时间：2023-03-17 18:00:32
导语：在现代平面设计论文的撰写旅程中，学习并吸收他人佳作的精髓是一条宝贵的路径，好期刊汇集了九篇优秀范文，愿这些内容能够启发您的创作灵感，引领您探索更多的创作可能。
现代平面设计的空间是各种元素组合的力场，是人们看到平面设计作品感受的心理空间.随着社会的发展，人们物质生活的提高、审美观念的转变，对平面设计的要求也发生了巨大的变化，从过去二维的表现形式到现在从三维的角度设计作品.具有代表性的是日本著名现代设计大师福田繁雄，他的作品是用图与背景的关系描述多维的世界，把各种各样的元素有次序的组合在一起，传递某种视觉信息，这也是现代平面设计所要求的.虽然现代平面设计风格多彩多样，制作和表现手段也由电脑取代手工，但是平面设计不只是单独地从形式的角度进行创作，它更需要在空间和多维的角度对传统文化进行诠释，传达新意.在现代平面设计中，人们有一种普遍的共识，就是现代平面设计的内涵应具有传统性和民族感，因此传统民间美术往往成为现代平面设计的切入点与灵感之源.中国古代阴阳、正负的观念与民间美术的空间概念密切相连，民间美术中的民间绘画、版画、雕刻和剪纸都有打破时空局限的形象转换、突破常规透视变化的主观意象表现手法，这种表现手法正是现代平面设计所需要的，可以为现代平面设计提供给更为灵活多变的视觉元素.虽然平面设计与民间美术属于不同的视觉语言体系，但在更深入的层面上却有着千丝万缕的联系与沟通，如何在更广阔的意义上研究民间美术与现代平面设计的融合与互补，对建设具有民族特色的现代平面设计具有重要意义.
2民间美术在现代平面设计中的应用
民间美术中许多经过长期积淀、约定俗成的图案纹饰，如：龙凤、祥云、钱纹、盘长等吉祥符号，把这些纹饰根据需要经过提取、改造，巧妙的组合起来，使之成为即富有原有意愿和创新意味的视觉形象.在现代平面设计作品中，有许多都采用了民间美术的元素，例如：1998年世界杯的宣传海报中就有蓝印花布这种民间艺术元素.这是民间美术元素直接运用在现代平面设计作品中，当然也有民间美术符号以含蓄的方式表现出来，如：现代平面设计某些作品中的图案是用锯齿形的方式表现的，而锯齿形是民间剪纸的特有造型，民间剪纸的造型大多夸张、活泼和简练，这种民间剪纸的特征应用在现代平面设计中，给人独特的审美情趣.民间美术元素无论是直接、间接还是经过改造、创新应用在现代平面设计中，一般采用的都是人们熟知的民间美术符号，这些符号通过创意的设计，就构成新的具有设计意味和全新的视觉形象，既有民族的意韵也富有时代精神.民间美术具有独特的造型语言和鲜明的民族特色，其质朴而富有创造性的造型和配色技巧，是现代平面设计必不可缺少的宝贵资源.把民间美术的制作技巧、设计思路创造性的应用在平面设计中，对传统民间美术的继承和形成有中国特色的现代平面设计体系具有重要作用.
3现代艺术设计与民间美术的相似性
民间美术和现代艺术设计之间在内涵、变现手法、色彩运用等方面，存在许多相识之处.
3.1大众性
民间美术是由普通劳动者创造出来的，是描述生活、生产的，也是一种包含某种情感的精神产品，为普通劳动者接受、喜爱的一种大众文化.而现代艺术设计尤其是平面设计、室内设计都是为大众服务的，普通百姓所使用的各种用品也是设计师设计出来的.
3.2实践性
民间美术的许多作品实际是一个制造的实践过程，如：剪纸、木雕、陶艺等，这些作品内容往往形成在劳动者的大脑中，很少有图纸和设计稿子，是在劳动中创造出来的.在现代艺术设计发展的过程中，不管是最初的工艺美术，还是后来的包豪斯教育体系，实践是每个阶段重要的特征，只有实践艺术设计才能发展，因此，现代艺术设计是在实践的基础上建立起来的.
3.3实用性
实用是现代艺术设计的一个重要要求，设计师在设计产品时，首先要考虑的是产品的用途，既产品的作用，而不是产品的外观.在民间美术中，实用性表现在民间美术的造型中，如：在陶器上的半坡鱼纹装饰，不仅外观漂亮，在实际生活中还起到方便使用的作用，另外：蜡染布、双头老虎枕等，这些外观精美又很实用的造型，在民间美术的许多作品中比比皆是.此外，在民间美术，也有许多是以简单的线条，华丽深沉的色彩搭配构成抽象的形象作品，如：陶艺上的鱼纹，蜡染布上的深蓝等，与现代艺术设计中常用的点线面的表现手法有极其相似.民间美术造型含义也是丰富多样，不同的民间美术造型代表着不同的喻意，如：绿色表示长寿，在艺术设计中则代表着生命、环保等意义.而民间美术中的石榴、蝴蝶等动植物形象也有丰富的喻意，这些作品形象是人们在趋利、求福、避害的观念下形成了一件件完整的艺术作品.
4民间美术单纯质朴的艺术风格在现代平面设计中的传承
民间美术是由广大普通人民群众创作出来的，这些普通老百姓大多数是从事生产劳动的，几乎没有经过专业的美术学习和培训，因此他们的作品从专业角度来看，有些粗糙，在艺术形式和技巧上有些欠缺，但是正是他们没有受到专业的束缚，才可以自由的创作，把自己的生活和精神用朴实的、单纯的艺术风格表现出来，这种风格就像清水出芙蓉，充满了清新、活泼，这种质朴之美，富有创造力，令人陶醉，充满着浓郁的乡土气息.民间美术是生活和艺术的结合，在我国从多的民间美术作品中，无论形式如何，都有着质朴、单纯的艺术风格，例如：金山农民画、户县农民画、邳州农民画等，这些作品内容都是作者身边的物和事，颜色欢快、明丽，整体给人以亲切、质朴、淳厚的感觉.这博大、深厚的民族艺术意识正是我们现代平面设计所欠缺的.现代平面设计过于商业化，是一种商品，不是民间美术那种单纯、质朴的艺术之美，因此在现代平面设计中融入民间美术质朴的艺术元素，能让人保持一种平常心和质朴的心态.
