时间：2023-03-10 14:47:34
导语：在艺术设计教学论文的撰写旅程中，学习并吸收他人佳作的精髓是一条宝贵的路径，好期刊汇集了九篇优秀范文，愿这些内容能够启发您的创作灵感，引领您探索更多的创作可能。
一、艺术设计基础课程现状
“据不完全，中国设立艺术设计专业的大专院校已经达到1400多所，每年毕业生数量约10多万人，面对如此庞大的发展数量，中国需要什么样的设计人才引起了我们的思索。我们一定要根据各院校特点，利用丰富的艺术资源，注重学生艺术素质的培养，注重学生本身的整体素质的培养，突出实验性与前瞻性。学生真正要适应，真正培养的实际上是他的要适应社会，而不是技术要适应社会，技术要高于社会。艺术设计专业学生首先接触到的几门基础课——素描、色彩以及色彩构成往往抹煞了艺术与设计的关系和培养有较强的个性表现力、创新能力、有前瞻性及较高的艺术素养这层功能。三门课程的教学实验改革，各校唯一的共同点是都强调造型和技术能力的培养。除去这两点外，还应教什么，目的何在？我认为这才是真正解决现存问题的关键。什么才是高于单一课程，贯穿艺术设计教育的本源问题？毋庸置疑，是艺术审美。艺术审美引领着艺术设计教育中一切要素的走向。所以，深刻意识到素描、色彩以及色彩构成课程除却造型、技法以及单一的色彩配比以外，还能通过“艺术的思维与表现”给设计专业的学生提供最直接的艺术审美训练的平台。而恰恰设计专业的学生的艺术思维与表现能力的高低，对能否实现现时代设计教育的目的与要求，起着至关重要的作用。上述三门基础造型课程，在全国各院校艺术设计专业的基础教学中体现为两大倾向：一种是强调“设计性”、理性化的教学，其弊病是缺乏对学生艺术审美修养的培养，容易养成学生肤浅的形式主义观念和漠视设计艺术性的匠人品位，对学生造型创新思维的培养仅停留在空洞的形式层面。二是脱离设计特殊性，强调造型表现的技术性，造成学生思维禁锢，审美僵化，使之较难与后续课程链接。两种倾向都容易导致课程内容偏缺与方法盲目。 “艺术视觉思维的训练”“艺术表现的审美体验”往往被忽略掉，恰恰这是设计专业学生理解设计与技术的关系、设计与艺术的关系、艺术设计与社会的关系的桥梁。这也理应是这些基础课课程所要承载的教学内容，而并非要到进入设计专业课程后才要做或才能做到的事。
二、领会艺术的思维与表现
世界上极具前卫地位的加利福尼亚艺术学院的研究生说：“花了这么多钱和时间，我们学到了如何思想。”这反映出美国艺术教育的重点是突出观念和思维，这也是西方现代艺术教育的重点。如何训练学生学会思想，成为西方现代艺术教育者研究的目标。在这样的背景下， 90年代开中国艺术教育界也因此开展了系列学术争鸣。中央学院由周至禹教授领军，率先对本部设计基础课程进行改革，并已成体系。强调设计的学科特点，围绕培养学生创意思维组织课程的建设。
众所周知，无论是国内还是国外，现代的艺术教育——尤其是设计教育，是极其强调“思维训练”的。而设计基础课同样强调“思维”训练，不同的是根据课程特点，偏重于对“艺术的思维”训练，而且是在“艺术的表现”过程中去领悟，以达到教学目的。整个过程中“艺术的”这个前缀非常重要，因为在整个设计教学体系中，没有哪门课能如此直接地把学生领入与 “艺术表现语言”对话的语境，并让学生迅速进入“艺术思维”的状态。在此过程中，老师对学生审美广度与深度的引领，很容易让学生步入一个全新的艺术审美高度，学生对造型以及技法的理解不再是概念化的，而是个性化的。最终，达到作为艺术设计专业基础课程教育的全部教学目的。
三、教学的具体内容与方法
1.在“的思维与表现”的体验过程中，强调艺术素养的训练。审美的觉悟需要通过感官对和客体的体验、思维对视觉的想象，最终由手准确地在载体上表达出来，观看、想象和构绘三者构成了视觉思维的全过程。根据所授基础课程的自身特点突破传统设计基础教学的单一思路，强调基础教学的艺术与设计双重性，建立合理的教学目的、课程内容，以及与后续设计课程之间的良好衔接关系。有助于启发和引导学生创造性理解艺术与设计的关系。在掌握具象和抽象造型规律的基础之上注重学生的艺术审美素质的培养、艺术视觉思维能力的训练和艺术表现规律的体验，并通过基础课学习更深刻的认知和理解造型与色彩之间的高级和谐。最终实现学生艺术视觉洞察力与艺术思维创造力以及艺术语言表现力的和谐进化。
2.从目标式教学转型为过程性教学，更利于培养学生的艺术理解力、领悟力及艺术个性和创造力。周至禹教授在中央美院设计系实验教学丛书《过渡——从自然形态到抽象形态》中写道：“重要的仍然是过渡过程中的思维训练，用脑画画，启发心智，用创造性的设计思维探索造型要素的各种可能性，其意义甚过了局部作业的完整性。”
传统基础课是目标式教学方式，有碍学生感性认知的发生、发展。另外，主观色彩研究是色彩构成教学的重要内容。以往的教学实践，主要以手绘形式表现“色彩联想”和“采集重构”作业。其训练的单一性很难完成学生对色彩的真实感受和更高级透彻的理解。而“艺术的思维与表现”看重教学中的过程，对学生艺术审美素质和表现能力的培养，是通过启发视觉洞察力、开拓视觉思维想象力、体悟艺术表现语言这些阶段过程性课题实现的。异是萌发学生艺术个性和艺术创造力的原动力，过程性教学，更利于培养学生的艺术个性及创造力。
显然，培养学生的个性表现力、创新能力、及较高的艺术素养、责任感，是设计专业基础教学的最终目的。
【参考文献】
[1](德)约翰内斯·伊顿《色彩艺术》杜定宇 译 世界图书出版司 1999.6
[2]视觉同盟网.中国艺术设计大型系列访谈专题， 2006.
