐对游戏制作产生了浓厚的兴趣。大学毕业之后,李星决定做一名游戏美术设计师。然而尽管在美术方面功底扎实,但是对于游戏开发必须掌握的3D图形技术,李星却一窍不通。几次应聘游戏公司,都因为没有相关经验,也没有必要的软件技能而功败垂成。几次碰壁后,李星报名学习了GA的游戏美术课程。刚开始,由于软件方面基础为零,学得很累。坚持了一段时间后,他逐渐掌握了3dmax和ps等软件工具,也慢慢适应了用电脑作为绘画工具的工作方式。这时他在美术方面的深厚实力开始逐步展现出来,成为了同期学员中的佼佼者。毕业之后,李星的毕业作品得到了多家著名游戏公司的赞赏,顺利拿到了工作合同。走上工作岗位之后,科班出身的李星很快体现出过人的美术实力,工作表现受到公司的充分肯定,短短一年多时间已经成为该公司主美。
杨沈杰大学学的是室内设计专业。毕业之后辗转了多家企业,一直从事室内装潢效果图制作方面的工作。然而这个职位竞争激烈,薪金福利待遇也一直不如人意。杨沈杰仔细考虑了自己的状况后决定转行做游戏美工。看了很多游戏公司的招聘要求,杨沈杰觉得自己会用3d软件,能制作各种物件的模型,贴图,应该完全可以胜任。然而他信心满满地参加了几家公司的考试后,却发现并非那么容易。所谓隔行如隔山,同是使用3d软件来制作各种物件,游戏公司的要求远远高于一般的效果图制作。在朋友的介绍下,杨沈杰参加了GA的游戏美术课程的学习。5个月的学习过程中,杨沈杰越来越感觉到3d图形技术在游戏中的应用,有许多特殊的技术和标准,这些都是以前根本不知道的。另一方面,之前制作效果图,在贴图方面几乎都是使用材质,自己手绘的能力也急待提高。在GA学习期间,杨沈杰几乎天天披星戴月,学习到深夜。最终他不仅顺利完成学业,还用业余时间组织了一个项目小组,以徐家汇教堂为蓝本制作了一个精美的游戏关卡。这为其应聘就业增添了一个重要的砝码,最终杨沈杰顺利被EPICGAMES录用。
和以上两位同学相比,余静同学成为游戏美工的道路就要艰难很多。余静所学的专业跟美术以及设计没有丝毫的关系,毕业之后从事的是销售业务的工作,可以说是地地道道的门外汉。出于对游戏的热爱,余静还是说服家人,决定改行做游戏美工。由于没有任何美术方面的基础,也从来没有接触过3d软件,余静第一次到GA求学时,甚至没有办法通过入学测试。而她没有轻易放弃,自己花了一年时间参加素描、色彩等传统美术培训班的学习。同时,找了很多3dmax方面的书籍自学软件。时隔一年之后考核通过,进入GA开始学习游戏美术课程。由于基础比较欠缺,虽然软件方面通过下功夫多做多练,能够赶上同学的步伐,但是美术方面的能力却不是一朝一夕能够提高的。毕业之后余静的应聘考试远不如同期的其他同学那么顺利,开始的几次都被游戏公司拒绝了。GA的就业指导老师帮她分析原因,寻找对策。一个重要的原因是,余静应聘了几个职位都是角色制作,角色设计师在美术基础上的要求是非常严格的。余静仅仅参加过一年的业余学习,与美术专业的应聘者竞争肯定是吃亏的。想明白这个道理后,余静改变了策略,精心制作了一些并不复杂的物件和场景,仔细观察生活中的真实物体,下了大功夫把这些看似简单的东西做得非常细致精细。果然,新的作品赢得了游戏公司的认可,最终顺利成为一名游戏场景设计师。
正所谓条条大路通罗马,前面提到的三位GA学员有着各自完全不同的教育背景和学习经历,最终都完成了同一个梦想。在这个过程中他们遇到的问题,和努力的重点,都是各不相同的。
