时间：2023-03-16 15:41:58
导语：在音乐艺术论文的撰写旅程中，学习并吸收他人佳作的精髓是一条宝贵的路径，好期刊汇集了九篇优秀范文，愿这些内容能够启发您的创作灵感，引领您探索更多的创作可能。
音乐创作是基础，音乐表演则是音乐产生的重要形式，无论何种音乐，都要通过歌手对其进行演绎，融入自身的情感，对音乐的特殊感悟等将歌曲的意境营造出来，将会给观众带来不同的感受，因此，歌手的自身演绎能力以及个性特征对音乐的表演起到十分关键的作用，即便同一首歌曲，不同的人对其演绎，产生的效果将完全不同。例如，天后王菲在举办演唱会时，多以夸张的造型，慵懒的表情，空灵的声音将观众征服，其细腻委婉的《矜持》一直被人传颂，而湖南卫视举办的《我是歌手》节目，以比赛的方式进行歌曲演绎，杨宗纬演唱的《矜持》则换了另一种味道，由此可见，不同的场景，不同的演绎风格，不同的情感投入，对于同一首歌曲的表达效果将产生十分大的差距。因此，个性展现在整个过程中显得十分重要，歌手的音色，音质等将影响歌曲的演绎效果，换句话说，歌手自身的气场与音乐技巧在很大程度上决定了其演绎一首歌的成败，因此，很多时候，观众在欣赏音乐作品时，并不仅仅是听觉上的享受，而是从视觉，听觉等多个方面对音乐产生共鸣。因此，歌手在音乐演绎中要形成自身的特色，才能在音乐殿堂中稳占一席之地。例如，汪峰作为一个兼具创作，演唱多方面技能的新时代歌手，其嗓音沙哑，在演绎每一首歌曲时，能深切感受到其声音来源于丹田之气，浑厚而充满力量，将自身对整个社会的不满，对人生的无奈，对自己踏入音乐道路的艰辛表达得淋漓尽致，一首《怒放的生命》:我想要怒放的生命…歌词虽简单，但却道出了对精彩人生的向往，对梦想的追求;一首《北京，北京》，道出了一群北漂的生活现状，满怀梦想却怀才不遇，生活需求得不到满足，人生梦想更是无法追求，但却不屈服于生活现状，依然坚守着自身最初的梦想。而通过《超级女声》出道的李宇春，在多年的音乐创作中也形成了自己的音乐特色，一首《少年强》，将80后对祖国未来花朵的期望完整的表达出来，欢快的节奏让人眼前一亮，她始终以这种曲风活跃在大众视野之中，已经成为当今音乐殿堂中独特的旗帜。陈奕迅沙哑的嗓音中带有一股温柔，其演唱的情歌深受广大观众的喜爱，其与天后王菲共同演绎的《因为爱情》已经成为情歌中的经典，舒缓的节奏，精炼的歌词，将人们对于爱情的体会以及追求表达的十分到位，“因为爱情，怎么会有沧桑”，将自身对爱情的看法融入到歌曲中去，引起广大观众产生共鸣。以上所探究的每位歌手都在音乐表达中融入了自身的情感，借助自己对音乐的理解，自身的音乐功底，独具特色的音质以及音色，将每一首歌曲都演绎出自身的曲风，走出了自己的音乐道路，因此，其演绎的每一首歌曲，都是一场精彩的演唱会，给观众带来全新的感受。
二、个性展现丰富了音乐艺术的表现形式
一首曲子可以通过钢琴演奏，小提琴弹奏，歌手演唱，舞蹈表演等多种方式进行表达，而每一种表达方式又独具魅力，给人不同的效果，由于欣赏者自身的成长经历，人生感悟，音乐技能，经济能力以及文化地位等不同，歌手以及表演家在进行歌曲表演时，其对歌曲的接受能力是有限的，即便同一首曲子，不同的欣赏者往往获得不同的感受，如果欣赏者多为钢琴爱好者，那么这首曲子通过钢琴演绎则将会起到良好的效果，同时，欣赏者对表演者的肯定将会更好，由此可见，个性展现使得音乐表现形式更加多样化。例如，湖南卫视举办的综艺节目《我是歌手》，其参赛选手多为不同年龄段，不同音乐风格的歌手，韩磊年纪最大，以演唱经典歌曲为最佳，而邓紫棋为新生代歌手，浑身充满活力，爆发力极强，因此受到青年群体的喜爱，而欣赏者也包含了各个年龄段的人群，这在一定程度上维护了比赛的公正性，当选手进行歌曲演绎时，观众便能根据自身的体会选出其所认为的最佳冠军。《中国好声音》则以声音为标准进行选手争夺，盲选阶段，每位导师都是根据所听到的声音做出是否转身的决定，而每位学员的声音则是其对音乐的特色表达方法，正所谓，一张嘴便听出了其音乐功底，正是凭借这种独特的选拔方式，才将最佳的声音甄别出来，给观众一个满意的答复。
三、个性展现增加了音乐欣赏的多样性特征