关键词:高校艺术设计;实践教学;改革策略
一、艺术设计专业实践教学的基本内涵
艺术设计是一门涉及多个学科交叉和融合的专业性学科，所以从事其艺术设计的教学本身也是一门对艺术的修养过程，而艺术设计专业实践教学不仅要求教师要有较好的艺术修养和审美能力，将理论和实践、经验融合，更需要通过实践的形式将艺术性用作品来呈现。通常艺术设计专业实践教学有实习、实训、实操及实验四个实践教学环节，着重培养学生的创新能力、设计和动手能力等，进而合理运用所学，完成对知识的串联和消化，激发自身创造力。
二、高校艺术设计专业实践教学现状
1．人才社会实践教学体系不符合教学规律
当今社会是人才社会，也是一个竞争社会，只有符合社会发展潮流的人才才能让自身得到社会更大的认可。但就目前看来，一些高职院校艺术设计专业在课程设置上，剥离了理论和实践教学关系，基本将临毕业学年定位于实践实习，其他学年都在做功课修习，这样的设置安排不利于学生的内容更好的得到消化，很多教育内容往往最后变成了“丢了西瓜捡芝麻”，而且高职院校的最后一年，学生面临就业分配，课程设计等繁杂任务，精力在实践上有限，实践教学的作用也大打折扣，从而导致了毕业后实践缺失，在社会中缺乏应有的竞争力。
2．高校缺乏实施实践教学的条件
艺术设计是一门涉及多个领域学科的综合性学科，其多个学科的融合才能形成真正的使用艺术。实践是检验艺术理论的重要依据，而现实中，一些高校由于缺乏资金，导致学校的实践教学设备老化，教学材料有限，达不到实践教学的教学目标，同时，一些实践教学中必须需要的新材料、新工艺等符合时代气息的新鲜事物也未能展现在实践课堂上，这就使实践教学成为了摆设和形式。
3．实践教学的实施缺乏社会支持
为了提高学生的实践能力和认知能力，很多院校也提出了一系列的举措，比方说建立校办工厂，校企合作等方式，这种方式值得肯定。但是，由于艺术设计专业的特殊性，其设计教学内容和设备无法为企业提供利润或者眼前商业价值的实质性需求，导致了企业单位对实践实习的排斥，企业不想将自己的营业场所免费开放给高校，作为实践实习的基地，而高校同时又没有协调好各种关系，未能疏通梳理二者之间的联系，导致了企业单位抵触高职院校在其自身营业场所进行实践活动，此外，由于大多数学生还没迈出社会，还缺乏安全意识，尽管适当的安全培训可以提高他们的思想觉悟，但企业现场的复杂工况也让学生的自身安全受到一定的影响，这也是企业单位排斥学生实践实习的原因之一。
三、艺术设计实践教学改革措施
1．构建三段式人才社会实践教学体系
人才的培养是循序渐进的过程，因此对艺术人才的实践教学也是一个逐步的过程。前期可以让学生建立一个系统的自身发展的认识，通过认识来树立学习目标和定位自身发展方向，这个阶段属于感知过程，通过考察一些相关单位或者具体的一些情况来完场。中期实践属于记忆巩固阶段，是对学习内容进行技能学习和实践体验后，进一步加深阶段，也是理论转化阶段，可以适当安排学生参与项目管理、设计的市场行为，做到“真刀实枪”的去适应社会，后期实践是思维阶段既毕业设计和实习的过程，也是直接面对社会的就业实践，这个阶段的实践主要是面向市场化的社会，从实际出发，做相关的课程设计，也是对自己自身能力的实践检验。
2．加强艺术设计专业实践教师和实验设备建设
教学是一门艺术，同时也需要外部支撑，教学实验设备是硬件支持，而专业实践老师也属于软件支持的范畴，所以，要提高学生专业实践能力培养，就必须从这两个面入手，强化教师队伍建设，强化教师自身的素质，将授课教师在不影响学生学业的前提下，由高校进行引导，分配其去有实践经验的工作单位进行实践学习和研究，将实践精华反馈给最需要实践学习的学生，减少学生无用功，同时建立考核制度，对授课教师的实践教学成果进行有针对性的考核，从而督促教师自身对实践教学的重视，此外，对于薄弱的师资力量学校，应该考虑引进有能力和有实践经验的教师，促进队伍建设和学术交流，进而完成更好的实践教学任务，还可以将校外有丰富实践经验的企事业单位的相关人士邀请进校园，和学生进行面对面的交流，促进学生对自身的定位，以及理解今后的学习主题和明确学习方向，同时这些人士的延伸示范能激发学生的实践兴趣和实践向往，从而为更好的教学任务完成打下夯实基础。
3．政府应进一步加强对高校实践教学支持
高校的发展离不开政府的扶持和帮助，因此，高校所在地的政府应呼吁企事业肩负起安排学生实践的责任和义务，肩负起企业应该承担的责任，明确相关企业的社会责任，从政策上和责任上下手。可以给予相关提供实践实习的企业一些税收减免便利，间接给予资金支持，或是政府发放资金补贴，鼓励企业将相关的岗位提供给在校大学校进行实践和实习，在进行政府相关招标合作时，给予这些企业优先的签约选择权，强化企业和高校的关系，加强企业和高校的进一步合作，同时鼓励高校将更多的科研成果通过企业平台来展示，实现双方的互惠惠利，同时，建立对各个企业的实践成果考核，避免一些企业应付行政安排。此外，政府应加大对高校实践教学的资金投入，加大改造实践教学的设备支出，适当提高实践教师的工作待遇，提高其工作积极性，以及吸引更多的人才加入实践队伍来，同时，政府帮忙引进高水平的实践人才，打造一个具备能打硬仗和敢打硬仗的师资队伍。
高职院校是培养人才的摇篮，是人才夯实的基地。艺术设计专业不仅需要从理论角度对自身的专业建设予以提高，更加需要从实践的角度对自我专业进行研究和深入，让学生所学习的知识能够真正与实际需要相结合，为学生的更好发展奠定基础。
“假设我们将画家的随心产生的第一个思路，随手画在汽车设计的图纸之上，假如我们将这种思路转变成设计稿件与提取设计色彩，那这部分产生的设计思路，就可以作为汽车外观设计图纸的重要设计部分这样非常规的做法往往是关键创造性的设计思维。”逻辑思维和形象思维的复杂组合，是设计。它就是种思维运动，行为设计是精彩创意的灵魂，从通常的设计思维和独立思考的能力，产生的设计创意思维。我们在设计专业教学时，要达到的目的是给学生体会事物之间产生的关系，只要找出问题，然后用来分析和总结需要的问题，独立思考的方式来解决，并总结出了有效的方法，解决了设计简洁，教育的目的是为了提高学生的知识和智慧的积极性。而设计思维和文化，规范和突破的意识。当然，在法律，生物学，哲学，食品学，医学和人类各项生产运动，创造力和创造性思维深入等诸多领域，甚至于建筑学，室内设计，油画，陶艺，声乐和各种形式的二维学科同样重要，更甚至于三维设计。设计是最有创意的人类活动之一，是通常所理解的创造性活动，当然，在人类社会活动诸多领域，比若科学，医学，哲学，法学，管理学和，创造力和创新思维也是同样重要存在的。然而，创意设计，充分注重作品都集中于创造新事物的人从来没有的经验，用不同的方法来实现的独特与创新。