在游戏美术领域,科班毕业的美术院校学生无疑是最具有优势的,他们受过专业、系统的美术教育,有扎实的基础,出色的艺术感觉,纯熟的绘画技法,这些对于一个游戏美工来说都是至关重要的。这一类人也是游戏公司比较欢迎的,因为他们往往具有很大的潜力,有很大的上升空间。但这一类学生面临的共同问题是他们学习的是传统意义上的美术,几乎没有接触过数码图形技术,不会使用各种软件。更不用说游戏行业内部的标准和流程,以及一些先进的技术手段。没有这些基本的技能,就算美术功底再好,也很难叩开游戏公司的大门。
因此,像李星这样的学生,其实努力的目标是很明确的。一是熟练掌握游戏开发中使用的各种软件;二是尽快适应一种全新的绘画方式;三是了解游戏开发的流程和一些重要的技术手段。虽然要学的东西非常多,但相对于美术方面的积累和提高,学习这些基本知识和技能还是一个比较容易见效的过程。应该说,这三类学生中,距离游戏行业最近的就是这第一类。
第二类是一些相关专业毕业的学生,这些专业并非纯粹的美术专业,但或多或少都跟美术有一些联系。他们在美术方面虽然不如美院的学生那么专业,但也都具备基本的手绘技能,有一定的美术感觉。例如建筑专业,工业设计专业,平面设计专业等等。这类学生的一个特点是,往往比第一类学生的软件应用能力强。甚至有一些能够比较熟练的应用3d软件。他们成为游戏美工的可能性也非常大,相对第一类学生来说,在软件方面的障碍更小。但摆在他们面前的有两个问题:第一,在技术方面并不了解游戏制作的特殊性。虽然他们有一定软件基础,或许在工作中也曾经应用过相应的软件,但游戏开发中的一些标准,习惯,以及一些特有的技术手段是他们无法掌握的。假如以往的经验形成了一定的思维定势,走入了一些技术误区,甚至有可能局限他在游戏领域的发展。第二个问题是,虽然他们比第一类学生在软件方面有优势,可能入行更容易一些,但在美术功底方面的不足可能会逐渐体现出来,限制今后的职业发展。
针对这两个问题,这一类相关专业学生的努力方向就应该有所不同。在初期的学习阶段,应该注重游戏开发实际工作能力的培养,站在一个游戏美术的角度去逐步养成一些应有的操作习惯,多把注意力放在游戏开发有的一些技术手段的学习上。像杨沈杰那样主动去参与一个小的项目开发会是非常好的学习方法。而更长期的学习重点还应该放在提高自己的艺术修养和美术功力上,作为一个游戏美术设计师,这将会是贯穿整个职业生涯的长期过程,只有不断的提高,才能获得更大的发展空间。
像余静这样的第三类学生应该说是面临最大困难的一类。甚至在很多人看来,让一个完完全全的门外汉在一两年里成为合格的游戏美术设计师根本就是一个不可能完成的任务。在几年前,游戏美术完全依靠手绘的时代,确实如此。不过近几年诞生了许多新软件,大大方便了3D模型的制作;以往完全依靠手绘的模型贴图,现在也可以通过修改一些现成的素材来完成。这使非美术专业的学生从事游戏美术设计工作成为可能。当然这会需要付出很大的努力。
1立体与平面的对立——立体的演播室与扁平的接收屏
随着新闻播报手段的现代化,新闻演播厅不再局限于“一桌一椅”,而是向着设备立体化、布局综合化的方向发展。如央视四套《海峡两岸》栏目在主播镜头位采用了液晶屏幕背景墙加圆形演播桌的布局形式,深圳卫视《军情直播间》栏目则设置了圆环形液晶背景墙,并将天棚、地板都设置为可控电子屏幕。这种虚拟演播间的设置对栏目的美术设计提出了新的要求。一方面,新闻演播室本身属于舞台的一种,而舞台美术必须涵盖现成审美的需求,特别对那些有现场观众参与节目的新闻演播室来说,这些舞台设计就要一方面满足现场观众的舞台审美需求,另一方面满足电视机前广大观众对审美的需求。所以,这需要立体的、多层次的舞台设计。然而,新闻演播厅现场很难在平面化的电视屏幕上展现其立体的效果,也就很难使电视观众得到现场观众所能体验到的身临其境的感受。