5结语
[关键词] 太极形 符号 现代设计
在中外艺术史上，产生过很多经典的图形符号，有些符号甚至自原始时代开始，便在不断发展和流传的过程中，融汇了宗教、艺术、政治、民族等多方面因素的影响，而成为一个语义丰富的文化象征体。
每一个图形符号都是所有其他符号的镜子，当你注视你眼前的符号图形时，你不仅把在你当前的角度可以理解的性质，而且也把在其他情况下，其他的角度，譬如宗教的、哲学的、美学的等能观察到的性质给予了当前的符号，这样，每一个符号便构成了一个系统或世界。而太极图形就是在人类文化史中被无数的目光穿过而形成的经典。
在中国古典哲学观念中，人、社会、自然、宇宙无一不是处在点、线、面的交织运动之中。太极就是这样一种对于宇宙、人生、社会的最简约的概括，它反映了古人把握世界的方式，“一阴一阳、一正一反、一明一暗……是在一个统一体中存在着互相矛盾对立的、运动着的、一分为二而又生生不息、永远在发展的生命力的表现。”（雷圭元，1997）阳被阴吸收，阴同时被阳融会，双方相互吸纳，周而复始产生永无止境的流动涡旋。既无极又有极，是所谓“物”生两仪，并阴阳而成大千世界，古人以太极而象之，实为天才创造，太极图是使表示“阳”的白和表示“阴”的黑交织成形的，十分出色的设计象征图形。如果对之作为符号学的考察，它是由抽象的点、线、面整合的，是一种高度抽象化、完美的图形符号，在中国古代传统的图形观念中，可以说“太极”是最重要的母题。wwW.133229.COm其构成形式是：外圆“s”曲线分割为阴阳交互的两部分，这两半对立的阴阳面，若以黑白两色来区别，通常称白色阳面的黑色小圆体为“阳中阴”。称黑色阴面的白色小圆体为“阴中阳”。可旋可转，变化无穷，生生不息。
太极图形是完美的符号形式，“太极”符号的基本特征是圆的造型。圆的美感特征是举世公认的，它表达了一种表面静止、安详，实际却永远运动的状态，正是在这样一种互为补充的、永恒的运动状态中，它划出了最美的轨迹。古希腊哲人认为“一切平面图形中最美的是圆形，一切立体图形中最美的是球形。”（李砚祖，2002）太极图继承了这样一种最美的构形方式，又与中国传统哲学观、宇宙观、人本观相通，形成了突破和创造，“回互”线在面的分割中形成你中有我，我中有你，穿插出阴的一边有阳，阳的一边有阴的格式。“在这一协调的符号中，不对称的两半在一个宁静的圆中组成了一幅完美无缺的图案”（贡布里希，1999）。
太极图表达了丰富的符号内涵，一方面它是中国古人对于混沌宇宙的观念把握，“大象无形，大音希声”，古人把变幻莫测的宇宙规律融入到这样一种周而复始、生生不息的图形中；另一方面，太极图形符号也是古人对于自身存在把握的一种表达。在古人看来，不仅人的身体中存在这样一种阴阳相交、互融互补的生命场，而且人与人之间的交流、人与物的“观照”关系也处在这样一种此消彼长、缠绵反复的氛围之中，运转这种力场的则是无形式的“道”、“气”。的哲学观念，而由此发展出各种应用图形样式比比皆是。
古人对太极图图形格式的运用常表现为把自然中成双成对、互相顾盼呼应的两条鱼、两个小孩、一对鸳鸯、一对蝴蝶、两枝牡丹、两束荷花等巧妙置于一个圆形中，形成舒展自如、相辅相成，既互相照顾又相互逗趣的艺术效果，表现出人们对于美好生活，对于圆满、美好、团聚等的向往和憧憬。这种以太极图为结构模式的图形深受老百姓的喜爱，在民间又被发展成“喜相逢”的格式，成为中国传统图像构成的重要法则。
在现代平面设计中，太极图式又被设计师注入了许多新的观念和内涵，演绎创新了大量杰出的设计作品，例如韩国国旗的太极图形设计。设计师是聪明的，把这样一种既具有最美的符号形式感，又有着丰富深刻的符号观念的古代图形运用于一个东方国家的标志设计中，既表征出东方民族的特色，又象征一个国家和民族生生不息、刚柔相济的民族精神。由太极图形发展而出的各种图形设计，一方面取“s”形的符号形式，广义的中国传统平面设计——装饰纹样设计中由此发展了生动多变的“喜相逢”格式，民间艺人称之为“双关”或“一整、二破”等样式，以对立来表现完整，通过相对完整来表现绝对完整。汉代漆画、隋唐宋元的瓷器装饰等随处可见太极图形符号的构形。在民间剪纸中，太极图形构成运用的方式也非常明显。在各种器物上进一步发展的“s”形构图则是对太极图形符号这一形式母题的突破和创造。
现代平面设计对于太极图形构成的创造性运用十分多见，何洁设计的中国民间艺术节标志就是采用了这样一种太极符号形式的构形设计，除取得形式上符号化的美感外，作者还利用这一符号形式深厚的文化传统和民族精神，象征艺术节婀娜多姿的美感和文化厚度，符号形式所积淀的深厚内容在一定的合适的形式表达中被最大限度地传达出来；另一方面取符号形式的深刻符号意谓，太极图形及观念的发展象征了中华文明的发展历程，是中华传统文化的精髓之一，就像京剧人物的符号化一样，太极图形也是中国传统文化与观念符号化的一种表现形式，对这种符号形式及其观念的挖掘，并将它运用于现代平面设计中，是许多优秀设计师进行设计创作的一种有效的方法。马泉设计的“艺术与科学”系列招贴画之一“水”，作者直接采用太极图形的样式，形成水的相对环流，水滴却是代表科学的“﹫”符号。
最优秀的设计往往是根植于传统之中的设计，并通过传统与现代、民族与世界的结合形成现代平面设计百花齐放的局面。太极图形有其独特的视觉优势，又有深刻的象征意义。在现代平面设计中，我们可以借用其丰富的内涵，来传达设计的主题，传达人的意念，使太极图的意义在设计中得到升华。其外在形式和内在含义为现代平面设计带来无穷的创意灵感。
参考文献：
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正文中的各级标题、图、表体例见表1、表2：
表1标题体例
标题级别字体字号格式说明与举例一级标题宋体四号加粗顶格排，单占行阿拉伯数字后空1格，如“1概述”二级标题宋体小四加粗顶格排，单占行如“1.1仿真实现方法”三级标题宋体五号加粗顶格排，单占行如“1.1.1管网仿真实现方法”四级标题五号宋体左空2字，右空1字，接排正文阿拉伯数字加括号，如“(1)”允许用于无标题段落
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参考范文：
浅析视觉传达与平面设计元素之间的关系及相互作用
摘要
在现代平面设计中，会运用到各种平面设计元素，这些由点、行、大小、空间、色彩、明度、纹理构成的设计画面，通常会以视觉形式来传达。平面设计元素涵盖内容众多，这是为传达美的视觉享受的一种表现形式。视觉传达是设计师进行沟通的主要渠道，而平面设计元素是沟通的主要方面，因此，分析视觉传达与平面设计元素之间的关系及相互作用，具有实际意义。本文以视觉传达设计与平面设计的关系为基础，探究二者之间的相互作用。为平面设计元素的视觉形式理论应用到设计创造中去提供理论参考。
【关键词】视觉传达；平面设计元素；关系；相互作用
谈及平面设计作品的灵魂，就必须提到视觉形式所蕴含的理念。在平面设计的各个领域中，平面设计元素起着不容忽的视觉传达作用。平面设计元素是设计师构成一副优秀的平面作品的主要因素。平面设计元素的灵活运用是提供视觉传达的基础。
1视觉传达与平面设计元素之间的关系
视觉传达作为一种沟通方式被应用于传达、交流、协作、共进的活动中，解决了地域、种族、语言、文化差异的问题。视觉传达完全凭借视觉性符号进行传达，其集感性和形象为一体。通过视觉传达，不仅能够实现信息的交流，而且还能够实现情感的交流。由视觉传达衍生出了视觉传达设计，这是基于“给人看的设计，告知的设计”的理念上出现的一种设计形式。视觉传达设计最早可追溯至19世纪中叶。而这恰好是“平面设计”、“图形设计”的前身。这种基于视觉媒介表现并传达的设计在之后的发展过程中，发生了变化。因此，“视觉传达设计”和“平面设计”才能相容。“平面设计”有较为明确的界定，即在平面空间中的设计活动……（《世界现代平面设计史》）。这里提到的视觉传达设计可以说是平面设计的“升级版”，原因在于其更直观、更感性。这二者的相同之处在于最基本的设计元素的应用。
2视觉传达与平面设计元素之间的相互作用
2.1形成视觉语言
平面设计元素中，线绝对是一个代表，作为任何各个或多个点连接的符号，其有多种表达形式，譬如，水平线、垂直线、倾斜线、锯齿线、曲线等等。这些线给人的感觉也大不相同，水平线、垂直线给人平稳的感觉，而倾斜线、锯齿线、曲线则极具动感。每一种线都有自己内在的力量和韵律。而只有将其应用在组织信息、划分区域、强调文字、烘托情感的过程中才能真正体现。而这个过程就是平面设计元素展现出来的视觉语言。视觉是设计存在的基础要素，现代设计理论表明，平面设计则更为集中地体现了一种对即时的视觉效应的追求。简而言之，视觉传达已经成为平面设计中不可或缺的一个过程。文学、电影、舞蹈、音乐等艺术均有自己的“语言”，因而视觉传达也有自己的语言。对平面设计而言，视觉语言能够反映出设计者内心的思想和情感，是设计者传达意念的一种媒介。而视觉传达需要视觉语言，视觉语言则需要平面设计元素。
2.2展现图形之美
平面设计由平面设计元素构成，也就是由点、行、大小、空间、色彩、明度、纹理构成，而这些均是图形构成的基础要素。平面设计就是灵活利用这些元素的构成了千百种设计图形。图形，作为一种“世界语”，可以跨越国家、民族、年龄、文化程度、语言差异，给人传达意念。相较于文字，图形展现的优势更明显，它能够更形象、更具体的展现设计理念。图形中的点、线造就了它们自己‘语言’的交织，纯粹的服务于视觉传达。视觉传达是一种视觉形式，这种形式以具象的图形和抽象的图形为主。作为图形设计的基础，平面设计元素是视觉语言的造型文法。借助图形的整体呈现，为各种情态的表达开辟出了一个出口，由此也展现出了图形的美。
2.3凸显色彩之美
色彩的存在很大程度上丰富了我们的視觉内容。正如英国著名心理学家格列高里说到的“色彩是视觉审美的核心，深刻地影响我们的情绪状态。”视觉传达过程中，色彩是一种不容忽视的要素。色彩先声夺人的表现力，使得设计师不得不重视。从整体传达效果上来看，图形传达和文稿传达过于呆板。色彩传达能够弥补改善这方面的缺陷。在各种设计中，色彩都会发挥巨大的作用。以包装装潢设计为例，色彩的应用，更吸引顾客的视线，因此，色彩才会成为视觉传达最快捷的信息要素。由此也证实，色彩是交流的有用工具，可以吸引注意或者营造氛围。在平面设计元素的运用中，色彩的运用无疑是一门“深奥的学问”。色彩包含色相、明度和纯度三个基本色彩语言。从某种意义上讲，色彩本质上属于图形语言。“冷”、“暖”被用来形容色彩，能够真实的体现视觉效果。平面设计元素的组建是为了凸显美得视觉享受，而色彩美在视觉层面上，是一种审美印象，更是一种情感力量的表现。在视觉传达设计中，色彩常常被用于传递表情，使得被传达者从中获知信息。这一点与形态表达的作用相同。更具体一些来讲，色彩作为咨询传播的媒介，其凸现出来的美，能够突出表情。更准确些讲，以落日的余辉为例，形态难以将其表达出来，而色彩却能。在视觉传达中，色彩语言往往依附于图形、文稿，由此也表明，色彩语言强大的融合性。
3结束语
综上所述，在平面设计工作中，需要运用到各种平面设计元素，这些平面设计元素构成了视觉语言、图形以及设计，这就为视觉传达奠定了坚实的基础。一件优秀的设计作品，除了需要凸显图形之美和体现色彩之美，更重要的是形成视觉语言，这样才能让观者了解设计者自己最真切的情感。视觉传达与平面设计元素之间有着千丝万缕的联系，这二者之间的相互作用是设计工作中最重要的一个部分。
参考文献
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[4]李小婧.展示空间中的视觉传达设计元素分析[J].设计，2014（08）：188-189.