“创造力可以分为1型和2型两种创意形态。创意1型，主要是为了帮助人们对世界都产生了新的东西来切入。创造力和1型相比，H型的创意有时更完美的，但其重要性相对较弱，毕加索绘制的美术作品，牛顿躺在苹果树下，被苹果砸到的那时刻，便就是思维产生化身属于与2型键入;所以.谈到设计思维，不可能不谈论创造力和创造性思维，”创意思维过程大致可以分成五个阶段，每个阶段是全然不同的在思维的类型划分中，在初始阶段，主要是全力以赴考察思想家对这一问题的侧面分析;下一过程，首先是把思维者的主观精神进行放松，让其大脑再得到充分的调节之后，;那么，在最意想不到的意外时刻和我们通常认为最不具可能的产生地方不请自来产生一个最佳方案是可能的。最后，解决这个方法的思维方法，是需要不断改进，反复研究，认真的验。从更省力不错的想法来看，但还需要十分多的思路积累。对于设计作品可能没有的努力，好的思路就到跑到我们的脑子，仅仅呆在在电脑旁，教室里或在图书馆里发呆面前是永远想不到的。
好的想法是不可能缺少思维的创想，就来到在我们面前。从更多的努力是一个好设计，但它需要更多的积累。我们可以把创造性的过程分为五个过程，即所谓的“预观察-准备-培养-启示-验证”。第一过程“预观察”：这个过程是定义问题的阶段。在这个过程中，我们只需要决定哪一个或哪存在的一些问题，以及解决这些问题的确定。因此，在人类大脑中可以完全清楚体现2种显示方式一个解决方案是可能的，当然只有当问题完全产生大大的激活创意，这种问题才可以解决。第二过程时“思维准备”：这个过程里，人们便有意识地认真寻找解决问题的办法过程。这一阶段是必须具备大脑思维激烈的碰撞才可以产生的，在多种想法在一个人的头脑努力工作，整个准备的过程，比设计过程更加重要。这个阶段和第一个阶段“预观察”具有周期性的关系，在此部分，如果也出现新的设计产品上的多种问题，解决方案的范围内甚至完全重新定义思维方式的多种可能的。第三过程“培养”：这个过程是有意识地努力去培养灵感和想路的毕竟之路。设计者们都明白，绝不可能同一个问题仅仅只有一个方法，那么，多种思考解决不能只有是一种思维方式，当你的思想也将产生于一个想法或者多个想法。产生思路的方法过程中，无数想法产生是会有组成解决的问题，在培养结果的必须过程，这个过程就会不是在浪费设计思路。第四过程“思路启示”：在这个过程中“灵感”会突然出现。要解决的厨师化解决方案，要拥有足够设计思路可以作为更加认真来体会设计作品方式。在第三过程“培养”，设计师的大脑思维仍处于各种信息数据源源不断地为前两个阶段的重新整合和检查的过程，这个目的是让拥堵的思维可能会变得更顺利。那么让我们回到本质的问题，就可以尽快以更容易找到新的方法来解决不同的问题。第五过程“思路指正”：在这个阶段，设计师会将自己的解决方案进行认真研究，仔细解释和发展。同时，设计师会不断改变设计方式和设计思路。在设计过程中，设计师们会每个阶段的分析，独立的。通常，在验证阶段，设计者们提出解决方案主要用来找到的解决方案，有哪些缺陷和不足之处，但它这个功能也可以创建新的实用程序，在验证过程中会被再次发现，以形成一个新的问题，然后开发一个新的调查阶段，这一阶段是最终解释问题调查，根据实际考证阶段，第2过程便是提取中阶设计方案给客户，听取客户的意见，激活设计师产生的对分析这个问题的新的思路来源，最后把研究新的思维不断循环至多次，直到寻求到最终解决问题的方法为止。
1.图案设计的发展与教学
图案是一门装饰艺术，是制造某一物品之前所要进行的图样和方案的设计，十分接近现在人们所说的设计艺术的概念。而图形是图案的雏形，后者最明显的变化是比前者多发展了现代工业化的设计理念。图形存在的历史很久远，是人们通过绘、写、刻、印等手段进行特殊信息传递与交流的视觉表现形式，它具有说明某种事物或表达、传递某种信息的作用，是人类意识物化的表达，也是人们最早的交流方式之一。图形的发展由来已久，甚至可以追溯到原始社会。当时人们用棱角分明的石头在不同的地方留下符号、笔画、纹理等，以便与同伴分享关于此地的各种信息。而这些具有特殊意义的标志，经过时间的延续，逐渐形成了后来的文字及图形。老子曾说：“古之善为道者，微妙玄通深不可识，夫唯不可识，故强为之容。”将精妙、深邃的道理寓于图案的造型创作之中，再以形象或图式作为媒介表达出来，这充分说明了图形具有记录与传承文化的能力，也是人类意识主动对物体进行深层艺术文化改造活动的体现。现代图案设计可以说是融合传统文化与现代工业技术文明的产物，它既包括时代变迁和社会发展所遗留下的文化遗产，也被现代建筑装饰、商品工业、平面设计等现代科学应用，属于文化与科学的双重范畴。因此，在现代图案设计的教学过程中，教师要充分考虑其艺术性与实用性相结合的特点，在保留其艺术价值时，要积极地传承图案遗留下来的一些传统意义及造型方式。中国传统文化博大精深，艺术、文化的积淀会根据不同时间、地域、宗教等因素形成一些约定俗成的图腾及纹样，而我们有义务了解这些图案所代表的意义，它们是当时社会某些精神文明的物质体现，这对我们鉴赏艺术作品有很大帮助，将其运用到现代设计中，更能提升作品的内涵和深度，得到更好的创新视角。而实用性则更注重商品的市场需求方向，找准主流与支流的需求量，可以更好地融入社会生产生活。
2.艺术设计教学的目的与方法