表演者将音乐以同样的方式分享给观众时，观众对音乐的欣赏能力不同，因而对音乐的接受程度也不同，由于欣赏者自身的能力存在一定差异，不同的社会阅历，欣赏时的心境等导致对同一首歌的欣赏水平不同。例如，当欣赏者心情愉悦，生活压力小，人生一帆风顺，那么欣赏音乐的情景也完全不同，在整个欣赏过程中，对音乐作品本身的内容，音乐的表现形式，演绎作品的歌手以及使用乐器的种类对欣赏者来讲都具有一定的个性化表现。例如，当欣赏者情绪低落时，其即便在欣赏一首激情奋进的歌曲，其仍能在其中品味出悲伤的味道，相反，当欣赏者情绪高涨时，其从音乐欣赏中体会的完全是积极，乐观的情感。在音乐欣赏中，欣赏者对音乐本身所要传递的情感并没有特别突出的关系，但由于欣赏者处于不同的欣赏境地，因而体会到音乐作品的多样性特征，这种差异的存在，正是音乐艺术个性展现的重点，从这个层面来讲，个性展现使得音乐艺术的表达情感变得多样化。以《老有所依》为例，如果欣赏者正遭遇人生不幸，对人生失去了追求，生活缺乏激情，在听到这首音乐作品时，心里便充满悲伤的味道，感慨人世多变，生活充满波折，一阵凄凉油然而生;若当欣赏者已处于花甲之年，儿女孝顺，子孙满堂，每天与老伴潇洒度过，在欣赏这首音乐作品时，便会感叹时光飞逝，从而更加珍惜当下的生活，用心过好每一天。
四、结束语
审美是一种能力，审美不单单作用于人的感觉器官，更重要的是心灵。美是一种客观存在，更是一种心理体验。优美音乐是心灵的栖息地，高中阶段的音乐教育，就是培养学生对音乐的感知力，提升他们的音乐素养。在潜能开发方面，挖掘不同学生的长处，并对音乐知识进行合理化分析，对有音乐特长的学生进行重点关注，对音乐类艺术考生进行专业的音乐知识和理论的辅导。同时，为有特殊音乐爱好的学生提供发展个性的可能和空间，满足不同学生的审美发展需要，这一切都是音乐课程所要达到的教育目标。在体验的层面，音乐有着非比寻常的粘合力，音乐无时不在，无处不在，音乐在当下人们的生活中占据着消遣娱乐的大部分，音乐对于人的生活起着举足轻重的作用。音乐可以让人产生癫狂、悲愤等各种状态，也可以让人获得希望，体验巅峰感受，所以培养音乐价值观显得尤为重要。正确的认识和理性的思维是我们应该客观对待音乐的态度。由于学生的认知水平及不同阶段学校培养目标等方面的差异，中小学和高中的音乐课程价值也有所不同，集中体现在高中音乐课程加入了有关发展学生个性的内容。这一内容我们可以从两个方面来理解：一方面是基于学生的个人兴趣爱好的选择，另一方面是满足学生的个人发展需求，包括有助于培养学生初步的职业意识和人生规划能力。无论是兴趣爱好，还是发展需求，都是展现学生个性的过程，也都是为发展学生个的。也可以说是对“促进学生全面的、有个性的发展”的强调，是高中音乐课程价值与九年义务教育音乐课程价值的主要不同点。审美能力的培养是通识教育的要求。在人格培养和个性塑造上对学生的世界观、文艺价值观都具有积极的引导作用。创造性发展是高中阶段的关键期。研究表明，人在高中阶段的创造能力最强，我们的音乐教育就是要鼓励和提升他们的创造精神，在精神层面鼓励他们、感化他们、激励他们，音乐教育要体现示范性作用，要在审美熏陶的前提下，树立积极健康的人生观。在高中阶段加强审美教育，加强道德情操的培养是培养人才的客观需要。中国民族音乐需要继承和发展，靠的不单单是艺术院校和艺术研究单位，还需要以高中为起点的教学单位的高度重视。
二、创造性发展价值
艺术是审美的世界，音乐是听觉的享受，在词曲旋律的创造上，音乐没有止境。创造最好听的音乐是所有音乐人的梦想。高中生年龄在l4—18岁，正处于青年初期。研究发现，14岁是创新的最佳时期。这一时期高中生的成人意识开始觉醒，有了独立思考问题的能力，是非观念是这个年龄段学生的主要心理特征。“为什么学习”和“怎样学习”是他们首先需要解决好的问题。高中生开始有了独立的思考能力，有了自己的创造性的思维能力，他们有自己认识世界的方式，他们也想用自己的创造让大人们正确的认识和评价他们，成人感和认同感及自我价值的实现是他们渴望成功的动力。创新能力的培养，其核心是培养学生的创新思维。创新思维不是来自高考的应试教育，而是非智力因素的综合运用。创新思维是在人的意识中潜移默化的培养应用性能力的直接体现。心理学研究揭示了这样的一个事实，培养中学生的创新思维，必须要和培养与创新思维有关的非智力因素结合起来，这里的非智力因素主要包括求知欲、独立性、灵活性、坚韧性、强烈的动机、热情、自信心、吃苦耐劳等等。创新是每个人都有的内在潜能，要有效地开发出这些潜能，需要个体有从事创新活动的驱动力，个体的兴趣和动机是从事创新活动的内驱力，非智力因素减弱以至降到很低水平，是创新思维不活跃的关键因素。要培养学生的创新因素，就要激发强化他们的非智力因素。要做好这项工作，首先，要培养学生的自信心，要让他们相信自己有创新能力，有能力受到他人的尊重，有能力独立地解决各种问题。其次，要尊重学生的想象力，鼓励学生展开想象的翅膀，永远保持好奇、质疑、探索的自觉意识。最后，要形成一种商讨气氛，允许不同意见的存在，这应成为每个集体成员的共识。培养中学生的创新能力，除了创新思维，还要有实现创新设想的能力。这些能力既包括思维能力，也包括实践动手能力。21世纪极具挑战性和竞争性，发展中学生的创新思维，开发其创新潜能，是中学生教育必须解决的重要问题，没有中学创新教育的成功，就没有中华民族强大的创新能力。