作者单位
江苏经贸职业技术学院江苏省南京市211168
【论文摘要】设计在西方发展了百年，而在中国现代设计只有不到二十年的发展时间。因而受诸多因素影响，中国的早期平面设计教学从内容形式到制作方法都过于单调，传统工艺美术型的设计教育已无法适应社会的发展和市场的需求，在现代设计多元化发展的大趋势下，新理念、新思维不断介入人们的生活，中国的平面设计应在实践与探索中思考与寻找设计的未来之路。这为中国现代平面设计教学提出了新的要求。
现代平面设计教育在我国已有二三十年的历史。面对中国偌大的设计市场，国内的美院、综合性大学等纷纷开设设计系以应对这种局面。经过这么多年的设计教育，各高等院校也顺应时代需要做出一些相应的改革。其中，就过去美术院校的“工艺系”到今天的“艺术设计系”名称的改变可窥到设计教育中改革的印记。作为一个青年教师，我想当前平面设计教学问题谈谈自己的一些看法。
一、当前平面设计教学存在的问题
平面设计本身是种对生活方式的创造。在人类历史上，设计成为一种独立的活动时也标志着
人类文明进程的前进步伐。但客观地看，目前的平面设计教学自身还不很完善。
首先，在教学中重视造型基本功，这本无可厚非，但却同时忽略了学生的创造性。我们应该知道一个浅显的道理：站在巨人的肩膀上可以看得更远。今天的学生正是在前人成功的基础上前进。因而，旧的平面设计教学体系显然已经不适应当前形势。正如用安格尔的方法不会有凡高；用徐悲鸿的方法也不会有贝聿铭一样，纯美术(油、版、雕)的造型训练、色彩练习，对于平面设计而言，并不是完全适用的。
其次，在大学四年的课程安排中，过多的基础训练，导致了学生对理论研究的严重不足。平面设计是一个边缘学科，学科间的交叉明显。因而，在教学过程中，多安排一些理论课是有必要的。
再次，前面提到了“包豪斯”的教学。本来，包豪斯重实践、重技术与艺术的结合等等，都是平面教学应当学习的。但由于一开始对其理解的偏差，导致了今天各院系的平面设计专业明显地缺乏活力、创造力，对平面设计的理解也明显落后于时代。很多学生作品毫无新意，且忽略了自身的民族特点，放弃了几千年来中华民族的文化积淀，没能很好地将平面设计教学与社会生活联系起来。
二、加强平面设计教学的几点建议
1.课程体系中应增设“设计管理”课程
过去我们搞平面设计教育，以工艺美术教育为主。自八十年代初期以来，从日本和我国香港、台湾等地区引进企业形象策划(CI)潮以来，教学上就有了些改革。基础教学我们沿用的依然是包豪斯传下来的三大构成。这时候的平面设计专业(或者装潢专业)的课程设置以企业形象策划为主。而且在引进CI方案时，我们把它分为：MI(理念识别)，BI(行为识别)，VI(视觉识别)三大块。设计专业的教学以视觉识别为主。而“设计管理”课程是在市场化的前提下、在设计专业发展的过程中逐步建立的。从我国改革开放到今天总共不过 23年，各领域都在经济大潮中摸索着前进。我们的现代设计教育时间更短，“设计管理”课程的缺失是有其原因和社会背景的。随着改革开放的深入，企业内部科学的管理体系也逐渐完善。在此基础上，设计师面临的与创作对象(企业 )之间的交流日益重要，“设计管理”课程也就提上日程。
在过去我们的平面设计教学中，仅以设计的基本创作为主线，没有注意到与创作对象(企业 )之间的沟通，再加上技法滞后等造成：
(1)学生只顾埋头做手工设计的技法练习和相应的简单肤浅的设计思想的思考，对设计的深入思考缺少认识。
(2)理论体系不健全，对所学专业企业形象策划 (CI)缺少认识的完整性、高度性。
(3)目前我国在法律、法规、市场运作等方面处于一种逐渐完善的阶段。因此对设计管理课程的设置应有所高度的认识。
转贴于
2.平面设计教学应模糊学科间的边缘界限
在这样一个知识大爆炸的时代，设计学科的边缘性要求新的设计人才必须是综合性人才，而不是一味地“专”下去。平面设计在现代社会扮演的不仅是传达信息的角色，同时还担当了传达思想的、甚至是传承文化的重担。因此，要注重培养学生各方面的综合素养，如文学、哲学、艺术等。要让学生认识到平面设计专业自身就是艺术、技术、社会生产力等交叉而兴盛的一种新的学科，其自身的边缘性应在教学中得到体现。另外，还可在课程中尝试开设市场学、消费心理学等课题。当然，在强调学科“边缘性”时，并不是要求平面设计者个个成为多面手。模糊学科间的界限，不是模糊专业本身，只是学科间的交叉有利于平面设计自身健康、全面地发展下去。既然平面设计成为一门独立的学科，那么，专业性是其立足点。
3.平面设计教学要注重个性化设计的培养
20世纪80年代中期，电脑的出现为我们的设计带来了前所未有的变革。速度和质量是其最突出的表现，它大大提高了平面设计者的工作效率和作品的制作工艺。在这种形势下，平面设计教学工作应主动适应不熟悉的领域，要在这个需求逐渐提高的新环境中不断提高平面设计教学的水平，跟上科技的进步的步伐。面对科技带来的种种压力和飞速发展的商业环境，设计教育的重要性不断增强，对设计者潜在能力的要求不断提高。
随着电脑的普及和软件的应用，平面设计逐步走向程式化，这就要求设计创意必须具有个性。设计的本质是创造，设计创造源于设计的创造性思维。个性化是设计师对平面设计个性差异的独到见解。平面设计教学应通过对设计原理、设计内容等理论知识的讲授，注重培养学生设计创意个性化的表达，倡导设计风格，挖掘个人与众不同的创造性思维，使设计具有鲜明、独特的个性表达和强烈的视觉冲击力。
4.平面设计教学要符合人性化与绿色设计需求
关键词：平面设计；蒙德里安；构成；关系
20世纪画家蒙德里安是荷兰风格派的代表人物，他的绘画思想对建筑设计、平面设计、服装设计等其它方面都有很大的影响，影响是国际性的。早在1925年，蒙德里安关于绘画的论文《新造型主义》就在《包豪斯》上发表了，包豪斯作为现代设计的诞生地，刊登了蒙德里安的论文，足以见得蒙德里安绘画思想对设计的重要性。从包豪斯的一些设计作品中我们可以看到荷兰风格派的影子。蒙德里安1872年出生于荷兰，在开始学绘画时，学习的是非常传统的画法，那时荷兰正盛行着海牙画派的写实风格，直到1907年他摆脱了传统写实的风格，受到了表现主义、野兽派等画派的影响，思想上开始对通神论感兴趣，通神论视一切事物形式的再造为亵渎和破坏，这对蒙德里安后来转向抽象绘画有很大的影响。1911年蒙德里安来到巴黎，受到了立体派的巨大影响，画面逐步变为了抽象绘画，并运用直线来表达。1917年风格派成立，经过蒙德里安不断的探索，创造了新造型主义，并在《风格》杂志上进行了详细阐述，后因战争的爆发蒙德里安前往纽约，绘画事业进入巅峰时期。蒙德里安善于用文字阐述自己的思想，从风格派的建立到他去世写了诸多论文，这些论文很好的体现了蒙德里安的绘画思想。