艺术设计教学的目的是为了培养学生发现美和创造美的能力，并将其熟练运用到服务于人的创作观念中。它需要学生具备丰富的文化内涵以鉴赏美的艺术，也需要学生清楚地掌握事物的规律，以便于利用创新思维能力进行艺术改造。现代美术教育家伊顿说过：“教育是一种勇敢者的探险——尤其是艺术教育，因为它涉及人类的精神创造。”在艺术设计教学中，基础课程与专业设计是相辅相成的存在。基础课程可以提高设计的质量和文化底蕴，学生通过对基础课程的学习，学会对事物的形状、大小、方向建立多角度的观察和临摹，有助于发现其潜藏的内部联系与秩序，从而进行反复的训练，逐步获取把握全局、将杂乱快速整理为有序状态的能力。而这种由“质”到“量”的变化，足以使学生的视野得到开阔，技法有效增加，在丰富知识的同时也开发了创造性设计思维，从而帮助学生在实际运用中得到更好的发展。而专业设计的教学就更为复杂，对全局观念更为注重。艺术设计从手工化到现代工业化的转变迎合了社会发展的方向，所以在艺术专业设计方面，应该考虑到社会需求与工业化的背景条件。其实，现代图案设计与艺术设计教学拥有诸多的契合点，图案的形态、构成、色彩等基本原理对现代艺术设计有较高的启发作用，可以说图形设计为艺术设计教育提供了基础的训练平台，而拥有现代工业化气息的图案设计则可以在此基础上获得指导艺术创作服务于人的设计灵感。
二、现代图案设计对艺术设计教学的影响
1.把握造型美的规律
《图案基础》一书描述：“图案是实用美术、装饰美术、建筑美术方面，关于形式、色彩、结构的预先设计。在工艺材料、用途、经济、生产等条件制约下，制成图样、装饰纹样等方面的统称。”可以说，图案是艺术设计中包含审美与实用的部分。而作为一种艺术表现形式，图案取材于生活中的大小事物，再通过美学的规律进行编排创作，对称、均衡、反复等都是常见的艺术创作手法，线描、淡彩等是常见的创作形式。图案创作不是胡乱编造，而是真实地记录下事物的自然形态，再升华为概括或变形的艺术形象。所以一些经典的图案往往既包含了物质文化的积淀，也有长久以来人们约定俗成的一些创作规律或是对美的认识。在图案教学的过程中，学生可以了解和掌握造型艺术的形式美，并知晓其创造美的规律与途径，如在图案造型的学习中，最常见的是去繁、夸张、求全、组合、巧合、寓意等。这些艺术手法各具特色，学生可以根据需求自由运用，绘制出风格迥异的图案设计形象。去繁的手法能将主题特征高度集中，使形象更为简明扼要；求全能通过一部分反映整体，以小见大；巧合是对几种形象的结构形式进行融合，增加艺术作品的美观与趣味。这些艺术手法完全适用于艺术设计，不论是平面艺术或是装饰艺术，其造型美的规律是相通的，最终都是要完成对美的创造。因此，通过对图案设计的学习，学生能在艺术作品的造型方面获得技巧上的帮助，并熟练地运用到其他形式的艺术设计中。
2.创造性思维与设计灵感
艺术的美是多面的，或细腻含蓄，或奔放粗犷，这就需要我们学会从不同角度、不同方向去欣赏。而创造艺术的过程更是千姿百态，这个过程受到创作者本身的阅历、文化、技艺的限制，更受到其自身思维方式的影响。培养创造性思维能力是艺术设计教育的一个重点，它是学生寻求艺术灵感的助推力，具有帮助其顺畅完成从物质生活向精神艺术转变的加工任务。创造性的思维能力如同一个充满无限可能的盒子，为学生提供了施展艺术才华的空间。现代图案设计拥有对物体进行审美加工的能力，这源于其要求设计者必须对物体进行细致的观察，因为它的创作灵感是源自生活的，然后再把事物转化为美的艺术品，因而可以培养学生的观察力。不仅如此，这种观察能够让学生较快掌握事物的形态、特征，从而以较快的速度获得合适的创作灵感与艺术手段。艺术需要创作者的精神世界支撑其物质形态，鲁道夫•阿斯海姆在《艺术与视知觉》中提道：“视觉形象永远不是对于感性材料的机械复制，而是对现实的一种创造性把握。它把握到的形象是含有丰富的想象性、创造性、敏锐性的美的形象。观看世界的活动被证明是外部客观事物本身的性质与观看者的本性之间的相互作用。”一个圆圈代表什么？是月亮、车轮、硬币、纽扣，是一切圆形物体的可能。那么以不同形式组合在一起的两个或三个圆圈又代表了什么？在对图案的绘制中，富于联想能让艺术作品得到更多的解读，让其具备更多的意义，也为艺术设计带来更多的乐趣。
3.寓情于物的创作形式
世界是多元化的，而生活于此的各族人民都有其独特的历史文化背景，也有独具匠心的表现方式，艺术则是人民物质生活与精神文化的真实反映。中国的图案设计讲求寓情于景的委婉表达，对自然素材的特征进行取舍、提炼，美化其艺术形态，保存其精神，使之获得更凝练、更出神、更纯粹的艺术造型。而这些造型从一定程度上代表了之前原有物体的部分性质，更使观者形成了对某一物体的刻板印象，获得想到某物就产生某种情感的效果。如我国的民间图案“岁寒三友”“五福捧寿”等，都表现了独特的寓意。在图案设计教学中，学生不仅需要学习如何观察图案背后所隐藏和蕴含的人文知识，也要对这些知识有清晰的认识和了解，这对学生的人文素养方面有极高的要求。这些图案对现代艺术设计有着巨大的启发，很多传统纹样被应用于建筑、装饰、广告设计，正是这些充满特殊意义的造型设计给艺术作品带来了更多的内涵和赞赏。而寓情于物的艺术表现形式也被广泛应用于艺术教学领域，通过对图案设计的学习，学生积累了大量宝贵的文化知识，也摸索出了属于自己的艺术创作形式，能熟练地提取前人留下的关于造型美的规律。
结语
教学目标使学生知道分数的产生，理解分数的意义，掌握分数各部分名称、含义和分数的读写；培养学生学数学的兴趣及注意力、观察力、思维能力。
一、新知学习准备（略）
二、新知学习
1.提出目标。首先我们学习分数的意义，通过对这一节内容的预习，你们能学到什么呢？
概括本节知识学习目标：①知道分数的产生；②理解分数的意义；③掌握分数各部分名称、含义和分数的读写。
2.分数的产生。
（1）计算的需要。看分苹果的电脑画面：①把2个苹果平均分给两个小朋友，每人分得几个？怎样列式？（2÷2＝1）小结：这个计算结果能用整数表示；②如果把1个苹果平均分给两个小朋友，每人又分得几个？怎样列算式？1÷2＝（1／2），这样的计算结果还能用整数表示吗？小结：这样的计算结果不能用整数表示，需用分数表示。
（2）测量的需要：看用米尺度量黑板长度的电脑画面：这是一把米尺，它是怎样量黑板的，量得的结果怎样？〔3米多一些（对着米尺某一刻度）不足4米，即不是整米数〕
小结：从上面两个过程我们可以看到，分数是由于计算和测量得不到整数的结果而产生的。
3.分数的意义。
（1）理解平均分
①观察理解。请同学们看电脑画面，你们看到了什么？（一块饼）把这块饼怎样呢？（平均分成2份）每份是它的几分之几呢？（1／2）（板书：2份，1份，1／2）你们怎样知道它是平均分的呢？（因为它分得的两份完全叠合，即每一份一样多）
②操作理解。下面我们来做一个折纸练习，看看我们是不是理解了平均分的概念，请同学们拿出一张正方形纸，把它平均分成4份，有几种折法？（学生折后，与电脑演示的三种折法（如图1）比较，并用红、绿反馈牌示意反对或赞同）对其它的折法师生分析，评判。