三、社会交往价值
音乐的功能体现在情感的共鸣，进入21世纪，物质文明得到了极大的丰富，但是精神文明却在钢筋水泥的城堡里被高强度的生活所抛弃。人类自己的精神家园需要维护，人们在沟通和交流中需要情感的相互关怀。音乐是传递情感的最恰当方式，无论什么样的心情，无论什么样的状态，也不论什么样的视听要求，都可以找到合适的音乐，音乐类型的无疆界和音乐创造的多维性，给人们的生活带来了丰富多彩的艺术享受。同时也在人群中起到剂的作用。身教胜于言教，我们的音乐老师站在讲台上，不仅仅教学生们知识文化，更是给他们树立榜样，让他们有理想，有追求。在音乐的课堂上，在试听歌曲的享受中，我们开始不需要去懂得歌词的意思，跟着节奏和旋律就能自己哼唱；自己学会唱歌的时候，了解了歌词的深意，更会身临其境。《长大后，我就成了你》就是即可以安静欣赏的歌曲，又是可以歌唱的音乐，在歌词的表达中把我们老师和孩子们紧紧地拉到了一起。可以互动，可以沟通，更可以角色互换。很多学生谈理想的时候，都希望自己将来当老师，榜样的力量是无穷的，《长大后，我就成了你》就是最好的榜样，歌曲具有很强的代入感，让老师想起上学时候的样子，也让坐在教室里的高中生有空间去想象自己以后当老师的样子。这份感动从音乐中款款而来。也就形成了教师和学生的良好互动，同时又把现实和理想进行了对接，对高中生思考和审视自己的未来具有良好的缓冲作用。
四、文化传承价值
音乐的作用不但是审美，更重要的是文化传承的载体。我们知道文化是社会生产力发展到一定阶段的产物，原始社会的物物交流促进了语言的产生，同时也就产生了交换的文化。最早期的文化是以口对口进行传播的，说唱就是原始传播的方式，文学和音乐一开始是不分家的，口头文学就是以音乐的方式呈现的，而且世界各地都一样，希腊有古老的《荷马史诗》，中国有先秦的神话故事，都是有故事情节的文化。而随着生产力的进步，文人开始对口头文学进行了润色，音乐的节奏和韵律在文学中起到了积极的作用，《诗经》中绝大部分诗歌是用来歌唱的。纵观中国的诗歌史，诗歌的押韵和形式美都是对音乐的借鉴。音乐在民族文化的传承中占有重要地位，越来越多的歌曲改编自文学名著。从欣赏的角度，听觉的愉悦更适合积极的记忆，而唐诗、宋词、元曲无一不体现音乐的传承价值。高尚的审美情操、良好的艺术品鉴能力是素质教育的重要内容，音乐教育就是在听和唱的欣赏过程中挖掘艺术的魅力，在休闲和愉悦中得到身心的愉悦，这是所有人追求的目标。高中生更需要精神世界的休息和调整，音乐及时地满足了他们个性化的需求，又培养了他们的审美情趣。但是在教学中有一个问题不能回避，那就是对音乐过分地追求给学习带来的不良后果。改革开放以来，社会上“追星”的现象严重，音乐教师在课堂的教学过程中，培养学生正确的艺术观是教育的目的性要求。
营造温馨的教学氛围优美的音乐课堂首先要有现代化的音乐硬件支撑。要创建良好的音乐教学设施，包括良好的教学设备、引人注目的音乐挂图，富于艺术的音乐教室布置等。随着时代的进步，教育投入的逐年增加，学校音乐教学硬件要求基本达到。但是目前不少学校音乐老师。往往出于惰性，贪图方便，把现代音乐设施束之高阁，仍然用一台钢琴、一种形式枯燥地授课，使原本丰富多彩的音乐课堂变成死水一潭。所以音乐老师也要与时同进，教学要有新理念。音乐老师毎节课前，也要与理、化老师那样精心备课，精心准备本节课音响、MTV、多媒体投影等教学仪器设备。让学生一走进音乐教室就感受到音乐的艺术魅力。要充分利用音响等电教设备，让学生身临其境地感受到美的音乐环境，学生不知不觉地进入学习角色。例如，我在上《辽阔的草原》这一课时，课堂前阶段播放具有蒙古风味的MTV片，随着乐曲《草原晨曲》，屏幕中出现蓝天白云，一往无际的绿色草原上奔走着数不清的牛羊，天空雄鹰翱翔，地上勇敢的骑手拿着套马杆冲向马群，低沉的马头琴音色撼人——。视觉和听觉的融和使学生实实在在地感觉到音乐旋律的美。其次，优美的音乐课学习环境也要有软件的支持。所谓软件，就是情感因素，心理环境。我们知道悲壮的乐曲能催人泪下，激昂的旋律能使人奋进。教师进入课堂后，必须用饱满的教学热情、最佳的心态和高昂的教学激情去营造优美的情感环境，以此感染学生，从而激起学生强烈的音乐求知欲。音乐教学过程不但是音乐知识传授的过程，同时也是情感交流的过程。一个好的音乐教师，要学好心理学，懂得中学生心理特点，善于把握课堂节奏，演绎课堂情趣，激发学生的审美观，从而让学生感受到音乐美。笔者在音乐教学中，针对一些男生有浓厚的表演欲，就让他们单独放歌，释放激情；针对部分女生胆小羞涩的心理特点，则组织她们女生小合唱，培养她们不惧困难，挑战自我的勇敢精神。