一、蒙德里安的绘画思想
蒙德里安作为一个画家，他的绘画思想对设计有一定的启发，但毕竟绘画和设计不相同，需要选择性的吸纳和运用，通过对蒙德里安绘画理论的解读再结合平面设计的特殊性，综合看来蒙德里安有以下几种重要的观点：
1、蒙德里安的理论中反复的强调了画面的关系，他认为：“我们现在可以把绘画艺术的重点阐释纯粹关系的最连贯的表现。绘画独有的特权是可以自由地表现关系，换言之，艺术的造型方式可以使极端对立的事物在单纯位置上的关系被表现出来。”[1]这种关系表现在蒙德里安的画面上最为明显的标志便是用极端对立的垂直线来表达，横线平和安静，竖线温暖热情，横竖的垂直对比确立画面的基本关系。除此之外还有其他的对立关系，例如大小、颜色等等。
2、“通过均衡的关系，统一性、协调性和普遍性在多样化、复合化的状态中――也就是自然的状态中被表现出来。”[2]同时蒙德里安又指出：在抽象中，均衡的关系则是通过直线和矩形平面的位置、维度和数值被表现出来。
3、“艺术的天职就是表现超人的东西――直觉。它是对一种无法理解的力量的纯粹表现。这种我们无法理解的力量是普遍活动着的，因此我们可以称作为普遍性。”[3]
4、过去的艺术在表达上紧密的模仿了自然，画面是“描述性”的，是以自然的形态来表达的，然而画面的表达不应是机械的“描述”，而应通过平面本身的属性和色彩特点来表现个人的观念。
二、蒙德里安的绘画思想对平面设计的启示
1.对平面设计中版面关系的启示
平面设计是在二维空间中探寻造型和功能之间的结合，那么它与二维空间为载体的绘画在画面关系上有很多相似之处，蒙德里安在他的绘画理论中多次提到画面中的“对立”，并阐述到：“在造型上去表现色彩和线条意味着通过色彩和线条去建立一个“对立面”，而且这个“对立面”是表现造型关系。”[4]下面简单介绍一下蒙德里安绘画中常见的几种画面关系：
（1）水平与竖直，水平和竖直的对比是蒙德里安绘画的基本语言，可分为水平线占主导、竖线占主导、水平与竖直相当的画面。水平线为主导的画面给人一种平静的感受，竖线占主导的画面给人一种上升的温暖的感受，而水平与竖直相当时冲突性较大。
（2）大与小，大与小的对比在蒙德里安的画面里面体现很直接，大大小小的格子形成一种韵律，小激活了大，大因为小而更广阔。
（3）粗与细，蒙德里安绘画所运用的线条粗细是不相同的，通过线条粗细的变化，用来强调或减弱对象在画面的重要性。
（4）开与合，封闭的空间，与开放的空间之间的对比，封闭的空间比较沉闷，而开放的空间活跃，一呼一吸之间，画面开始有了生命。
（5）阴与阳，白色或相对的浅色为阳，黑色或相对的深色为阴，阴阳为一体，变化无穷。
（6）位置上的对比，画面中位置的不同给人的感受也有所不同，画面上侧给人一种上升感，下侧给人一种稳重和下沉的感觉，画面的左侧给人一种限制的感受，画面的右侧相对比较活跃，设计师必须深谙此道，同时处理画面的时候要时刻进行上下左右之间的对比，如太过相似，会照成画面的单调，当然也要根据具体情况来分析。
（7）画面的选择，蒙德里安在画面选择上有矩形，方形、菱形，其中矩形有竖立的矩形和平躺的矩形，这些画面的选择都需要依据不同的情感内容进行选择，竖立的矩形有上升温暖的情感，平躺的矩形有冷静平和的感受，方形较为稳固，介于竖立的矩形和平躺的矩形之间，而菱形有一种不稳定的因素在里面。
（8）颜色的对比，红黄蓝贯穿了蒙德里安造型绘画的所有画面，三原色作都有确定的特点，黄色具有离心和逼近的运动，而蓝色具有向心和退缩的运动，而红色介于黄色与蓝色之间，因此蒙德里安的绘画里有离心与向心的对比，逼近与退缩的对比在里面。在明暗的对比里，从深到浅色依次是黑色、蓝色、红色、黄色、与白色。
图1 1930年红、黄、蓝构成 图2 2006年书籍设计我的交流语言
以上是对蒙德里安画面关系的总结，没有做深入的探讨，一个画面的关系是复杂的，各式各样的对比都有，有主要的对比关系，也有辅的对比关系，例如蒙德里安的1930年所画的《红、黄、蓝构成》（图1），画面中红的方格面积最大，通过周围较小的黄色、蓝色、白色的小格子与之牵制，达到对立中的均衡，画面中方格面积比例都不一样，有竖立的长方形，有横躺着的长方形，同时也有蓝色的正方形；在线的对比当中横线竖线之间有长短粗细的对比；在左右的对比中，右上角与左上角对比，相对狭窄一些，右下角对比左下角对比，比较宽松些；上下对比中上边面积开阔，下边紧张些；在深浅对比中除去黑色蓝色的颜色最重，依次是红色、黄色、白色。冷暖对比中，红色最暖，通过蓝色冷的对比跟加显示出红色的特性，黄色起到了点缀的作用。
这种关系在平面设计中也是一样的，例如鞠洪深设计的《书籍设计我交流的语言》（图2），他在版面上就借鉴了蒙德里安的构成方法，不同大小、灰度、间距的字体；横竖不同的字体方向分割着封面；右上角重，那么在画面下方就有行间距较大字体较小的灰面与之对比；画面左边留的空间较大，与右边空间形成鲜明的对比，同时通过书名作为一条竖线把封面进一步的分割，丰富了画面的层次。
2.对平面设计画面分割比例的启示
分割在蒙德里安的绘画中扮演着一个很重要的角色，在蒙德里安画的一些草图中我们发现，画家在不断的尝试着画面的分割，一件简洁的绘画后面，有着严密的推理（图3）。他的草图与最终呈现的画作有些微的不同，这是因为他在做最终决定时改变了画面中的某一个局部，那么整画面的关系就随之而转变了，因此就需要做出相应的调整来达到画面的均衡。在画面的分割上，蒙德里安运用了数学来分割画面，偏爱不对称的构图，排斥传统的对称式构图。
图3 1938-1940年构成（未完成）
3.运用了数学来分割画面
蒙德里安认为：“数学具有一种在艺术中表现自由韵律的关系，数学则应用了形态造型手段。”[5]数学使得蒙德里安的绘画作品更加的富有秩序，他的一些作品里面运用了黄金分割的比例，每个矩形互相咬合，无形中画面被这些理性数据所支配着，成为了一幅幅有血有肉的作品。曾担任乌尔姆学院院长的马克斯・比尔就深受风格派的影响，他的设计方法便是采用纵横的线把画面分割成几个部分，运用数学比例对整个版面进行设计，布局、均衡、比例、等对比的关系渗透到画面中的每一个位置。
其实，数学在设计中的运用也是很普遍，例如，纸张做为平面设计中的重要媒介，也存在着最基本的数学关系，在德国工业标准纸张的规格里运用根号二的矩形，这种矩形不仅节省纸张页也具有黄金分割的美学特征在里面。