附图{图}
③识别理解。再看电脑屏幕上这两个图，图2的每一份能用1／3表示吗？
附图{图}
图3的每一份能用1／2表示吗？为什么？
④结语：平均分就是分得的每一份都一样多。
（2）正确认识单位“1”。
①表示一个物体或一个计量单位。
（Ⅰ）用电脑显示一张正方形纸。接着演示并提问：A.这个图表示什么意思？（把这张正方形纸平均分成4份）B.表示这样的1份，是这个正方形的几分之几呢？3份呢？（板书：4份，1份，1／4；3份，3／4）
（Ⅱ）用电脑显示一条线段，表示一个计量单位。接着演示并提问：A.把这个计量单位平均分成几份？（5份）B.每份是它的几分之几呢？4份呢？（1份是它的1／5，4份是它的4／5）
小结：一块饼，1张正方形纸等都可以看作一个物体。一个物体、一个计量单位我们都可以看作一个单位，叫做单位“1”，将其平均分成若干份，它的一份或几份可以用分数来表示。单位“1”除了表示一个物体，一个计量单位以外，还可以表示什么呢？
②表示由一些物体组成的一个整体。
（Ⅰ）电脑显示4个苹果图。接着演示并提问：这里是将4个苹果组成一个整体看作单位“1”，平均分成4份，每份有多少个苹果？每份的一个苹果是这个整体的几分之几？（板书：1份，1／4）3份是这个整体的几分之几？（板书：3份，3／4）
小结：将4个苹果组成的一个整体，可以看作单位“1”。
（Ⅱ）电脑显示6只熊猫图。接着演示并提问“这里把什么看作一个整体呢？（6只熊猫）把6只熊猫平均分成了几份？（3份）每份是多少只熊猫？（2只）每份的2只熊猫是这个整体的几分之几呢？（板书：3份，1份，1／3）2份是这个整体的几分之几呢？（板书：2份，2／3）如果把6只熊猫平均分成2份，每份是它的几分之几呢？如果把6只熊猫平均分成6份呢？每份又是这个整体的几分之几？”
小结：把6只熊猫组成的一个整体，也可以看作单位“1”。
（Ⅲ）让学生联系实际举由多个物体组成一个整体的例子。
总结：单位“1”不仅表示一个物体，一个计量单位，还可以表示由许多个物体组成的一个整体。
（3）归纳分数的意义。
①讨论概括这些例子的共同点：同学们，我们举了这么多例子，都是为了说明什么样的数叫分数，请同学们想一想这些例子有哪些共同点呢？请前后桌四人小组讨论。
②尝试归纳：请小组代表回答，什么叫分数。
③与课本对照：打开课本85页，看看课本是怎样概括的，请一位同学回答。老师边板贴（把单位“1”平均分成若干份，表示这样的1份或者几份的数叫分数）边用强调的语气重复这句话。
④找出并解释分数意义中的关键词：这句话的关键词语是什么，请同学们找一找？（“单位1”、“平均分”、“这样的”）“这样的”是什么意思呢？“这样的”和三年级学习的“其中的”有什么区别呢？
学生讨论后，结合分数直观图归纳：“这样的”和“其中的”在份数的表示上前者是没有限制的，后者是有限制的。
4.分数各部分名称和含义。
（1）自学：请同学们看书本85页最后一段。
（2）检测：请同学们看电脑，说出3／5这个分数各部份名称和它们的含义。
5.分数的读和写。
（1）读分数：
①尝试：请同学们看电脑，这里有一组分数，即1／2，3／4，8／5，5／7，9／11，21／13，23／30，……怎样读它们？请同学们自己读一读。
②小结：分数是怎样读的？先读什么？再读什么？
（2）写分数：
①实践：请同学们在自己的练习本上写三个分数，看会不会写，同时请一名同学上来板演。
②总结：说说分数的正确写法？先写什么，再写什么，最后写什么？
评析：在新知学习这个教学重头戏中，设计有5个教学活动。为首的是板书课题提出目标。这个根据学生心理需求，由学生提出的知识目标的活动很重要。这个目标可使课堂教学行为步调一致，便于学生主动的探索和参与；其次是教学分数的产生、分数的意义、分数各部分的名称和含义、分数的读和写。整个过程的展开条理清楚、层次分明、主次恰当。特别是教学策略明确，具体体现在：其一，对学生通过自己努力能够学会的材料，尽量让学生通过自学、合作、讨论、尝试、自测、总结来完成。即用学生主动学习，主动反馈，主动总结的办法来提高学生从课本获得知识的能力。例如，教学分数各部分的名称和含义、分数的读和写等就是这样做的。其二，对学生学习有困难的材料，如“分数的意义”则采用抓住其关键要素，利用计算机辅助教学的优势，采取启发诱导递进反馈调控或分散难点各个击破等两种方式。譬如，理解分数意义中的平均分采用的是第一种方式，具体做法是在观察理解中调控，在操作理解中调控，在识别理解中调控，最后通过小结来完成对平均分概念的理解。又譬如，正确认识分数意义的单位“1”则采取第二种方式，即先认识单位“1”可表示一个物体或一个计量单位；再认识单位“1”可表示由多个物体组成的一个整体；然后进行变式、举例、总结。与此同时又紧扣反馈调控，使学生对单位“1”的认识不断得到深化。另外对新知认知过程的设计，还特别注重学生的主体性和参与的全面性，注重利用认知过程去培养学生观察、分析、比较、综合、抽象、概括等各种能力，这是值得称道的。
1、高校目前艺术设计类专业基础课面临很多问题：课时量锐减，教学信息量大，教学任务多，教学质量要求高等问题。学生进校以前是在应试教育的指导下过渡的艺术生，基础薄弱，基础课教学要针对这一教育现实，通过教师的教和学生的学，在有限的时间内把学生培养成能适应和接受艺术设计类专业要求的学生。
2、传统的教育现象是“讲得多、练得少”或“讲得少、练得多”或“讲得少、导得少”，而且很多基础教师重画技轻理论。有些老师经过一段时间教学之后容易形成固定的教学模式，不会主动反思和怀疑自己的教学中是否存在不合理或需要改进的地方，导致基础课教学发展进展缓慢。
3、过去的教育思想主要是传授知识，认为学校教学就是把知识传授给学生，教育质量的好与坏，主要看学生自己积累知识的多少，这种传统的教育观念仍在做怪。
二、加强教师自身修养
教书育人是老师的责任，老师是知识的传授者，必须拥有丰富的知识储备，以应对不断变化的教育环境和教育对象。博学多知，画技精湛，通过经常的研究和学习，开阔自身的视野，具有高效的认识知识层次和分析问题的方法，来提高自己的观察、分析能力和艺术表现力。教师要主动地学习，苦练基本功，不断提升创新思维能力和教学质量。只有努力专研，了解艺术设计教育专业的发展脉络，才能站在教育改革的前沿。