二、优化美的音乐教学语言，唤起学生沉睡的艺术细胞
在音乐教学中，课堂上要生动吸引学生，语言起了很大的主导作用。法国一位著名演员曾说：“嗓音的力量是不可估量的，任何图画的感染力，远远比不上舞台上正确发出的一声叹息那样动人。”音乐教师首先要有一口标准流利的普通话和良好的音乐素质。音乐教师有一副好嗓子是上好课的关键。一般说来，要求发音准确，能把每个字音清楚地送到学生的耳朵里，特别是由声乐特长的教师其良好的音质是语言表现的一个有利条件。音质较差的教师可通过训练不断调节和美化自己的音色，使自己在讲台上一开口便紧紧吸引住学生，同时还要注意音量、音高，如一般的练声、听音、节奏、视唱练习等教学过程，语言音量可适中，语气自然亲切，语言音量可适中，语气自然亲切，声调可平和一些；教学中的重点与难点，则可适当加大音量，提高声调；介绍乐曲的时代背景，主题思想等富有感彩的语言时可大可小，声调或抑或扬，把情感的浓淡轻重，喜怒哀乐的变化表现出来。富有感召力的音乐教学语言，能唤起学生沉睡的艺术细胞。
三、展示教师优美的教姿、教态
伴随我国经济、文化的发展，港台与内地以及中外之间的交流日益频繁，具备中国特色的艺术形式、习俗及文化等也将受到广泛的理解和关注，我国传统音乐仍然保持着原生态文化，将会受到国内外的极大关注。但是随着社会的快速发展，传统音乐也正在受到较大冲击和严峻的考验，其生存环境也在逐步缩小；我国高校肩负着为国家培养储备人才的责任，他们有责任开发、利用传统音乐资源，并将其逐步引入高校教育教学中，以促进我国小康社会建设和文化大繁荣。目前，多元化发展越来越多的出现在高校音乐教育中，这是个好现象，它可以传承和发展传统音乐，因为每个国家的都有自己特有的文化。传统音乐具备多姿多彩的原生态活动及艺术形式，并凝聚着每个民族的宝贵文化财富和民族精神，也极大地体现了中华民族独有的审美观和审美习惯。
二、如何开发和利用传统音乐艺术资源
（一）对音乐艺术资源进行全面调查
高校应全面调研我国传统音乐艺术资源，掌握其形态特征、地域分布、种类等，运用真实的图像、图例、数据及文字构建音乐艺术资源库，从而科学制定高校开发、利用传统音乐艺术资源的设想和规划，确定引进传统艺术资源的发展目标，有根据、有计划地促进高校对传统音乐艺术资源科学合理的开发利用及保护；另外，逐步推进我国传统音乐艺术资源一体化整合工作，即研究各类音乐艺术资源间的联系，逐步形成音乐艺术资源的区域性发展方案，以形成结构合理、特点鲜明的音乐艺术资源体系。
（二）对传统音乐艺术资源进行重点保护
加强当地音乐艺术资源的管理和保护力度，逐步加大对传统音乐艺术产业及古迹的投入力度。例如，设立专项基金，开发和研究即将失传的传统音乐艺术资源；在保护传统音乐艺术资源的状况下，逐步推行商业化模式；由权威人士级别评定传统音乐艺术资源产业，依据实际情况进行奖罚，极力推介独具当地特色的音乐艺术品牌，并将其逐步引入高校课堂。
（三）对传统音乐文化进行普及和宣传
高校可以联合学生社团做好传统音乐文化的普及、宣传工作。学校的主管部门可以制定优惠的制度，鼓励教师和学生参与到传统音乐文化活动中，努力探究我国优秀的传统音乐文化，并认真评估其价值；另外，高校还可以借助文化论坛、知识讲座等渠道强化学生的传统音乐文化意识，培养优秀的传统音乐文化人才，极大地提高学生的传统音乐文化素养。
（四）多进行文化交流和音乐传承
高校应引导学生亲身体验传统文化的魅力，通过多种渠道引进一批具有知名度的各类传统音乐艺术人才，邀请民间艺人来学校演出等，通过这些措施确保高校学生可以接触到独具民间特色的传统音乐，从而在老师的帮助下，了解传统音乐和传统音乐文化，并借此保护、传承及发展我国的宝贵文化遗产。
三、结语
孩子们之所以情不自禁地随着音乐手舞足蹈，源于音乐是表情达意的艺术，儿童恰恰具有喜形于色、感情外露的特点，他们难以用言语表达他们内心的情感和体验，而音乐中强烈的情绪对比、鲜明的感情描写正抒发了儿童的内心世界，孩子对音乐天然的热爱和向往，对我们当父母的发出了信号：每个孩子都需要音乐，每个孩子都有接受音乐的愿望和要求。因此，音乐启蒙教育在孩子的童年时光里显得尤为重要。
年轻的父母们不妨试试以下方法来培养孩子的音乐细胞：
1.教孩子学会听
音乐离不开声音，没有声音就谈不上音乐。在大自然里让孩子学会听鸟叫、蛙鸣、雨水的滴答、汽车的鸣笛等，引导孩子发现音有高低、长短、强弱之分，和孩子一起玩“敲敲听听”的游戏，例如在厨房里用筷子先敲敲铝锅，再敲敲玻璃杯，比比谁的音高、谁的音低。经常让孩子闭上眼睛，问他们听见了什么声音，反复在生活中、在孩子高兴的时候，训练孩子的听觉，积累丰富的听觉经验，使孩子从小听觉灵敏。