现代设计中常用的网格设计同样与数学存在着密切的联系，对于荷兰艺术家和设计师们来说，栅格是一个进入无限的入口。皮特・蒙德里安的绘画，那种有着直线和平线跨越的抽象画面，表明栅格的展开已经越过了画布的限制。[6]这里所说的栅格就是现代设计中常说的网格，在缪拉・布洛克曼的作品中，我们可以清晰的看到，数学的整数在他的网格设计上的显示，边距与栏之间、单元与栏之间、栏与整个板式之间，单元与基线之间存在着等分的数理关系。网格的设计不仅大大提高了排版的工作效率，还为设计提供各个页面的统一，特别是在杂志上的运用。在网格的设计当中网格设计的越复杂，那么版式的样式就越丰富。
在标志设计中数理的运用更为广泛，标志的标准制图里把标志放置在网格之上，设定一个单元格为a标示出每一段的距离，当运用了曲线，要标明弧度是用了多大的圆作为辅助而得来的。标志的内容很少，因此就在个小小的空间之内，分割显得尤为重要，差一点表达的信息就有可能就完全不同。
4.非对称性构图的重要性
蒙德里安在《纯抽象艺术》中阐述到：“纯抽象艺术排斥了自然中的对称性，另外的证据是，外在的以及传统的法则无法满足精神。”[7]足以见得蒙德里安对于非对称构图的爱好。对称性的构图表达的意思比较少，只是一个特殊的现象，为了满足主题的多样性不对称的构图是一个很好的选择。在现代网格设计的发展过程中，有一位叫简・奇措德的设计师，他曾经是一名画家，设计了一个叫《字体排印基础》的小册子，引起了设计师们对非对称性的兴趣。简・奇措德认为设计师应当注重文字之间的空间、负的空间、文本之间的空间等一些设计问题，他把他的结构观点总结成册，现在欧洲的DIN印刷版式系统便是基于这个系统。非对称式的构图不呆板，富有变化，这是体现平面设计中构图丰富性的重要手段之一，而传统的对称性构图，比较呆板没有生气，在构图的呼吸上显得不够灵动。当然不是说对称的构图不能用，这要与主题契合才行，不对称的构图为设计提供了更多的可能性。
5.对设计师风格形成的启示
风格的形成应当是自然而然的过程，蒙德里安绘画理论中关于直觉的阐述对风格的形成有很大的指导意义，直觉在现代汉语词典中是这样解释的：“未经充分逻辑推理的直观，直觉是以已经获得的知识和积累的经验为依据的。”[8]每个人的直觉是不一样的，这和个人的知识和经验的积累息息相关，因此画家对颜色、形式选择就不一样，风格也自然不同。那么在设计中的体现也是一样的，一个设计师的风格是通过平时对文化的体验、色彩的认识、图案的喜好自然而然地形成的，形成了各式各样的风格。当代中国平面设计一直在探索着中国风格的设计，大量设计师为了表现中国风格，滥用传统的符号图形，别人用这种符号图案用的很好，自己也毫无思考做出同样的选择，没有以自身的知识和经验为依据，导致了一种牵强的中国风的产生。
风格的形成是一个设计师慢慢积累和选择的过程，在设计要求的基础上遵循自己的直觉是设计风格产生的重要因素之一，这在很多著名的设计师身上都有体现，例如香港设计师陈幼坚，他特别喜欢发现探索身边的事物，收藏了大量好玩稀奇的东西，并且强调本土语言就是很好的国际语言。他的风格就是自然而然的形成得，很显然这和他的经验和积累有很大的关系。
6.对平面设计中表达方式的启示
设计不仅需要表面形式上与主题进行贴合，还要在形式内部关系上达到与主题一致。画家在绘画的时候伴随着个人情感的产生，这种情感的表达是需要与形式上的内在关系达到一致，如果将两棵松树的主干用两条抽象的曲折线表现出来，曲折在高者那线具有上升感，曲折在低处者那线具有下垂感。[9]要想把树画的高大和画幅的大小没有关系，但与形式的内在关系是有关联的。蒙德里安认为绘画不应当模仿复制自然，应当表现形式的内在关系。那么在平面设计当中也是一样的，视觉上的张力不仅仅是表面形象的贴合。
7.对简化风格平面设计的启示
“当某件艺术品被誉为具有简化时，人们总是指这件作品把丰富的意义和多样化的形组织在统一的结构当中。”[10]看似蒙德里安的绘画很简单，其实蕴含着复杂和丰富的结构。比如上面所讲的《红、黄、蓝构成》这幅画，画家在颜色上运用了红黄蓝，画面中矩形的面积各不相同，即便在右下角那两个矩形面积基本一致，但在颜色上一个是黄色一个是白色，同时在这两个矩形的边缘上，上面的那一个矩形有三条边是黑线，而下边的那一个矩形只有两边是黑线，画面中下面那一个较大的白色矩形，四条边变化也很丰富，上边临接红色的方块，下边是画面的边缘，左边是蓝色的方形，而右边临接一个白色的矩形和一个黑色的矩形，这里只是需要简要的介绍一下，其实还有很多可以挖掘的东西在里面。同样，简化的设计也是有规律可循的，在一个设计中要用尽可能少的结构特征，使得画面简化，删去不必要的内容。
影响简化设计的因素有很多，比较典型的有这样几个方面：1、设计所传达的意义；2、设计形式与传达意义的关系；3、观看者的精神状态和态度。
（1）平面设计中的传达就是传达某种观念和想法，这种观念和想法有简单的有复杂的，因此相对应画面的形式也有不同。
（2）传达意义与设计形式之间的关系也起着很重要的作用，比如传达的涵义很简单，设计形式很复杂，其结果就不是简化。传达意义要与设计形式的内在结构特征达到一致对画面简化很重要。
（3）简化和人的精神状态和态度也有一定的关系，如果接受者的预期和喜好与设计作品的形式不一致，那么件设计作品就不简化，这就要求设计师要针对人群进行设计，了解受众群体的心理。
三、结论
蒙德里安的绘画思想是深刻的，他对画面视觉的基本原理的研究，可以解决平面设计中的诸多问题，对平面设计的影响尤为直接，中国的设计要想在世界上占有一定的地位，务必需要研究这些对西方设计有重要影响的思想和理论，与国际接轨，同时发扬自己的特色，意义重大。（作者单位：北方工业大学建筑与艺术学院）
参考文献：
[1] 蒙德里安.蒙德里安艺术选集[M].北京：金城出版社，2013：43.
[2] 蒙德里安.蒙德里安艺术选集[M].北京：金城出版社，2013：43.
[3] 蒙德里安.蒙德里安艺术选集[M].北京：金城出版社，2013：52.
[4] 蒙德里安.蒙德里安艺术选集[M].北京：金城出版社，2013：53.
[5] 蒙德里安.蒙德里安艺术选集[M].北京：金城出版社，2013：64.
[6] （美）埃伦・鲁普顿.字体设计指南[M].上海：上海人民美术出版社，2006：121.
[7] 蒙德里安.蒙德里安艺术选集[M].北京：金城出版社，2013：102.