2立体与平面的统一——电视平面屏幕展现出的立体空间
虽然电视屏幕是平面的,但是通过精心的舞台美术设计仍然能够使电视观众最大限度地体验到现场观众才能体验到的新闻布景气氛。虽然舞台美术从结构布景的角度分为立面空间(与舞台平面相垂直或接近垂直的布景)处理和平面形象,但无论是直接服务于现场观众视觉的立面布景,还是传统意义中主要服务于电视屏幕的平面布景,都是电视新闻演播厅的一部分,都应该在布局、色调、光影等美术层面上达到协调统一,并最终体现出庄严大气、权威可信的新闻演播间的氛围,使舞台美术在立体与平面两个层次上都对观众产生视觉冲击力。
二、平面电视凸显立体演播间的设计策略
1整体设计及造型
要想使平面的电视屏凸显新闻演播室的立体,美术布景设计的核心就是现场空间的排列和划分,通过排列组合、区域划分使不大的新闻演播室形成多层次的立体感。因此,有的栏目在舞台正后方电子屏幕前树立纵向标题板,标题板下方以近大远小、近实远虚的圆点增加了有限空间的纵深感。标题板两侧也以过渡形式增强立体感。以半弧形将演播桌两侧向镜头过渡,不但能够进一步增加演播室的立体感觉,还能使电视观众有置入直播间的视野错觉。在整体造型上,液晶背景墙-纵向标题板-主持人及嘉宾-演播台-圆形低台共同形成了演播室内的多层次效应,虽然演播间从液晶背景墙到最前方的低台只有2米多,却给观众以多维度、高纵深的感觉,这需要从整体布局到具体细节的环环把握才能实现。
2色彩
不同的趋向性决定了栏目的色彩定位。央视新闻频道选用蓝色作为主色调,蓝色代表“冷静”与“知性”,央视新闻频道代表的是国家新闻频道,通过色调体现自身客观、冷静、知性的栏目形象是十分恰当的。色彩是一个栏目美术设计的灵魂,多数新闻栏目都以冷色调作为主色,如蓝、黑、灰等,并以低饱和度和低纯度的渐变色调强化受众的心理感受程度并增加视觉冲击力,通过色彩产生视觉纵深效果。色彩的选择不是固定的,同样为新闻栏目的淄博电视台《时事直通车》则采用了红色基调。这是因为该栏目以国际政治性话题为主,红色能够给人以脉搏加快、思想跳跃的感受,使观众在收看过程中情绪更为振奋和激昂。无论采取哪种主色调,新闻演播室的美术设计都不可能采用单色调,通常会通过渐变色、混合色的方式突出演播室的中心区域并形成纵深感。新闻演播间的纵深感和层次感还可以通过色彩对比和色彩调和等方式实现。色彩对比是通过不同色彩的明度、纯度差异实现的,主要包括同时对比和连续对比两种方式。
3光影
人对光线具有天生的敏感性,从舞台美术角度来看光线也是设计的一个重要元素,电视新闻演播间的光线设计能够使观众的注意力更集中于编导想要表现的位置。仍以淄博电视台《时事直通车》为例,通过光影的变化,液晶背景墙的上方最暗,逐步向主持人及嘉宾变亮。低台的台标为整个演播厅中心,通过高光加以突出。演播桌及嘉宾位置亮度次之,再次为主持人位置。这种灯光的差异安排使电视新闻演播间在色彩变化的基础上又产生了光影的变化,进一步增强了演播厅的层次感和纵深感,既突出了新闻演播室内的重点目标也增强了电视屏幕的立体效果。
4角度