2.教孩子学会记
当孩子对物体的各种声响发生了兴趣，我们就应该进一步要求孩子记住这些声音，将孩子的无意识转换成有意识，这样孩子对各种声响会更加全神贯注、集中精力、有目的地去听。例如：让孩子辨别家人的说话声、走路声、敲门声等。用质量较好的录音机录下全家的谈话声，让孩子从中找出是谁的声音，对号入座。听到家人的脚步声，就请孩子猜猜是谁回家了？假如您对孩子在听声音和记声音方面进行了一段时间的训练后，一定会发现孩子对各种声音的敏锐感觉和细微辨别能力远远超过成年人，这也许是我们有些成年人在儿童期没有进行一定的音乐素质训练，至今还五音不全的原因吧！
3.教孩子学会拍
这里所指的拍，就是对孩子进行初步的节奏训练。其实孩子自身许多本能的动作也是极富节奏感的，从呀呀学语到蹒跚学步，从哭哭闹闹到说说笑笑，其中包含了许多快慢、强弱、有规律的节奏交替。拍手是孩子们经常重复的动作，也是孩子表示内心喜悦的动作，我们可以从拍手开始，和孩子玩玩拍手的游戏来训练孩子的节奏感。许多爱好音乐的大人对儿时拍过的“请你像我这样做，我就像你那样”的游戏记忆犹新，实际上这也是一种节奏训练。德国著名音乐教育家奥尔夫创建的奥尔夫儿童音乐教育体系，充分突出了节奏第一、音乐与动作结合的要点，强调节奏是音乐的生命，是音乐生命力的源泉，提倡孩子在朗诵、拍手拍腿、跺脚等活动中培养孩子对节奏的敏感。
4.教孩子学会唱
当孩子呱呱落地时就唱出了他人生的第一个音符。孩子们更希望通过用自己的歌声来表达自己的心情、自己的愿望和理想。模仿是孩子的最大特点，我们应当抓住孩子的这一特点，给孩子准备各种歌曲、乐曲、世界名曲供他们欣赏或学唱。提醒家长千万别用太差的音响，走调的音乐只会让孩子厌烦，抹杀孩子最初对音乐的热爱。家长是孩子不可选择的第一任老师，因此，父母们必须提高自身的音乐修养，教孩子唱歌时要发音准确、吐字清晰、节奏感强。自认为没有音乐细胞的父母可以借助录音机、VCD等设备，让孩子从学唱简短的儿童歌曲入手，引导孩子多听、多练、多唱，在唱中进一步巩固孩子的视听、节奏感和音乐记忆力。
5.教孩子学会动
孩子们在音乐的感召下是喜欢“脖子扭扭、屁股扭扭”的。我在教2、3岁的孩子唱：“小手拍拍、小手拍拍，手指伸出来，手指伸出来，鼻子在哪里？鼻子在这里，用手指出来，用手指出来”的时候，我并没有教给他们半个动作，因为我的双手在弹琴，可孩子们却随着音乐边唱边拍拍手、伸出手指、指着自己的鼻子，真是不教自会，可爱极了。可见孩子天生喜欢随着歌曲音乐做动作，我们大人要多给孩子一些鼓励和夸奖，给孩子一个充分展现自我的舞台，让孩子尽情地表现自己，抒发内心的情感，在此基础上逐步帮助孩子协调四肢的动作。在生活中和孩子共同创编小律动、小舞蹈。当亲朋好友来家做客时，给孩子一次表演机会，让孩子在掌声中享受音乐给自己、给大家带来的欢乐。
少数民族音乐间离效应除了具备陌生化叙事的天然优势，还拥有影视场景描绘的变奏功能。“变奏”是指影视创作对节奏的把握，音乐在影视作品中的嵌入需要严格地控制时间，“促使音乐与影视画面的出现、跳跃、滑行以及消失密切配合”[3]，在此方面少数民族音乐鲜明的力量感与长短交替的歌调变式更有利于影视画面组接的视觉冲击。对少数民族影视配乐进行横向分析可见，少数民族音乐选择的多样性与音乐语言使用的规律很好地适应了不同时期影视创作的需要。我国上世纪五六十年代的悲情剧采用古筝、琵琶、二胡等少数民族弦乐小调来表达沉重、怜悯的主题情绪，例如《甲午风云》中的侗族琵琶配乐，《嘎达梅林》中的马头琴独奏；在20世纪80年代的战争片中，少数民族打击乐器的大调式音乐意境悠远，民族风格浓郁，在革命题材的影视参与中广受好评，例如《洪湖赤卫队》的经典插曲《信天游》；《上甘岭》的《沂蒙山小调》；20世纪90年代的喜剧片则常见笛子、唢呐等少数民族管吹乐器，旨在为影视创作融入活泼、欢快、喜庆的民乐样式，代表配乐如《五朵金花》中的白族歌曲《蝴蝶泉边》、《阿峨之恋》中的壮族民歌《过山岗》等等。以上少数民族音乐的影视应用从表面上看似乎是为了满足影视叙事的情绪传达，但音乐情绪是所有音乐类型都具有的符号语境，少数民族音乐是如何通过情绪化的符号语境发挥影视创作的间离效应才是我们关注的重点问题。对此，布林德尔的《序列音乐写作》肯定了民族音乐的曲式结构对间离效应发生的重要性；我国少数民族音乐家哈孜肯也同样表示少数民族音乐虚实相间的变奏特征可有效创设影视表意体系游离的、悬置的想象意境，从而发挥音乐的间离效应。参见我国少数民族音乐配乐，其曲式结构无不蕴含着虚实相间的变奏特征，具体表现为音乐节奏强与弱、动与静、快与慢的韵律回转，例如《信天游》的三段体连锁型回旋，《蝴蝶泉边》的首尾重叠与对比性中段设置，正是由于少数民族音乐材料与乐段叙事结构相较大众音乐而言拥有鲜明的呼应、重复、回旋、对比的音乐离合组织，因此便于满足自身与影视创作经验各异的自我表达。如果说少数民族音乐间离效应的影视叙事空间拓展提供了影视作品的多义性，那么少数民族音乐间离效应的虚实变奏场景创设则可围绕影视组接与景别变化实现不同表意系统之间的对立统一。