[8] 中国社会科学院语言研究所词典编辑室.现代汉语词典[M].北京：商务印书馆，2000：1615
在平面设计中，手绘图形的创作理念和表现手段与绘画艺术有着密不可分的关系。随着计算机技术的发展，平面设计中的艺术创作逐渐依赖电脑软件，往往使人们忽略了手绘艺术。研究手绘艺术的回归是为了唤起更多人对手绘艺术的重视。分析平面设计中手绘艺术的视觉表现，探究手绘艺术在平面设计中的发展价值，对于继承传统艺术文化和发展平面设计具有积极的意义。
关键词：
手绘艺术；平面设计；回归
一、手绘简述
手绘是设计师在进行设计创意时，通过绘画的手段表达作品构思成果的一种方式。手绘可选用的材料、介质、表现形式都非常广泛，设计师可以通过手绘表现自己的想法而不受任何限制。
二、手绘在平面设计中的起源与发展
从发展历程来看，以绘画为核心进行的设计才是最早的平面设计。绘画艺术具有独特的审美价值，理论与实践互相结合后就产生大量优秀的平面设计作品。早期的平面设计中就体现出了许多绘画的观念和技巧。一些在绘画上有所成就的艺术家，同样在平面设计中创作出大量的设计作品，类似招贴，影响力颇大。从历史时代背景和美术史的角度来看，自后现代主义兴起以来，设计与绘画艺术之间的界限变得越来越模糊。20世纪60年代盛行的波普艺术对平面设计产生了显著影响。波普艺术创作手法的独特之处就在于作品中采用复制与粘贴的方式，将绘画与图片组合成为另一个更具创新性的视觉画面。进入20世纪90年代，数字化技术快速发展，随着计算机技术的进一步应用，设计作品大都使用电脑软件制作，在操作上更为便捷，视觉效果也更加绚丽。在现代高科技设计手段的影响下，传统手绘设计往往为人们所忽视。
三、手绘艺术在平面设计中的创新应用
21世纪的设计存在于科技与艺术相融合的时代，人们也逐渐认识到手工作品的重要性。设计师重新唤起人们对手绘艺术的重视。通过手绘方式设计出的艺术作品更加质朴和真实，这使得手绘艺术在设计艺术中展开了一条崭新的发展道路。
1.在招贴中的应用
招贴又称海报，是平面设计中比较重要的一种信息传播的艺术宣传形式。在招贴设计中，画面的形式美通常是最吸引眼球的部分，所以图形语言的表达在海报设计中显得尤为重要。相比其他元素，它能更直接、清晰地传达出作品中包含的设计理念与意义，是在社会活动中必不可少的一种艺术形式。在招贴设计中运用手绘图形语言，可以通过手绘形式很好地传达内在信息，使海报设计具有较高的艺术价值和独特的艺术风格，从而实现其社会效益。
2.在出版物中的应用
书籍、杂志作为传统印刷品，在现代社会中随处可见，具有大众化和广泛性的特点。其中应用图形最重要的部分是书籍、杂志的封面及插图设计。插图主要是指在书刊中插于文字间的图画。插图对书内文字起到补充说明的作用，也会使版面更加生动。新时代书籍的封面插图，能够充分满足读者心理及视觉上的需求。书籍、杂志封面的手绘插图，不仅可以准确地传达书籍杂志的主要内容，而且能表现图形的情感和文化特征，从而轻松地与读者展开情感交流。
3.在包装产品中的应用
商业飞速发展的今天，包装作为商品的载体，与商品的联系非常紧密且不可分割。产品从生产、流通、销售再到消费者手中，其特性对消费者购买欲望的产生往往起到决定性作用。包装设计根据产品整体的需要，表现形式多种多样，并为产品服务。包装设计中，绘画与摄影运用广泛，但手绘以写实、象征、抽象、幽默、夸张、装饰等各种艺术形式对产品进行完美的展现，具有取舍、提炼和概括自由的特点，是宣传商品的有力手段，更能成功地体现出商品的实质，赋予商品个性的品位。
4.在标志设计中的应用
标志是公司或企业提升企业文化认知度的有效推广方式。标志的形象设计可以加深消费者对相关产品和企业的印象。标志设计一般选择最能代表企业文化的图案或文字进行变化与组合，使其在有限的二维空间内起到展示、宣传企业的作用，以达到对于相关信息的解释说明、交流互通的目的；表现形式一般是具象或抽象的图案、字体等。有些企业为了宣传、凸显自身特征，热衷使用手工绘制的标志。手绘标志具有计算机制图所不具备的肌理特征、艺术感觉，带给观者不同的欣赏感受。
5.在其他领域中的应用
手绘的应用范围非常广泛，除了以上几种应用领域外，在建筑设计、工业设计、室内装潢、字体设计、艺术品加工、服装设计等设计领域也很常见。
结语
手绘作为艺术的一部分，无论处于何种领域，都一直伴随人类的历史发展，与其紧密相连，必不可少。手绘艺术可以代替繁琐的语言，其表达有着自身的原创风格和独特品位。对设计师而言，要实现手绘艺术的价值，阐述个人观念和传达内心情感，就要自成风格，创作出精美的画面，从而直观地传达信息。手绘艺术表达了设计师的个性和情感的回归，充满寓意的手绘语言不仅具有情感，也总能既迅速又贴切地吸引受众的眼球和情致。手绘既可以是设计的起点，也可以是设计的终点。
作者：曹阳 刘璐 单位：辽宁师范大学美术学院
参考文献：
[1]吕少华.后现代主义思潮下的中国平面设计.西北师范大学硕士学位论文，2009.
[关健词]平面设计自由简约用色风格
色彩在平面设计中有着十分重要的位置，它与纹样、材料、图案等诸因素一样，是设计的主要内容之一，它常常具有先声夺人的力量，能给人以直接的感官冲击。具体到每一个作品中，运用什么色彩？怎样运用色彩？这些都与时代的审美趋向分不开。因此，同一时代的平面设计作品，在用色风格上便会自觉不自觉地形成一些具有共性的风格特征。
一、何谓平面设计用色风格
今天所讲的风格通用与各门艺术类别中，主要用来指艺术作品整体呈现出来的审美特征，相当于外来语style。风格是一个很大的范畴，可以细分为个人风格、民族风格、时代风格等。这里探讨的现代平面设计的用色风格，就是在借鉴中西方先哲们对艺术风格的见解和看法的基础上提出的，偏重于一个整体的范畴，指的是在现代平面艺术设计作品在色彩运用方面整体上体现出来的一种形象特征、艺术风尚和审美趣味。
二、现代平面设计色彩运用的“自由主义”或“个性化”风格
在现代平面设计艺术作品中，个性化的、自由的色彩运用随处可见，把我们生活其间的社会装扮得五颜六色。我们现在所生长的环境，就是一个色彩审美自由、可以全方位运用、享受、表达色彩之美的时代。这种自由化、个性化的用色风格，既包括色彩选择自由又包括色彩表现自由的色彩观。
1.平面设计色彩选择的自由
从今天设计逐渐国际化的趋势来看，最新色彩发展趋势中的模式，将最终进入和极大影响到人们生活的方方面面。设计师本人在这场设计运动中是真正的领导者，他们自由的寻找现代社会适当的色彩，而且从中获取灵感，他们实际上是色彩的塑造和管理者，使色彩可以吸引或愉悦消费者的眼睛。在这个全球信息沟通非常迅捷的时代，平面设计师可以迅速了解和适应最新的色彩趋势，并做出色彩预报。由于色彩选择使用的自由，所以近年来平面设计艺术行业发明了许多有创意的和独特的视觉组合，色彩陆续在各种地点“轰炸”公众，从商店到印刷精美杂志、报纸、产品手册和户外广告牌，以及无处不在的MTV时尚报告，娱乐频道与流行网站……而在作品中自由的色彩表现的结果，是使消费者体验到这些色彩后，比过去更加有理性，他们希望在更多产品中看到新的视觉感觉。在很大程度上，公众的态度和兴趣，不仅仅通过娱乐和时尚偶像，他们所关心的重要社会问题，需要、希望、恐惧、幻想在自由色彩观的天空下不断促进最新色彩趋势的发展，同时设计师为了保持在色彩设计发展潮流中的领先地位，就必须自主地从纯粹心理学和社会学角度，以及生活方式中的许多方面，寻找刺激色彩趋势发展的因素，这便为设计提供更了广阔的空间。本篇论文由网友投稿，文档123文档只给大家提供一个交流平台，请大家参考，如有版权问题请联系我们尽快处理。
2.色彩表达的自由
创意是一个设计师的灵魂，没有意念的色彩设计，无异于一具空有漂亮外表的躯壳。当平面设计走向程式化之后，设计的创意和视觉表达就更应具有能自由表现自己个性精神的个性化风格。创造新事物，创造者必需超脱于所知，有身心的自由。个性化是设计师对设计的个性差异的独到见解，基于对传统的理解通过视觉传递的模式，去无限超越自我，随心所欲的表达。当然，我们所说的设计色彩表达的自由并不是对自由的放任，更不是设计师个人风格的随意发挥。对那些喜欢张扬个性的设计师来说，设计师的自由也许就变成了滥用自由，纵观我们今天的设计领域，那些发挥自由个性的劣质设计作品成为了我们生活中的垃圾。在设计师发挥自由创造力和想象力的同时自然也要考虑一些客观因素，如：受众群的特点、需要，乃至政治、民族的差异。“目标受众”是为消费者、为我们的社会提供更方便与高品质、高享受的视觉设计作品和设计自由发挥的基本前提。