1、具有批判反思的思维意识和创新精神
艺术设计教师必须要主动思考，不断总结，经常回顾教学细节，做好教学反思，才能不断促进美术教学的发展。特别是艺术设计基础课的教师担负着培养学生能适应和接受艺术设计类专业要求的责任和义务。批判和反思的思维意识是要抱着怀疑的态度，敢于怀疑。无论是教案反思，教学反思，还是教学细节回顾，这都是一个教师的基本要求。当代艺术设计教师应不断进行教学反思。教育家普遍认为，具有批判和反思的思维意识是一种促进教师专业发展，提高教师素质的重要理论。艺术设计教师不仅仅是储存他人观念的容器，也要对传统教学所带来的不良后果，对当前课堂教学中存在的问题、进行自我观察、自我评价、自我反省、并能提出解决问题的方法。艺术设计教师应努力成为一名研究型的教师，要不断加强现代教育理论学习，要具备批判精神、反思精神、要不断提高创新意识和问题意识的能力，运用科学的研究方法，进行美术教学规律的研究和教学方法的改革与探索。
2、具有丰富的学识和精湛的专业技能
艺术设计教师不断发现身边的新材料运用于艺术设计教学之中，是通过讲解形式美的基本原理和形式法则进行形象创造。通过教学，打开学生已有的思维模式，开阔学生的知识储备，培养学生的创新思维能力和创造能力。艺术设计教师不但应具备各种画种的专业技能，还要不断的深入实践，向民间艺术去学习，学校应该给艺术设计教师提供更多的学习机会，不断提高教师的专业技能。专业教师要“一专多能”，无论是现场作画，还是示范教学。另外，艺术设计教师要学习新的技能技法，才能不断提高教学能力。
3、艺术设计教师要具有科研能力
作为当代高校艺术设计教师必须是：师德高尚，永不满足、追求卓越的美术学习态度，并且具有发现问题、提出问题、解决问题的能力；拥有研究精神，具备研究能力，完成各种课题或项目设计、作品的设计与制作的能力。美术教师不只是一名教书者，更是学习的引导者和创新者。艺术设计教学是讲授理论知识和传授专业技能的特殊的教学活动，科学研究则是进一步探究事物的性质和规律，以便发现新事物获取新知识的一种活动。加强艺术设计科研活动意义重大，它能提升自身专业素质，提高教学质量，加快教学发展。美术科研主要包括专业技能的方面的参加各项艺术赛事，教学改革和艺术设计学术论文的撰写。当代美术教师应不断地提高自身的创造力。美术教师由于专业特点，不能同其他专业一样整日地坐在办公室内备课，他们要到生活中寻找创作灵感和素材。不走出去创作，不去参加各种美术技能比赛，他们的艺术生命就会慢慢枯竭，美术教学就会滞后。因此，学校应该给美术教师更广阔的学习空间，不断提升他们的专业水平，以适应教育改革发展的需要。
三、改变传统色彩教学理念
要对传统色彩教学有新的看法：绘画的色彩，是作品的生命力。现在真实再现物象的色彩，表达物象的质感，已不是艺术表现的最高境界，色彩本身要具有充分的表现力和相对的个性。从早期文艺复兴开始，色彩的表现方法极其丰富，历代艺术家辛勤耕耘，给后后人留下了无数的艺术宝库。传统色彩在体现物体固有色方面形成了艺术特殊。在准确的造型基础上，赋以固有色的色彩表现。固有颜色，通过含糊与鲜明、明丽与暗淡的调子，创造出了身临其境的空间。怎样在色彩基础教学中吸取传统绘画的营养，启发学生的色彩感应力，成为一个新的研究问题。色彩绘画艺术在它发展的过程中，规则是不断变化的，在设计色彩教学中对色彩基础教训有一个深刻的、全面的认识。在平时课堂写生中，从一开始就要学生重视对色彩的感觉，不要受太多的色彩理论束缚住学生的思维。打破传统的色彩理论依靠色彩的空间关系去表达。现在，要求学生根椐自己对世界的认识和感应，重新组合、安排色彩来构成画面。空间关系应理解为色彩结构上的位置关系，色彩的强与弱应根椐画面的需要来分配。在教学中要求学生根据自己的主观精神，使自己的画面中创作更多的抽象因素。要求学生将自己的主观感受运用到色彩画面中，将会创造出更多的具有个性的艺术作品。
四、改革措施向设计方向转移
设计色彩的基本训练包括构图、构形、构色及形式构成。与绘画色彩不同，设计色彩教学在绘画色彩的基础上把重心向设计实践方面转移。教学中不能用绘画色彩的教材和教学模式进行，而是向设计方向转移。
1、着眼点的转移
由绘画创作的自由性向设计创作的受限性转移。在教学中借助设计色彩优秀作品与学生共同欣赏，一起寻找作品中美之所在以及与绘画色彩的异同，使学生加深对设计色彩表现的特点及其倾向性的认识。
2、写生观察，由写实向写意转移
绘画重写实，设计重写意。在教学基本训练中，不要只局限于面对景物写生，应自由想象，让学生的思维天马行空似的驰骋，去寻找美的表现。写生重感悟，想象寓求新，合乎设计基础的重点要求。
3、在技法上向“色的分解”转移
将变化万千的自然色彩概括为几套色的归纳色彩写生方法，旨在培养学生用极简练的艺术语言去表现自然界中对象的丰富变化，使学生从自然结构中归纳出艺术形象与概括的色彩秩序，强调写生时将自然形态转化为艺术形态的有序步骤与造型特征以及形式美法则的具体运用，从而顺利进入到色彩诸关系对比元素联系的整体系统中去。在形态上重视轮廓影像效果，省略繁琐细节，以形成特征强烈的视觉效果。4、在色彩的选择上和使用上向红、黄、蓝三原色转移将画面各种色彩分解为基本色块红、黄、蓝的组合。间色和复色分解为原色的空间混色，灰色可分解为任意一对互补色块。色味则有色相和色块多少来控制。使画面增加色彩丰富、响亮、闪烁、强烈的艺术性。
5、在表现技法方向，向装饰性画面转移
从静物到风景再到人物，都以色点、色块、色阶来表现。利用点、线、面以及相结合的装饰手法进行画面刻画。采取色相推移、明度推移、纯度推移、冷暖推移、面积分割的色彩装饰手法；也可采用中国画勾线、勾边的装饰手法。
6、把创作思想和实践的重心转移到创新思维、理性认识和象征意义上来
创造性是评判装饰艺术作品的优劣的重要标准。以往的教学经验告诉我们，在设计色彩教学中只重视求同思维，而忽视求异思维，只强调逻辑思维，而轻视想象思维的种种弊病，会导致学生创作思维的思路闭塞，想象力贫乏。所以，在设计色彩课中培养创造性思维，课程目标首先是进行命题性色彩创作练习，创作出符合命题题意的设计性突出的作品。着重培养创造性的思维观念，主观表达的能力和综合设计的能力。把握主题、强化装饰造型、构图、色彩和表现手段。然后是进行设计性装饰画创作练习，模拟客观环境、空间进行假设设计、运用象征等手法创作出符合环境空间整体，和谐新颖的设计色彩作品。