二、少数民族音乐间离效应的影视应用途径
（一）基于时间修辞策略的音乐织体建构
少数民族音乐间离效应的影视应用通过陌生化叙事来拓展文本阐释空间，主要表现为以时间修辞策略为主的音乐织体建构。影视叙事的本质是让观众感受时间，“时间的变形是影视叙事的必要条件”[4]，音乐可简化影视作品的时间经验，亦可将其复杂化，从而提供叙事顺序的另一种可能。对此，少数民族音乐对影视叙事时间的简化与其他音乐没有异常之处，均是还原真实世界的时间秩序，但对叙事时间的复杂化却呈现出“间离”艺术的根本优势。首先，少数民族音乐的影视应用通过离合度编排来创造时序的变形。影视音乐的离合度编排是为了提供音乐材料在影视片段中发展的基本线索，一般来说，少数民族音乐并不是以连贯性的方式出现在影视作品中，但从整体上看却必须具备音乐曲式的逻辑性，离合度编排指向少数民族音乐在影视作品不同位置的相互“呼应”与“起承转合”，用来建构音乐组织间的密切关系，其作用是凭借稳定的音乐应用程式，促使观者从中获得审美体验。少数民族音乐擅长通过对音乐应用程式的打乱来创造时序的变形，例如电视剧《大宅门》中年老的主人公躺在靠椅上昏昏欲睡，“镜头从他的面部特写逐渐拉远，此刻观众并没有发现创作者倒转时间叙事的意图”[5]，直到少数民族传统吹奏乐、弹拔乐、铜鼓乐等一系列吹拉弹唱的间奏配乐响起，镜头俨然已回到主人公出生的清末民初时期。在这里，少数民族音乐的加入倒转了观者的时间知觉，从观众无意识到时间裂缝的出现发生了间离效应，观者瞬间陷入倒转叙事的情节漩涡中，渴望深入影视文本追踪主人公未知的又业已发生的过去。其次，少数民族音乐的影视应用通过蒙太奇思维来传递审美个性。“蒙太奇”是影视创作常用的美学技巧，意为利用镜头分割与组合来达到对观者心理的暗示，音乐领域的“蒙太奇”思维可与之类比，解释为采用交叉、重复、突兀等音乐设置来将表面上并无关联的镜头衔接在一起，从而升华主题，获得观众心理共鸣，它们的共同之处都是应用剪辑来操作时间叙事。以《冰山上的来客》为例，“《冰山上的来客》是我国电影配音史上当之无愧的经典”[6]，《怀念战友》、《花儿为什么这样红》等一系列充满少数民族地域特色的插曲经久不衰，其重要原因之一即在于音乐叙事的蒙太奇策略，在敌人开枪、群众躲避的多角度镜头下，影片配乐反而放弃了制造紧张感的节奏型音乐，取代之的是一大段静音，促使屠杀场面的时空延伸，制造观众的心理空白，当古兰丹姆看到阿米尔无畏地冲入敌人阵营后，轻柔优美的《冰山上的雪莲》突如其来，多少观众为之流泪。“这是一组综合性的蒙太奇剪辑，镜头随着音乐进行分解，全景与特写相互交织”[7]，人们被阿米尔和古兰丹姆纯洁的爱情所震撼。
（二）围绕音乐组接与景别变化的变相创作
少数民族音乐间离效应的影视应用致力于虚实相间的变奏场景创设，需要围绕音乐的影视组接与景别变化发挥变相创作的音乐媒介本性。德国音乐学家梅耶贝尔认为音乐的本性是媒介的本性，没有什么艺术能像音乐一样既能自我表达又能为其他艺术创造表达自我的可能。少数民族音乐的影视应用是在另一种艺术实践中付诸经验各异的自我表达样态，正是因为异中求同的缝合与疏离催生了少数民族音乐变相创作的间离效应，其影视应用也因此划分为缝合与疏离两个部分。缝合部分旨在“促使少数民族音乐与影视画面之间形成统一的封闭的环”[8]。对此，少数民族音乐通过组接来达到与影视对象的并置，一般表现为跃动的音乐旋律对镜头节奏的跟随，即少数民族音乐组接根据视觉形象的张弛、造型特征、人物情绪、环境气氛来编辑音乐表现手段。例如冯小刚电影作品《夜宴》的配乐采用《越人歌》、《莋都夷歌》等少数民族民歌唱词贯穿影片始终，是为了迎合电影主题中爱情错位与主人公身份不被认同的凄美哀婉，尽管音乐沉稳滞重的情绪感召力十足，但该部分的间离效应却尚未发生。如果说少数民族音乐与影视画面的缝合部分是出于对音画同步与音画平行的考虑，那么疏离部分则是为了自觉地塑造音画对立的间离效果，对此，少数民族音乐围绕景别的变化来实现对影视节奏的调节。影视作品中的景别变化一般是指物理距离的变化，但影视配乐的间离效应则可使之产生视觉心理距离的变化。《夜宴》影片的后期音乐一改悲剧片配乐的古筝与琵琶路数，同时将《越人歌》、《莋都夷歌》的音乐间奏弱化，在观者认为剧情冲突即将达到的时候反而加入了《春舞》、《平湖秋月》等轻快、浪漫的钢琴曲，用以烘托人物相互杀戮的残酷，此种视觉与听觉的对立为影片营造出浓郁的寂寞感。我国电影中写意性较强的影片较多通过以上控制景别节奏的方式来制造“间离”，例如陈凯歌《黄土地》的《鼓阵》配乐、张艺谋《大红灯笼高高挂》的传统戏曲配乐等等，均是少数民族音乐与非同一性艺术同构的变相创作体现。