论文关键词：图画现代主义视觉语言现代性
图画现代主义肇始于20世纪初，促使它产生的原因首先在于西方各国资本主义经济高速发展带来的商业宣传的需要；其次，由于印刷技术——石版印刷的完善并大量用于商业海报设计从而出现平面设计表现力的丰富；第三，现代主义艺术语言的娴熟运用，使得这一时期的商业美术作品的形式语汇完全呈现出现代艺术语言的家族特征：简洁的图形、平图色彩以及富于表现力和图形化的文字。因此，一批设计师游走于视觉抽象和图画传达之间，将网画现代主义演绎到极致。
一、现代主义艺术语汇对平面广告现代视觉形态的建构
新艺术运动和装饰艺术运动时代的广告设计同样重视广告画面的插图图像，但有着强烈的主观装饰和唯美追求。而在现代艺术影响和洗礼之后的广告设计插图更进一步尊重广告信息传达的目的。
其中有代表性的广告视觉样式创造者鲁西安·伯恩哈特(LucianBernhard)就是一位中坚人物。伯恩哈特的商业广告设计奠定了现代广告设计的基本样式——简单的罔形描述广告主的产品或公司名称，主题突出，目的鲜明，强烈的色彩对比和设计意识(而非艺术表现的需要)造成视觉冲击和明确的视觉印象，从而实现和发挥良好的视觉传达功能。在广告艺术设计史上伯恩哈特的贡献在于他完成了现代商业广告设计的现代化转型，即从新艺术运动时期艺术化和唯美化的商业海报设计向服务于现代商业活动的视觉传达设计的转折。但是，这个转折绝不是功能主义和艺术表现的简单对立。广告设计的现代转折并不意味着对艺术表现的发扬或者舍弃，图画现代主义广告设计的历史事实告诉我们：广告设计走向现代的关键在于设计重心转移到对广告信息传播的有效性的重视，强调广告诉求基本点的视觉传达；同时，这种传达所运用的基本语汇并没有脱离整个时代艺术风尚的影响。例如，伯恩哈特早在1905年设计的普莱斯特火柴公司平面广告和1912年设计的斯第尔皮鞋广告就是两例经典的说明。普莱斯特火柴公司平面广告的设计方案是在一步步简化的过程中成形的。最早的设计方案画面主图像有圆桌、方格布、桌上有烟灰缸和点燃的雪茄，画面背景还有装饰性的跳孩。然而，作者最终一步步简化，大胆删节直到剩下两根火柴和公司名称的艺术字体。斯第尔(Stiller)皮鞋广告的基本视觉结构同样如此，只有产品形象和公司名称的艺术字体。然而，二者均匀的背景色彩，产品大胆而简洁的形象描述、平涂色彩无不受到现代主义艺术语汇的熏染。著名设计史家菲利浦·梅格斯在其著作《20世纪视觉传达史》评价道：“这位年轻的艺术家或许没有意识到，他把自然主义简化并且消减到视觉传达的形体语言过程中，已使视觉招贴移进了一步。劳特雷克(ToulouseLautrec)曾开始这个过程，而伯加斯德夫(Beggarstafs)兄弟曾继续这个过程。伯恩哈特则创始了用平涂色的形体、产品名称和产品形象的处理。”这个评价极为中肯，指出了伯恩哈特的图画现代主义广告设计在现代艺术史和现代广告设计史中的承上启下的历史地位。一方面，广告平面设计的视觉组织结构发生了现代转折：最大限度的删节和减少了商业视觉传达以外冗余的图像内容和画面信息；另一方面又强烈的受到现代主义艺术运动的影响，创造出具有视觉表现力的插图和造型，显示了与现代艺术千丝万缕的承递关系。图画现代主义广告设计呈现出广告设计艺术现代转折的一种过渡状态，他有革命性和继承性的双面特征。梅格斯的总结极为确切：“它(图画现代主义)受到现代主义艺术的强烈影响……视觉传达设计师受立体派和构成主义的影响。但认识到要有说服力的向一般大众传达，就要维持与图画的联系。他们一方面创造表现的和象征的形象，另一方面他们关心画面的视觉组织，他们在这两方面走钢丝。这种传达的意象和设计造型之间的对话，产生了图画现代主义的刺激与活力。”在他的影响下，德国广告设计界和平面设计界形成了一个遵循伯恩哈特方式发展的设计运动，称为“海报风格”。这场运动涉及平面设计的很多侧面，同时对室内设计、工业设计生影响。其设计风格大量汲取了现代艺术的精髓，并结合“装饰艺术”运动的细节处理，品味相当高，受到社会各界的广泛赞誉。然而在二次世界大战特殊的语境中，海报设计以特殊的身份介入战争的宣传，以感情力和注意力结合的方式完成了时代赋予的使命。
二、后立体主义图画现代主义对视觉语言现代性转捩的影响
图画现代主义的延续与发展是后立体主义图画现代主义(Post—CubistPictorialModernism)的出现和风行。在现代平面设计史中，人们一般把装饰主义艺术运动在平面设计上的反映称为后立体主义图画现代主义(Post—CubistPictorialModenrism)。
在这一运动中涌现的两位设计师爱德华-考夫(EdwardMcknightKaufer)和卡桑德拉(A．M．Cassandre)分别都在商业广告设计领域做出了非凡的贡献。他们的历史地位如果定位在广告设计艺术形式的现代转型，那么我们可以归纳为在于顺应了现代化机械化工业大生产，并进而探索出中和与融通的机械理性和优雅华贵的广告设计艺术语言。考夫的广告设计风格和设计成就是现代广告设计艺术语汇现代转折的典型和代表。一方面，他的广告设计作品融会了装饰主义艺术语言的优雅和唯美特征：色彩明快、构图独具匠心，不是简单的产品照片或者效果图。这种优雅和迷离的艺术效果是有工业革命后城市文化发展和变迁的文化背景作为底蕴的，其中巴黎的城市生活构成了这种效果的灵魂。在这样一种文化和时代大背景中广告设计家的惯用艺术语汇那面受其影响，千丝万缕的微观文化传播与影响构筑了现代广告设计艺术语汇的复杂和丰富内涵。设计史家在描述和分析考夫的广告艺术轨迹的时候往往直指要害——1913年美国纽约举办的“军械库”展(theArmoryShow)的现代艺术语言影响。这是欧洲现代主义艺术成就在美国最集中、影响最大的一次展示，展览将欧洲的立体主义和未来主义诸艺术流派介绍进美国。虽然舆论大哗、指责不断，但是作为现代主义艺术语汇的跨洋传播活动，以及对美国广告设计艺术语汇的现代转换所起到的作用却是供认不讳的。所以考夫的广告艺术设计语言明显带有欧洲现代艺术影响的文化基因。考夫1918年为英国《每日论坛报》所作的广告设计就是明证：作品整体结构为直立长方形，明黄背景底色，画面上段为黑白两色立体构成的象征性飞鸟；下端为报纸名称字体，简洁鲜明。一方面，广告视觉传达信息准确，主体明确；另一方面，立体主义和未来主义艺术语言特征鲜明。卡桑德拉的法国铁路公司广告和大西洋轮渡平面广告设计也显示出立体主义风格图形创作的力量。1923到1926年问他曾设计出惊人的作品，他运用最简单的图形结合恰当的文字传递出无限丰富的意义，他的海报设计成为象征性立体主义平面风格的典范。可以说没有对以立体主义和未来主义为代表的现代艺术语言的学习和锤炼是不可能凭空发展出广告设计语言从新术运动画意插图和装饰画面的图形化转化的。在这一视觉语言现代性转捩的过程中，现代主义艺术的语言探索起到了承上启下和无可限量的作用，间接地催生出现代广告的基本视觉形态。
后立体主义图画现代主义以“装饰艺术”运动运用到平面设计上为明显标志。“装饰艺术”注重平面上的装饰构图，大量采用曲折线、成棱角的面、抽象的色彩构成，从而产生强烈的视觉冲击和装饰效果。这种风格被许多法国平面设计师采纳，创作的作品多以巴黎的夜生活为背景，凸显出城市的魅惑，从而具有了更深层意义上的文化价值。让·卡卢的作品是很有说服力的代表。1930年他为《名利场》杂志设计的封面，利用线条的变化组成象征的男女，加上由色彩烘染形成的霓虹灯效果以及黑色背景中的摩天大楼的灯光，营造出纸醉金迷的名利场镜像，具有极强的现代感。除了上文谈到的德、法、美等同，英国、奥地利也出现了“图画现代主义”平面设计运动，并取得了世界范围的影响，它们共同勾勒出“图画现代主义”的发展。