五、结语
“工作室”一词，来源于德国的包豪斯学院，作为对艺术设计教育有着重要影响的设计学院，其最先提出了工作室教学模式概念，并获得了巨大成功。结合今天艺术设计教学的实际来看，工作室教学模式是指以专业教师为主体、以学生为成员，充分利用学校和社会的各种资源进行学习和实践的教学模式。与以往教学模式所不同的是，其真正改变了过去“教师台上讲，学生台下听”的固定模式，并将知识和实践真正结合到了一起。一般的教学模式，包含理论依据、教学目标和实现条件三个要素。所以对于该模式的深层次认识，可以通过将其和这三个要素的对照来获得。在理论依据上，其以建构主义学习理论和包豪斯学院的成功经验为指导，既具有科学性，又具有实践性；在教学目标上，艺术设计的教学目标就是为了培养出具有独立设计能力的人才，而“工作室制”教学模式正是对学生这种能力的加强；在实现条件上，除了教师和学生外，其对教学活动场所有一定的需要，而在高校建设蓬勃发展的今天，通过统一规划、灵活调整和设计企业的帮助等，多数高校都能满足其场所需要。所以说，工作室制教学模式是一种新型的、可行的、能够促进高校艺术设计教学质量提升的新型教学模式。
二、“工作室制”教学模式在高校艺术设计教学中的运用
1.建立健全的管理机制教学模式的变化，必然会引起教学管理、教学评价等方面的变化，所以我们需要建立一个全面统筹管理工作室的机构，以保障各个工作室的顺利运行。从教学的实际情况来看，具体人员由艺术设计院系的管理人员和教师组成较为合适。具体的管理工作分为宏观和微观两个方面。宏观方面，要负责全系所有工作室规章制度的建立、日常运行的管理以及发展规划的制定等，从大方向上保证工作室沿着健康的方向发展。除此之外，该机构还有另外一个重要的职责，那就是代表学校和社会的相关企业进行广泛接触，积极促成工作室和企业的合作，推动工作室走向市场。微观方面，则是面向每一个工作室的每一位教师和学生，对他们在工作室中的表现予以全程关注。因为“工作室制”教学模式是一种相对开放和自主的教学模式，无论是教师还是学生，在脱离了一定的监管后，都有可能处于松懈的状态，并遇到一些意想不到的问题。所以需由管理机构来关注每一项工作室的日常运行，定期检查工作室的运行情况，并根据实际制定出合理和详细的考评细则。通过健全管理机构和管理制度，从根本上保障工作室的顺利运行，达到工作室制模式推行的初衷。
2.选择合理的运行方式“工作室制”教学模式是对传统教学模式的改革，其存在和运行的意义都是以具体的项目设计为基础的。而一个项目的完成既需要学生掌握最基本的专业理论知识，又需要学生掌握综合的专业实践技能，所以在不同的教学阶段，应采用不同的运行方式，以凸显该学习阶段的侧重点，并为下一个学习阶段打下一个良好的基础。首先是与课程相结合的运行方式。进入工作室之前，所有学生都要进行艺术设计的相关基础知识的学习，包含艺术概论、平面构成、素描、色彩等。在这个通识教育过程中，我们要将项目设计和学生所学习的内容充分结合起来，既可以是对一些经典设计作品的赏析，也可以进行一些简单的实际设计。比如在讲到中国色彩法则时，教师就可以选择一些主要运用了中国色彩的优秀作品，就其色彩的设计理念、设计手法等进行详细的讲解，并要求学生利用色彩法则设计一幅作品。通过这种理论和实践相结合的方式，让学生更加明确理论学习的目的和意义，从而在理论和实践相互转化的过程中，慢慢向独立设计靠近。等该阶段的学习完成之后，学生就既掌握了扎实和全面的理论知识，又初步具备加入工作室的前提条件。其次是以项目设计为主的运行方式。在接受完通识教育后，学生则可以利用双向选择的方式，进入到真正的工作室中。工作室的负责人一般由专业教师来担任。在日常运行的过程中，工作室要主动面向社会，积极承接各种设计任务，并根据具体内容的不同，对工作室的人员进行明确的分工。其大致流程为：选择项目——明确分工——各司其责——汇总完成，这其中需根据客户的意见进行相关修改和调整。若在这个过程中能够获得一定的经济收益，则可以将这部分资金用于工作室的各种建设。工作室教学模式的实施，真正实现了理论知识和设计实践的无缝接轨，从而为学生的独立设计打下了坚实的基础。
3.加强“双师型”的师资建设工作室教学模式强调的是对学生艺术实践能力的培养，这也从客观上对教师的知识和能力提出了新的要求。当前的实际状况是，多数专业教师都是科班出身，毕业于一些名校的艺术设计专业，有着较为扎实和全面的理论知识，但是在实践能力上却存在着很多不足。他们和现在所教授的学生走的是同一条求学之路，无论是本科还是研究生阶段，都没有能够得到充分的实践锻炼。所以要想运用好“工作室制”教学模式，其中的关键就在于加强“双师型”的师资建设。“双师型”教师是教育教学能力和工作经验兼备的复合型人才，即教师不但知道该如何设计，而且能够拿出最终的设计作品，也只有这样的教师，才能满足“工作室制”教学模式的实际需要。具体来说，作为学校方面，应充分认识到实践能力对于该专业教师的重要意义，应主动为教师提供多种学习渠道和机会。如可以鼓励教师参加各类设计研讨会、设计培训，也可以和一些设计单位展开积极的合作，委派教师到企业顶岗等，从而真正让教师参与到具体的设计实践中来。作为教师自身来说，也应该多了解行业的发展动态，积极参与到其中。比如多参加一些设计比赛、设计展览等，最终的成绩并不重要，重要的是利用这些机会，让自己的设计实践技能能够得到充分的锻炼。而且除了提升设计实践技能外，教师还要注重综合知识和能力的提高。在工作室教学模式下，教师成为了具体设计项目的统领者，而不再是单纯的一两门设计课程的教师。这种角色的转变，需要教师具备较为全面的综合知识和能力，如此才能领导学生顺利完成整个项目。所以说，教师要树立一种终身学习的理念，从多个方面不断充实和提高自己。相信通过学校和教师双方的共同努力，教师会逐渐成为一名知识全面和技能熟练的“双师型”人才，从而为工作室教学模式的实施提供坚实的保障。