三、少数民族音乐间离效应的影视应用价值
（一）音乐教学的对象是学生音乐本身是一种艺术，在就艺术本身进行教学时，不能单纯的采用传统的知识教学模式。本质上来讲音乐教学是一个使学生身心主动参与的过程，学生对音乐教育的参与程度取决于学生的思想、情感、意志对音乐教学的投入程度，这种基于学生个性的音乐教育，显然不是教学模式这种整齐划一的基础知识培养形式能够驾驭的，而在学生个性的培养活动中，教学艺术对学生个性的培养却是极为有效的。所以在音乐教学活动中，音乐教学艺术是对音乐教学模式重要的补充，只有这二者相互连结、相互融合，才能让学生从知识和艺术两个角度对音乐有深刻的理解。
（二）音乐教学中教师的作用在音乐教学活动中，学生作为音乐学习的主体，其本身的学习欲望是比较强烈的，但是在音乐学习的基本素质上，还有不少的欠缺，如：先天条件、技巧掌握进程、注意力的集中能力等等，这些基本素质的欠缺，导致学生在音乐教学活动中，学习能力参差不齐，导致学习成绩不佳的原因也各不相同。这就是教师在音乐教学活动中要面对的主要问题，教师在音乐教学活动中，要从学生的基本情况和音乐学习的现状出发，对这些个性化的问题用教学艺术的手段进行处理。
（三）音乐教学的方式因为音乐本身固有的艺术性更多的表现为随机性和创造性，所以在教学活动中，音乐教学的很多具体教学方法是无法被统一规范的，例如在教学活动中的视谱、唱词、指导语以及它们之间的组合方式。由于教师对教学模式主导思想、目标的理解不同，加之教师本身的条件、学生个体的条件各异，教学模式是很难对教师语言、示范等作出严格规定和要求的，但是教学艺术则可以解决这一问题。这一点可以从我国过往的音乐教学实践中看出，在过去我国音乐教学质量较高的时期，必定有一批优秀的音乐教师活跃在课堂和演出舞台上，他们之所以会有如此大的影响，就是因为其自身独特的对音乐艺术的理解，渗透到了音乐教学活动中去，在教学活动中学生不仅学到了可以做一个好学生的专业知识，同时也感受到了可以做一个好艺术家的音乐艺术。当然在音乐教学活动中，对音乐教学艺术的重视，并不是对音乐教学模式的否定，因为音乐教学本身也是一种教学活动，能够适应传统教学活动的音乐教学模式，只是在模式教学活动中，不能忽略音乐本身的艺术性，将教学模式和教学艺术结合起来运用，才能更好的提高音乐教学效果。
二、结语
《茉莉花开》全片分为《茉》《莉》《花》三章，其中音乐主要是由《茉莉花》《迟到》《喀秋莎》《敬爱的》《小城故事》组成。与此同时，整部影片中还穿插了钢琴音乐、西洋爵士音乐、日本军乐等音乐，既对影片中的不同女性的身份和命运进行了标识，展现了不同时期三位女性的情感纠葛，也共同阐述了发生在50多年间一家三代的女性故事。《茉莉花》原本是江苏民歌，它主要刻画的是“一个文雅贤淑的少女被芬芳美丽的茉莉花所吸引，欲摘不忍，欲弃不舍的爱慕和眷恋之情”。《茉莉花开》这部影片通过对同一首歌曲的变奏展现了三代女人追求爱情和理想的悲歌，更展现了时代在个人身上留下的无情变奏。
二、《茉莉花开》中的音乐对影片的重要作用
建构在历史叙事的基础上的电影《茉莉花开》带有浓厚的时代特征和历史气息，而电影中的音乐在影片中则带有十分重要的符号性特征。纵观全片，《茉莉花开》影片中的音乐对影片中的人物形象刻画、时代环境阐述、故事情节推动等都有着十分重要的影响。
(一)推动情节发展，刻画人物形象
在电影的剧情发展过程中，音乐往往对剧情的环境、剧情的创造以及推动等都产生着十分重要的作用。同时，在推动剧情发展的过程中，音乐也在展现人物内心感受以及刻画人物整体形象方面起到了不可替代的作用。音乐通常是通过渲染、暗喻的方式突出人物在整体环境下的悲伤、喜悦、紧张、惊恐等感受，增强观众们的听觉感受，加深观众对影片的多方印象。与此同时，电影音乐的运用还能够让观众增进对电影剧情以及背后深意的进一步了解，营造出具有吸引力的情景变化。在电影《茉莉花开》中，导演根据剧情变化，运用不同的音乐模式来展示特定境遇下不同主人公的情感状态及其微妙变化，突出浓厚的心理转换氛围。在影片《茉莉花开》中，向人们展示了三代女性不同的人生命运以及情感心理，而在展示三代人差距的过程中，也运用了三种类型不同、个性鲜明的主导型音乐进行表达，而这三种主导型的音乐却有着十分重要的区分表达作用。