电视新闻演播厅通常是六面墙构成的,其与戏剧、晚会的四面墙空间的美术设计有着较大的不同。很多电视新闻的拍摄也将天花板和地板作为拍摄目标,如进行仰拍、俯拍、全景推进及后拉等,这些情况下天花板和地板都会进入电视画面。这就需要电视美术工作者在进行布景前务必做到全方位、无死角的美术设计。如《新闻联播》每次结束时都会拉伸摄影机到高位,原本看不到的演播厅地面情况一览无余。其设计为鹅黄色淡色系反光地面,既显得整洁大气,又能通过地面反光感受到拍摄不到的顶棚灯光,是通过摄影机变化角度来体现不同的电视画面效果的最普遍范例。
三、从立体到平面的栏目设计流程
第一步:简洁而有层次地整体设计。电视新闻的发展要求不再只满足于正面近景的取景位,而是多角度、远景及近景交替地进行拍摄,这要求新闻演播间的美术设计也必须全方位地展现空间感。在电视新闻节目播出时,观众对直播间内各个位置的关注程度也是有区别的。处于演播室的中心位置最为突出,前区(低台、演播桌)比后区(液晶背景墙)突出,左翼(主持人所在地区)比右翼(嘉宾所在地区)突出。在进行设计时就要有意强化这些突出位置的美术设计,使之具有节奏感和层次感。
第二步:根据栏目定位确定主题色彩。电视新闻栏目的基调通常为“庄重”、“权威”、“正式”,因此在主题色彩的选择上通常也以能够表现这些内容的颜色为主。通过同一颜色渐变或多色彩的交替、重复来形成视觉上的节奏感,再灵活地运用面、线、点之间的穿插、结合、转换和分割,就会产生节奏感,再将具有节奏感的色彩在新闻演播间内进行连接就会为电视观众带来富有生命力的色彩律动。
第三步:设计图纸。通过演播室的现场勘察,将整体设计创意和颜色布景从演播室勘察结构的二维结构图设计为三维实景空间图,在设计过程中对演播室的宽度、长度、高度、灯光及摄像机位置都进行测度。要带着较为成熟的设计与栏目编导进行沟通,带着导演对设计风格、整体样式及设计内涵的认同和提升意见对现场进行再次检测,以保证设计的实用性和预期效果的可执行性。在制作效果图时要考虑到多项影响指标,包括灯光、色彩、角度等,制作的效果图包括平面图、多角度立体图、色标图表等,必要时还要拿出色标样本,特别是要重视通过多角度的拍摄效果图来检验立体到平面设计的可行性,并预测舞台美术设计效果。这一过程需要灯光师、编导的共同参与。
美术、设计基础教学的发展趋势是构建一种“宽口径、厚基础”和“通识艺术基础”的模式,在基础教学改革上拓宽知识面,培养综合能力以及学生创造性思维。我国当下美术高等教育,主要是在对过去几十年形成的优良传统中去继承和发扬,结合国际上较成熟的教学理念和模式,在实践中探究“通识艺术”的基础教学模式。以主动适应新时期高速发展的经济文化对高等美术教育的要求为目的。教学研究的重点由造型技能逐渐转变为视觉艺术综合能力的培养。在进入美术高校以前,考生因课程压力过重、机械式训练等所遗留下的死板、单调等问题一直未得到解决而不利于美术高校专业知识吸收。对此,学生需要一个较长的时间来适应大学的教学节奏。而这个适应的过程在如今高等美术教育的研究中,尚未有一个行之有效的方法。由于综合性大学的艺术专业和专业美术学院在人才培养模式、课程设置等方面存在一定差异,专业美院一些先进的教学研究成果因为课程容量等原因无法直接复制于综合性大学的艺术专业,中外美术史、艺术概论等理论类课程无法很好的与专业技能课衔接,甚至出现脱节。因此,提高学生基础能力与教学质量,需要一个将课上与课下、理论知识与专业技法相衔接的桥梁。
二、艺术学院美术设计基础培优第二课堂建设研究
(一)研究目标
1.基础培优第二课堂研究的目标
(1)建立并完善基础培优第二课堂各项制度,形成良性模式持续循环,成为常规教学补充和学生提升自我的平台。