.完善必备的教学资源因为工作室教学模式与课堂传授制模式有着本质的区别，所以在教学资源方面也有着不同的要求。对于实践基地的建设和设施的完善正是“工作室制”教学模式运用的前提和基础。比如平面设计工作室，就需要一个固定的场所，并配备配置较高的计算机设备和打印设备，否则工作室的运行就是空谈。而且还有一个重要的意义在于，新的设施和环境彻底替代了传统、单一的黑板课桌式的环境，能够有助于激发师生的创新思维，这对于艺术设计来说无疑有着至关重要的意义。作为学校方面来说，其可以从校内和校外两个方面对此进行加强和完善。在校内，一方面是新建，即拿出专项资金，用于工作室场所和设施的建设，尽可能地满足每一个工作室的实际需要；另一方面则是调配，通过对全校设施的普查，对资源进行优化配置，以提高资源的利用率。在校外，则是和设计企业展开积极的合作，鼓励企业来学校创办实践基地，为工作室提供全套的设计设施，并委托工作室承担一定的设计任务。作为工作室自身来说，其也不能完全依靠学校和企业这些外部力量，而应该有一种自我发展的意识。其应该主动面向市场，通过一些项目设计获得经济收益，用于工作室的软硬件建设。所以说，必备的资源建设，不但是顺利实施工作室制教学的物质保障，也是高效、圆满地完成教学任务的硬条件。
1.1制定具体、详细、科学的工作计划
在选定项目后，教师应该组织学生们自由分组，让学生以项目小组的方式共同完成项目任务目标。项目小组成员可以按照项目任务要求在正式开始实施项目前广泛收集、查阅项目实施的相关资料以及数据，而且进行深入、全面分析，探究科学的研究方法，最后共同讨论一种合理、有效的项目工作计划，制定具体的工作方法以及工作步骤。例如，第3学期设计的“城市绿地景观测绘以及规划设计”的项目中，教师可以先组织学生们直接到达选定地点亲自在现场进行测绘，测绘面积应该<3000平方米。每一个项目小组内成员应该以分组方式完成测绘任务，在现场拍摄一些照片，准确地绘制图表以及现场平面，然后再广泛收集关于本次项目研究的相关资料以及相关的经典案例，然后综合各方面进行评价、分析，采用手绘制作以及拼贴草图进行汇编，最后确定一个合理的设计目标以及设计创意主题，将设计图纸绘制出来后即可完成设计文本。
1.2计划实施
在制定项目实施计划后，项目小组内的学生应该合理分工，明确每一个小组成员的任务，分配成员的合作形式，然后根据实现确定的步骤以及程序严格执行计划。为了确保能够顺利实施学生制定的计划，教师应该进行跟踪控制，并且将相关的教学内容穿插到其中，在整个过程中，教师应该起到监控、指导、组织、引导以及辅助等作用。在计划实施的过程中，教师应该引入关于项目的景观设计方案作为分析案例，这样有利于学生更好地了解现代景观的发展历史以及发展趋势，了解、掌握景观设计的基本程序。
1.3项目评价
这个环节主要有过程性评价、终结性评价两步，其中过程性评价主要是评价项目实施的整个过程，首先学生应该阐述自己执行项目活动的任务情况以及工作结果，对自己进行一次客观评价，然后教师结合学生自评情况进行整体评价。结束项目的过程中，需要进行全面综合汇报，相同专业的很多教师共同成立一个评审小组，每一个项目小组整体将自己调查的资料上交上去，具体的资料包括项目图纸、经典案例分析PPT、调研分析报告等，一定要将各项目小组的组织以及具体实施过程全面、真实地反映出来，明确其中的问题并且提出相应的修改方案。每一个小组都应该选派出一名同学汇报项目的实施情况，最后由评审教师给出客观的评定成绩，通常都是根据图纸绘制质量、设计创意、设计表现、资料收集分析、团队协作精神、图纸数量、图纸质量、表达技能水平等多个方面进行综合评定。
2环境艺术设计专业实施“项目制”教学的效果以及心得体会
1.创新设计各类素描写生素材
在进行艺术设计专业的素描写生教学时，其素材大多由摆放的静物和周围的环境组成。为此，在设置静物时应注意其对学生的启发作用，在注重和谐、稳定的同时，创新摆放方式，让学生在写生时能够产生创新性的思维想法，潜移默化地培养学生的创造性思维。如，结构素描中的静物布置，其最重要的是选择复杂性与规范性并存的事物，以便学生能够从多层面、多角度思考问题；明暗素描则不需要过分考虑光源性的因素；意象素描写生的静物布置，应该注意选择多种素材，并注意其组合的新颖性，既可以将某件物品作为主体，也可以用多个物品打破某件物品的独立性，还可以通过物件之间的交叠、散置等构成场景的多种可能性。
2.注重表现不同事物的内涵特质
视觉是思维的一种基本工具，而艺术是一种视觉形式。为此，要想了解视觉形象，就必须注意认识、了解造型对象的特质，感受设计对象中所包含的设计特征。视觉语言是人们用以表达主题的手段，可以与其他艺术语言一样用于表现人的喜怒哀乐，而设计对象的形象和质感则可以让不同的学生产生不同的心理感受，这种感知的过程也是相对个性化的，可以缩短设计者与设计对象之间的距离，进而达到提高素描写生教学成效的目的。
3.借助多种材料媒介拓展视觉形式
只有借助创新思维才能创作出优秀的艺术作品，对设计专业素描写生教学来说，教师应注意借助多种材料与媒介拓展视觉形式，以激发学生的创新思维，为学生提供更多的创作体验。如，艺术设计专业教师应该摒弃仅仅采用一两种绘画工具进行素描写生教学的习惯，要综合采用多种工具与材料，为学生制作更具吸引力的设计对象。一方面，吸引学生的学习兴趣，提高学生素描写生学习的积极性和主动性；另一方面，通过多种材料的混搭，激发学生的创新思维，开阔学生的眼界，提高学生的审美能力，让学生在学习中感受设计素描的快乐。
4.注重抽象形式的设计表达
在素描写生的表达过程中，通常会经历从具象到抽象的归纳过程，学生通过感知设计对象的表象、概念等，过渡到深入了解设计对象的内涵与本质，再从感性认识上升到理性认识，最后发展到抽象认识，抽离出设计对象中最有吸引力的部分。如，对事物本质的把握可以让学生设计出不脱离事物特质且独具特色的优秀写生作品。这种从具象到抽象的思维发展过程，体现了创造性意识的作用。在艺术设计专业的素描写生教学中，教师可以采用打散重构的创造性思维方式，通过在设计作品中加入新元素，创造出更具想象力的素描视觉形象，让设计与素描融合，从空间比例到明暗对比都能展现完整的抽象形体空间。
5.加强学生创造力的培养
创造性思维对素描写生的学习具有重要作用，教师应注意培养学生的创造性思维，让学生学会与自己的想象对话，诱导学生发挥抽象思维。如，教师在学生掌握了一定的素描写生基础技能之后，不断激发学生的创意思维，让学生学会把技能技巧与创新思维相结合，以实现高校艺术设计专业素描写生教学的教学目标。
二、结语