三、图画现代主义的设计史意义
总的来看，“图画现代主义”平面设计运动综合了当时各种现代艺术流派和设计流派的精髓，发展出独具特色的平面设计风格。一批设计师潜心经营，用独特的视角记录历史的脉动。他们捕捉到现代化和工业化机器和技术的内在肌理，以立体派的空间组织和观念，在对形象的阐发上开拓了新的方向。尤其是法国设计师的作品几乎成为都市文化学者无法绕开的视觉经验。梅格斯曾这样说，视觉传达设计的直接性和短暂性，结合它与社会、政治和经济生活的联系，使它比许多其他人类表达形式更接近于表达一个时代的精神。而图画现代主义的意义即在于此。
上升到视觉现代性的高度，可以说图画现代主义平面设计流派是广告设计艺术语言现代转型的中介和过渡。视觉形态的现代性转化并不是一个简单的逻辑问题，一方面它的确是社会化大生产带来的视觉传达、商业社会定型带来的以商品促销为中心的广告信息传播需求的结果；但是，视觉形态现代转型作为一种文化现象又体现出相当的复杂性。
各种现代主义艺术流派、设计流派与文化追求从宗教、文学、绘画、建筑观念的变革人手从而塑造出崭新的理性而抽象的形式语言，其影响力之大可以说塑造了现代社会所有人为事物和生活环境的视觉形态基础。视觉形态现代性转折的结果，一是锤炼和积淀出深厚的理性主义视觉语言基础(即便是后现代主义平面设汁和设计造型语言也无法回避这种视觉文化传统的影响)；二是通过图形化、平面化的平面语汇设计，准确传达现代社会运作的各种信息，包括现代生活和T作环境、科学研究、以及服务于企业运作和宣传的各种信息传达活动。
一、教学目标清晰多层，学生兴趣有的放矢
任何课程都有既定教学目标并在教学大纲中给予明确表述。在高职美术教育中，由于教师对史论课程重视不足，教学目标经常会在教学过程不断模糊并发生偏移。常见的情况有两类:一是过度理论化，教师忽略了高职美术教育不是培养学术型研究人才而是培养能够将史论消化吸收并转化成作品的设计型人才。这会使学生将平面设计史误解为一门单纯的历史课，与设计和其他课程无关，教师只是简单的历史复述人。学生很快会陷入疲倦和乏味，对课程完全丧失兴趣。二是过度娱乐化，教师为提高学生听课兴趣，把设计师的逸闻趣事贯穿始终，将平面设计史演变为历史人物故事课，完全偏离了教学目标。笔者认为平面设计史课程可以设置三种不同层次教学目标，以适应不同程度学生的需求，让他们在了解课程的基础上找到自己可以驾驭的范围，提高对课程的兴趣。(1)基本知识要求:对平面设计史主要发展阶段、设计特点、代表人物及作品可以做到基本的辨识;(2)知识记忆、重现和整理要求:熟悉平面设计史主要发展阶段、历史背景、设计特点、代表人物及作品并能对上述内容进行梳理、表述及总结;(3)知识与审美的转化、提升及设计要求:掌握平面设计史主要发展阶段、历史背景、设计特点、代表人物及作品，既可熟练复述史实又能对经典作品进行模仿创新设计。以上三种层次目标也可简单归纳为:眼睛认清楚、嘴巴说明白、手脑能设计。任何学生看到这个教学目标，都能做到一目了然、有的放矢，同时也能意识到平面设计史课程与其他手绘、软件类课程的相互关系。
二、教师重视单次教学，学生期待积累兴趣
高职平面设计史教学通常安排为每周2节，18周完成，所以每2节可以算作一个单次教学，具有相对的独立性。单次教学可以充分抓住青少年求新求变的心理特征，将形式多样的教学手法引入传统的史论课堂。笔者根据个人经验将部分教学方法归纳如下:(1)教师主导的教学方法:1)专题讲授，也称之为“以点带面”，通常用来讲授重要的设计阶段、设计流派或大师级的平面设计师。例如:“新艺术”运动时期的平面设计，“交通招贴画之王”爱德华德•迈克耐特•考弗(EdwardMcknightKauffer)，美国现代平面设计师保罗•兰德(PaulRand)等。2)对比赏析法，重在进行平面设计作品历史性的横向或纵向对比。例如:一战和二战时期的战争海报对比，波兰三代平面设计师的作品对比，以女性造型见长的朱里斯•谢列特(Julescheret)、阿尔封斯•穆卡(AphonseMucha)和查尔斯•吉布森(CharlesDanaGibson)的设计作品对比等。(2)学生主导，师生共同参与的教学方法:1)学生授课法。教师预先设定几个授课专题，要求每位学生制作可以讲解10分钟左右的PPT，课堂抽2人讲课，教师现场评价，其余学生上交PPT纸质打印版。此方法可以确保全体学生参与，并能避免个别学生偷懒和侥幸逃避的心理。2)资料分享法。教师设定资料收集范围和要求，调动学生收集资料的兴趣，考查学生收集和处理资料的能力，在课堂上进行分享和辨析。资料收集可包括限页文字、设计图例、相关视频等。3)现场设计法。选择多位设计师作品作为讲课内容，讲授完毕师生自行选定作品进行模仿，当堂绘制草图。师生在动手操作的过程中不单可以加深对设计师设计风格的印象，体会到学以致用的魅力，还能增进师生的互动、交流和理解。4)结合现实法。选取有代表性的当代平面设计作品，让学生寻根溯源进行辨析，考查学生对平面设计史的熟悉程度，锻炼学生纵向比较今昔差异的能力。5)专题讨论法，选择有针对性的专题。譬如:包豪斯教学模式和当前高职美术教育的共性，多国公共标识系统的设计风格及文化内涵等。6)分组制图法。将历史阶段、主要设计师和设计风格以树状图的模式绘制出来，锻炼学生梳理历史脉络和合作学习的能力。7)参观赏析法。在课余时间积极组织学生参观一些平面设计展，做到提前了解资料，之后讨论观感等。好的开始是成功的一半。如果学生的兴趣在第一次课上被调动起来，就会为下一次学习积累期待心理。这种期待心理使学生的学习兴趣逐渐提升，渐次渐强。虽然单次授课存在相对独立性和完整性，但学生的学习兴趣却是存在于单次教学间的重要有效的连贯因素，并可以使整个课程环节构成良性循环。所以教师选定恰当的教学方法上好每一次课，就能产生逐层推进的教学效果并对整学期教学产生重要意义。
三、阶段授课前后呼应，学生兴趣稳固提升
平面设计史课程虽只有36学时左右，但完全可以将之分出前期、中期和后期。教学前期，学生对平面设计史认知甚少，是知识的积累期。教师以精讲为主，图例为辅，内容贵在精炼准确、代表性强。学生课外作业重点由教师指导学生学习如何收集资料。教学中期，学生储备了基本的知识，可以让他们在收集资料的基础上进行单人演示、合作讲课、分组辩论等，参与教学可以有效提高学生学习兴趣。教学后期史论讲述过半，学生不仅有历史知识和观念，还具备了一定的辨别和赏析能力，教师可以设计简单命题让学生从模仿设计入手，将理论与设计相结合，将史论与手绘、软件课结合。一旦学生可以将史论知识转化为丰厚的设计资源及文化内涵，学习的主动性就会大幅提高，学习兴趣也会日渐浓厚。
四、认知情感决定兴趣，教书育人师格在先
学生对一门课程产生兴趣的原因很多，归根结底却不外乎两种:认知与情感。认知，就是学生在课程中感觉可以学到知识，而且是有用的知识，这样的课程往往对他们有着巨大的吸引力。作为教师不仅要能把握当代平面设计的新动向，随时将新设计引入课堂，为平面设计史增加新内容;还要有遵循学生兴趣特点、学习效果而打破常规教材内容和教学进度的胆量;更重要的是教会学生找准课程间承前启后的关系，把握课程间的共性和合作，使用本门课程的知识解决其他课程中遇到的设计问题;这样的教学才符合学生的认知需求和整个专业教学进度的一致步伐。情感原因，即是所谓的爱屋及乌。一位教师如果在课堂上下都充满人格魅力，他的课程必定令学生充满兴趣。教学认真、热情饱满、评价客观、风趣幽默、教法灵活、要求严格、情感真诚都是学生最认可的教师素质。教书育人，育人为首，言传身教，身教为先。教学认真的教师可以培养出学习认真的学生;热情饱满的教师总能得到学生热切的回应;评价客观的教师可以赢得所有学生的尊敬;风趣幽默的教师可以轻松化解课堂上的不利情绪;教法灵活的教师让学生看到了课前充足的准备和良苦用心;要求严格的教师，学生也必会严格要求自己;情感真诚永远是人和人的相处的第一要素，师生如此，教学如此。
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