(2)加大基础培优第二课堂中的教学试验和改革,为常规教学培养模式的革新提供参考依据。
(3)指导参与第二课堂的学生每二年举办一次汇报展览,展示教学成果和学习成果。
2.基础培优第二课堂研究与理论实践
(1)改正美术、设计低年级学生因高考应考而养成的不良绘画习惯。
(2)扩展学生眼界,引导学生重新认识“基础”的深刻内涵,和动态的外延。
(3)根据学生的自身情况与特长,多角度深化专业技能的培养。
(4)结合实际情况,有选择吸收国内外美术、设计基础教学的先进经验和教学理念,运用到第二课堂教学,并以高水平的展览、竞赛来检验教学效果。
(二)研究的主要内容
基础培优第二课堂为教师无偿指导和学生自觉自愿的组织行为。因此,在最大限度上实现了学习的主动性和参与性。在教师对研究性和创造性学习指导中不会因学生水平参差不齐而降低指导效率。教学内容可以随国内外最新研究成果调整变化,体现最强的时代性和前瞻性。通过对艺术类高校美术、设计基础教学模式的调研,结合学校自身实际情况,以现有基础教学模式为基础,探索常规教学之外如何利用现有资源集中培养优质人才,并总结出培养方法。
(1)研究常规教学之外的课题补充。常规课堂教学受时间、排课等因素限制,教学中课题设置有限,通过第二课堂可以得到补充和加强。
(2)具体研究第二课堂的组织形式,课程安排,使之成为常规教学的有益补充且不与之冲突。
(3)研究在“宽口径、厚基础”的大环境下,如何组织指导学生冲击各种高水平展览、竞赛,取得好的奖项。
(三)研究的意义
1.对学生的意义
(1)拓展学生学习空间与时间,拓展多样化教学和学习手段。
(2)衔接常规专业课程间因时间安排而造成的空档,加强专业学习延续性。
(3)为学生的学习和研究提供自由发挥的空间。
(4)拓宽知识面,培养综合能力以及学生创造性思维
(5)有针对性的培养优秀学生参加创新竞赛、美术展览及创新创业能力。
2.对学校与教育事业的意义
对学校:研究常规课程之外如何补充对学生有益而又符合培养目标的教学内容,旨在对优秀学生专业拔高既而辐射整个专业,提高教学质量。对于现在的美术教育:从更多的角度和手段上摸索和建立具有地方综合性高校特色的美术基础教学模式。
三、美术设计基础培优第二课堂在高等美术教育中的实际应用
(一)美术设计基础培优第二课堂的实践方式
首先,基础培优课堂从理论联系实际,广泛收集研究国内外艺术基础教学的最新理论成果,从学校实际出发,结合自身办学定位,研究制定科学的管理方法和教学计划,合理拓展基础外延,将传统文化、综合材料等和常规基础教学相融合,形成具有鲜明特色的教学模式。其次,基础培优课堂成为艺术学院第二课堂,将是常规基础教学的延续与加强,在教学思想一致性的前提下最大限度的拓展教学手段,在小范围内推行精英试验教育,为新形势下的基础教学模式提供改革参考。最后,打造艺术学院基础教学第二课堂,在多方面提高学生专业能力的同时帮助学生尽快完成向研究性学习和创造性学习的转化。在一个相当的范围内着重培养一批基础厚重、学识宽泛的高水平学生,并具有较强的创新能力和竞赛能力,在学习上成为年级的带动者,形成广大的辐射效应,既而提高整个学院的办学水平。
(二)美术设计基础培优第二课堂在高等美术教育中的应用效果