电影中的主题音乐都是取自同名歌曲———江苏民歌《茉莉花》，构成了具有密切联系的音乐形态，都是根据同一个主题材料变奏生成的。但是由于三代人———茉、莉、花三人生活的时代背景以及生活境遇的不同，同一首音乐曲目也被变奏成了不同的音乐章节，通过其不同的节奏、旋律、和声的变奏展示不同的故事主线动机。其中最为突出和典型的就是音色在电影中的变奏。作为构成音乐的重要元素之一，音色会成为改变音乐性质和形象的重要内容。通常作曲者会运用单件乐器独奏或者是主奏的手段，充分运用不同音乐乐器音色的特点，塑造不同人物的内心情感和外在形象。例如，在电影《茉莉花开》中，为了保证整部电影的连贯和统一，导演运用了同一首音乐来贯穿音乐作品首尾，从而保证了音乐结构风格的统一。而由于整部影片中表现的是三代人不同的命运，作曲者则在统一音乐主题的前提下，对音乐内部节奏及其音色进行了调整，形成了丰富、多样的音效。在表现第一位主人公少女茉时，电影中的音乐《茉莉花》主要采用的是双簧管和萨克斯管的音色。在孟老板为“茉”举办华丽的生日宴会的画面中，就运用了管弦乐队演奏《茉莉花》。萨克斯管在我国可谓是管乐器里的带头人，有着丰富的表现力，高亢嘹亮之中带有柔美的音色，在整个中、高音区主奏或独奏的旋律之中带有缥缈、感伤的气息。在整部影片中，为了表现少女茉的心境变化，用萨克斯管和双簧管演奏的音乐《茉莉花》一共出现了八次，给观众留下了极为深刻的印象。而在展示少女莉的过程中，电影音乐《茉莉花》则通常采用钢琴演奏。钢琴的祝奏或者独奏出现在中高音区，其旋律之中蕴藏着一种荡气回肠的情韵，悠扬婉转，犹如远处传来的低声沉吟。而随着第二声部旋律时隐时现的衬托，其电影音乐也更显凄凉孤独，成为少女茉凄凉孤单的心境的体现。同一首主题曲江苏民歌《茉莉花》为了展现不同主人公的命运、性格、形象，以不同的形式先后三次出现在影片中，对整部影片的主旨表达产生了十分重要的影响，并对阐释影片对美好生活向往的主旨有着重要的辅助作用。
(二)诠释故事发生的历史环境和时代背景
在西洋音乐概念中，曲调的旋律性差就等于音乐性差。而在中国音乐概念中，节奏上的鲜明变化（不是没有旋律），即板头好，也是一种音乐欣赏。中国的说唱艺术（如大鼓、单弦）讲究嘴皮子、板头上的功夫，节奏鲜明，咬字清晰，既有音乐性，又有戏剧性。
音乐艺术到戏曲中来，本来就存在着矛盾———如果过分强调戏剧性，就会把音乐性损害；如果过分强调音乐性，也会把戏剧性破坏。如何把这一矛盾解决好，既发挥音乐性的长处，又不失其戏剧性。
从我国戏曲创作和演出的长期实践中，在解决戏曲音乐的音乐性和戏剧性的矛盾方面，走出了一条自己的道路。著名戏剧家张庚在论述这个问题时，总结了五条：
一、戏曲音乐的音乐性和戏剧性的矛盾是在戏曲综合性的大前提下解决的古人有“以歌舞演故事”之说，请注意：戏曲综合性中最重要的一条，就是一切艺术手段都是为了表现戏的内容，而不是为了显示某一艺术手段。
二、充分考虑中国语言特点
中国语言是单音字，所以，同音的字和辞比较多，声音相近的字和辞更多。如果咬不清字，分不清四声，就无法听懂。因此，我们在创腔、润腔时要充分注意唱词的四声趋势，才能创作出优美的旋律。不仅如此，中国语言中的方言，更应引起我们的注意———同一个剧种到了不同的地方，就会派生出不同的腔调，从而形成不同的剧种。
南北曲因各自地区语言不同，致使它们的唱腔所用的音阶也有差异：南曲为五声音阶；北曲为七声音阶。
充分注意语言特点，就会忘记旋律美吗？不是的。戏曲音乐的美学标准是“字正腔圆”。既要求字正，也要求腔圆。艺术实践证明，在我国戏曲音乐中，每个时期都创作了十分动听的腔调。
三、语言与旋律的结合
西方音乐界某些人认为：注意语言特点就不可能创造美好的旋律。奥地利音乐理论家汉斯立克在《论音乐的美》一书中写道：“歌剧的作曲家必须忠实于情景而不是忠实于词句，假如他找到更好的音乐语言，那他可以不理睬歌词”。他们认为：音乐性和戏剧性的矛盾是不可调和的，不是牺牲这个，就是牺牲那个。而作曲家迁就歌词，就一定产生不出美好的旋律来。
中国戏曲音乐解决语言与旋律的方法是：既要求音乐充分照顾语言的特点，又要求唱词充分照顾音乐的特点。曲作者在为一个剧本创腔时，总是一面仔细研究唱词的平仄和辙韵，一面对唱词提出修改意见或自己动手修改，尽量做到词和曲的完美结合。
四、结合剧情创腔
首先，注意表现人物性格；其次，注意把重点唱腔安放在戏剧处，因为戏剧冲突最关紧要的地方也是音乐所在。
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