基础培优第二课堂作为教师无偿指导和学生自觉自愿的组织行为,在最大限度上保证了学习的积极性和效率性。在教师对研究性和创造性学习指导中不会因学生水平参差不齐而降低指导效率。教学内容可以随国内外最新研究成果调整变化,体现最强的时代性和前瞻性。基础培优课堂对艺术学院提高基础教学质量有着重要的补充作用,是常规课堂教学的延续和拓展,为教学改革提供新的环境和土壤。最终成为提高艺术学院本科教育整体办学质量的重要组成部分。
四、美术设计基础培优第二课堂建设的先行实践
湖北省三峡大学艺术学院先行建设实践:
(1)2011年5月至2012年1月,选拔了一批具有学习积极性与正确学习观的学生,并完成基础培优第二课堂各项制度的建立,且持续运转。
(2)2012年3月至2012年7月,指导学生完成一批形式多样的基础作品,并整理备展。
(3)2012年9月至2012年12月产生一批有质量有影响的基础作品,举办学院内部作品汇报展,并鼓励学生作品参加各项比赛或画展选拔。
(4)2013年1月至2013年5月,对此项目进行总结与成果整理:美术设计基础培优第二课堂建设前,由于专业课程的连续性不足,学生缺乏绘画主动性与作品比赛参展方向性。通过基础培优的第二课堂方式与大环境熏陶下,学生作品参展数量和质量大幅提升,于艺术学院“迎新画展”、“三峡大学桃花艺术节”、“湖北省楚风杯书画类作品比赛”等各项画展比赛均有数学生参展并获奖。
五、结语
1.经过我的一些阶段性研究调查总结,目前高校平面设计教育中存在诸多问题:
(1)平面设计学科及专业定位不明确。我国现有超过千所高校开设平面设计教育专业,教学规模急剧扩张的同时造成培养目标不明、观念陈旧、学科定位不清、教学不规范、教育方法陈旧、课程体系和内容不完善等。
(2)大多数高校平面设计专业学生学习的过程中与外界接触的机会甚少,缺乏实践动手能力。
(3)学生对时代的发展、对新媒体影响设计的程度了解不够,学生只是顺理成章地完成教学需要的基本课程,没能在思维能力上有自主创新意识。
(4)数字媒体设计范围日趋增大,时代对平面设计教育体系提出更高要求,各类设计学科的交叉化成为现代平面设计的重要趋势。当前我们面临的最大挑战莫过于大众化、全球化以及日趋成熟的市场经济对平面设计及其教育体系带来的革命性冲击。教育需要面向未来、面对商业化,需要与实践相结合,因此我国平面设计教育体系在时代趋势下如何充分运用新科技、新思想、新设计、新科技的变化进行创新,新型平面设计素质教育改革已刻不容缓。
2.对数字媒体技术下平面设计教育改革的探索
首先,转变教育观念是实施平面设计创新教育的前提。平面设计教育最核心问题是培养学生树立起现代平面设计新观念,在设计的多维化的实践过程中,展开无限遐想进而达到确切传达沟通信息的目的。因而高校平面设计教育体系应该以实施跨媒介创新教育为前提,转变学生的传统、刻板设计观念,形成运用新信息技术的习惯。其次,要归纳平面设计教育科目并创建出新体系。在教育教学理念上,应将数字媒体领域、计算机技术、平面设计三者相结合,培养符合当今社会发展需求的复合型人才,以面向需求及开放式办学为理念,大胆探索新的办学机制、教学模式并与实践相结合。提倡重视平面设计基础理论的研究,同时努力把中国文化和新媒体设计相结合,注入崭新的设计文化理念,使平面设计基础教学呈现生机勃勃的信息时代特色,多层次的培养具有国际化视野、新媒介思维的平面设计技术人才。再次,平面设计教学过程中教育者要寻求跨媒介教育融合,努力提升“创意”这一设计的灵魂元素,以文化创意实现价值再造。促进创意产业与其他产业相结合,产生I+I>2的效果。所以,平面设计教学过程中要以数字媒体人才培养为中心,着重突出计算机技术与艺术跨学科能力培养,把培养高素质、高技能的计算机技术与平面设计结合的复合型创新人才作为目标。
二、结语
(一)教学观念陈旧多媒体技术
广泛应用于艺术设计教学领域,尽管教学模式发生了巨大改变,然而,在实际教学中,多数教师的教学观念依然处于落后的状态,并未随教学模式的改变而进行及时的调整,即依然以传统的“灌输”式教学理念为主,教师是整个教学过程中的绝对主导者,学生仍是被动、机械的接收教师所教授的课堂知识。当前的多媒体教学虽然从表面上看实现了更新、进步,但实质上是“换汤不换药”,并未发生根本性的改变。
(二)多媒体教学滥用
在目前艺术设计教学过程中,多媒体技术滥用的现象比较常见。并非每门艺术设计课程都适用于多媒体教学,诸如,艺术设计的专业基础课,就需要教师亲自进行绘画展示,并结合学生的画图演练来实现教学目标,而这则需要在专业的绘画教室进行,多媒体教学模式此时就显然不适合。另外,多媒体教学滥用现象还表现在过度吸纳信息量方面,课堂教学信息并不是一味地多就好,然而,很多教师在设计课件的时候,面对丰富多彩的信息不知取舍,将之全部搬到课堂上进行讲解,这就造成教学内容不分主次,使得学生被海量的信息所吞噬,无法实现教学任务与目的。
(三)课件制作不精
对于多媒体教学来说,课件制作的精细与否对于教学效果具有决定性的影响。而要制作出优质的教学课件,就需要教师投入大量的精力与时间。由于网络上的教学资源极其丰富,这就导致一些为求省时省力的教师直接从网上粘贴或者下载相关课件,稍加改动甚至不做丝毫修改,就直接拿到课堂上使用。另外,现在的很多教材几乎都配有多媒体课件,所以,一些不负责任的教师就不再备课,而是将教材中配备的课件或者其他教师的课件内容直接拷贝过来应付课堂教学。这些现象都会降低教师队伍的能力与素质,对艺术设计教学具有恶劣的影响。
二、多媒体在艺术设计教学中的应用策略
(一)多媒体教学与传统教学相结合
教学技术的应用与进步,不是通过相互排斥、彻底否定其他教学方式为基础的,而是相互促进与完善,多媒体技术也不例外,无论其多么先进都无法完全取代传统的教学模式。例如,教师在讲授课程中,对于艺术设计的基础专业知识或者课程中的关键点与难点,就可以通过板书的形式做更加深入的讲解,以此增强学生对相关知识的理解与技艺;另外,教师在课堂上经常会迸发出一些灵感,而板书就是将这些灵感及时的记录下来并传授给学生的最佳手段。而这些正好填补了多媒体教学的缺陷与不足。因此,将多媒体教学与传统教学有机地结合起来,才更加有利于提高艺术设计教学的效率。
(二)提升学生学习的自主性
学生是整个学习的主角,在应用多媒体教学过程中,要注意培养学生运用网络资源与技术进行自主学习的能力。教师可以依据教学目标、任务与要求,对课件进行精心制作或者储备相关资料,在课堂上对学生进行适当的提问,并积极组织学生参与各种学习活动。学生可以充分地利用多媒体与网络,对课堂上教师讲解的课件进行搜索查询,然后进行认真的学习、分析与总结,通过学生积极主动的学习,更加有效地提高教学效率。
(三)精心制作课件在艺术设计教学中
教师要最大限度地发挥多媒体教学的功能,一方面,必须精心的准备课件,对教材进行详细研读,真正领会教学内容与任务。教师制作课件的过程中,除了要从宏观上掌握艺术设计教学大纲之外,还要弄清楚教学的重点部分与难点部分,从而让学生清晰学习内容的关键之处。另一方面,教师还要创新性的进行课件制作,充分运用多媒体教学的优势,将教学内容通过生动有趣的方式讲授给学生。
三、总结
1数字媒体技术特征论
述数字媒体主要利用二进制形式进行各类信息记录,其中可应用的载体包括事物、感觉与逻辑因素等。其中狭义数字媒体就是透过感觉突破口获得解放的,表现形式包括数字化声音与动画等。计算机在数字媒体过渡发展历史上贯彻着独特的支持功效,经常会把计算机软件程序作为展示工具并科学放置于其余媒体框架之中,就是所谓的多媒体设备。包括平面广告、字体定制以及插图布局等。目前大多数设计学院已经开始借助计算机接口研究虚拟现实环境。不可忽视的是,数字媒体保留一定程度的交互性特征,透过各类硬件、软件以及用户参与进行媒体生命力赋予,提升艺术创作内涵同时挣脱纯数字技术炫耀弊端,需要相关艺术创作主体多加关注。数字媒体技术表现直接决定后期作品视觉效果,是一种切实的包装手段。在数字媒体创作空间中,艺术摒弃独立观赏特性,一切功能都为贯彻主题视觉、音效效应服务,杜绝个人、总体风格混乱状况。因此,包括色彩、界面非线性设计都彰显着开发人员独特的认知水准,这也决定着参与数字媒体动画设计活动的个体都必须保留一定技术应用潜质,这样才有助于尽量发挥想象空间并丰富艺术表现手法。
2中国动画设计事业发展现状研究
动画产业作为特有文化产品构造与宣传模式,已经在我国社会中产生巨大的反响效果,大部分青少年群体纷纷投入关注力度并换取相应的经济效益。动画作品颁布与宣传能够激发少年爱国情怀与民族意识,丰富社会大众精神文化层次,适当缓解长期工作带来的疲倦效应。而后经过与国外动漫生产厂家经验交流,加上数字生产技术的大量引进,使得具备中国特色的动画制作体制产生多元形式改变迹象,包括一专多能动漫人才亦获得健康成长。动漫企业理所当然地迈进市场前沿并注重产品样式丰富工作,维持着电影电视、服装设计行业的同步带动效应。以上裙带关系对于数字媒体技术科学应用产生以下启示:首先,数字媒体技术若想过渡成为完整的价值链系统,就必须主动完善创造、供应、流通传播机制。其与传统价值链形态相比,更加注重在数字化背景下的存在意义,希望带动观众参与,使得既有价值链更加多元。其次,涉及各个链接结构实际上保留相互联系特征,组合模式特同步维持动态效应。最后,数字媒体技术发展历程不具备顺序特征,主要是围绕核心价值系统进行专业化品牌改进,确保在市场竞争中保留宣传优势。
3数字技术与数字媒体对于动画设计工作的影响细节解析
自从我国动画透过电视过渡到数字媒体领域之后,市场需求量一再扩张,各类受众人群也开始对体裁模式与情境质量产生严格要求,而各类媒体之间的多元竞争现象更加会提升优秀内容价值牵引功效,令国产动画在数字媒体技术发展渠道上更加兴旺。在数字媒体技术视角下,包括一切外在物质表象束缚都得到挣脱,而纯粹化自由心灵领域之门终于大开。这一切现象都赋予着艺术创作空前的自由空间,相应地会全方位引发艺术形成的当代重构格局。
3.1动画创作形态的有力丰富此类功效
具体透过创新材料与艺术语言表现手段呈现,大部分艺术家已经开始学会将固定作品传输到计算机程序内部,并依照个人想象与情感基调进行特殊效果赋予,包括3D立体效果等。
3.2内容表现空间的拓展
传统动画艺术表现形式经常会受到材料与空间各类限制因素影响,但目前随着计算机媒体技术的广泛应用和影响,艺术表现便可以透过宏观、微观层面进行细致展现。例如在大部分电影作品中表现远古时代场景,单纯利用物资搭配需要耗费一定数量的成本资金,而数字媒体便可以在操作者天马行空想象之下进行合理配置,令一切如梦幻般的场景清晰呈现在观众面前。
3.3提升动画作品设计效率