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声乐表演论文

时间:2023-03-21 17:06:06

导语:在声乐表演论文的撰写旅程中,学习并吸收他人佳作的精髓是一条宝贵的路径,好期刊汇集了九篇优秀范文,愿这些内容能够启发您的创作灵感,引领您探索更多的创作可能。

声乐表演论文

第1篇

关键词:表演;声乐演员;舞台

生活中处处有舞台,每个人都扮演者特定的角色。但是对于真正的声乐表演者来说,聚光灯会放大演员的所有优缺点,舞台艺术的是声乐演员的精湛技艺,导演的精心策划,当然也离不开舞台搭建的好与坏。声乐表演是有别于器乐的音乐表演艺术形式。声乐表演是指用歌声,以嗓音为主的音乐表演。良好的演唱源自两方面因素:一是先天的好嗓音及与演唱相关的身体机能的敏锐性与协调性;二是后天的努力及训练。

一、良好的控制情绪和技巧

表演是这样一回事:当声乐演员站在舞台上的时候,他就是扮演一个完全和自己不同的角色,诠释音乐本身的情感至关重要。那么要相让观众记得住,抓得住观众的耳膜,就必须能够正确的表达乐曲本身的情感。首先,演员自身需要和音乐产生共鸣,理解情感的突破口,可以通过各种各样的肢体语言和声音或者是乐器来表达情绪,但是要找到一个平衡感。拿捏好平衡,最重要的是声乐演员要对自己所演奏的音乐有足够深入的理解。关于这一点,演奏一首成名曲,是一个很有效的方法。从微小细节入手,自己给喜欢的而音乐列一个清单,越详尽越好音乐的种类、背景、曲风等等。还有一点,就是提高音乐的技巧,众所周知,音乐不单单是要看天赋还要看后天的努力,正所谓三分天注定,七分靠打拼。可以根首先气息方面,其实每个人气息都是够用的,有人说要增加肺活量什么的,笔者觉得必要不是很大。但是气息练什么呢?是练气息的控制以及运用。首先要学会呼吸。现在追求的不是胸式呼吸,也不是以前说的“丹田”(腹式呼吸),而是胸腹联合呼吸。可以想象一下闻花香,慢慢深吸一口气(口鼻同时吸气,尽可能把口腔,鼻腔等完全扩张开),感觉肌肉放松、心情十分愉悦。注意不要耸肩,而是胸腹部慢慢涨开,感觉肚子就像一个气球慢慢被充满。接着是控制气息,就是让气息不要一次性全用完,不然就会感到“没气”,可以均匀地发出“s”的声音,尽量拉长,并且感觉肚子慢慢收紧(小腹、腰背部都要慢慢往里收紧)在气息的运用方面笔者认为是要流畅地使用气息即可,让气息持续地,均匀地冲击声带,发出好听的声音,不要憋气,也不要用力过猛。舞台表演没有镜头,观众据自己的喜好听任意一个声乐演员的演奏。此外,没有镜头代表特写之类的手法不存在,所以舞台演员,尤其是在大场景中很容易失焦,即观众的视野里模模糊糊好像有这么一个人,但他/她所传达的能量很小,可以忽略不计,还没有桌上那个精致的茶壶吸引眼球。所以舞台声乐演员要懂得把一句歌词甚至是一个和弦的能量推向“大”,这也是很多演员的一个误区,即刻意地飙高音、展现技巧或做幅度很大的动作,结果只能让自己变得滑稽甚至讨人厌。

二、挖掘表演内在

演奏者需要有一些生活的阅历,能够对艺术有大彻大悟的理解,人的性格,学习的知识,经历,对生活的态度都会随着时间的变化而进行变化,所以在演奏乐曲时只需要深刻理解音乐本身的情感并融入自己的情感即可。同时,对于一个演奏者来说,富有想象力也是至关重要的,艺术离不开天马行空,通过为现实世界的想象而构建出一个个生动的音符,使得音符拟人化,自带意境,能够营造出栩栩如生的人物或者大气磅礴的背景蓝图。总结起来来说,乐者自身素质,舞台经验,修养和气度,对音乐本身的理解以及个人魅力,对于表演音乐来说都是必须而且是必要的。表演可以说的上是演员和乐曲情感进行碰撞和交流,又能够使观众产生共鸣的一个过程,所以首先,声乐演员应该能够理解什么是表演,什么是艺术、什么是音乐、怎样能够通过自己的表演,能够让对方理解到音乐存在的意义,完成情感的传递。声乐演员期待大家能够理解自己的心情和情感,并且能够一同走进乐曲之中,产生情感的碰撞。其实,声乐表演的艺术是只有和观众产生共鸣的时候才能算得上是艺术。表演在大多数人的眼中,似乎是为了娱乐大众的产物,在民国时期,演员被称作戏子,是人们茶余饭后的消遣,现代的声乐演员比曾经要受尊重的多。表演似乎就是意味着不做自己,戴上一系列不同的面具来娱乐大众消费自己,但是这并不意味着要丧失人格和自我。

三、良好的心理素质以及和观众及时互动

声乐演员随时随地都会面对临场发挥的情况,比如忘词、忘记和弦、音效时常、麦克风故障等等,甚至是观众的嘲讽都有可能使表演者的心理面对着极大的压力和挑战,这就需要声乐演员心理素质过硬并且对自己有很强的信心,在平时就做好心理准备。还有就是表演艺术的细节了,对于舞台表演来说,观众需要和声乐演员能够有直接的互动,观众来到戏院而不是选择在家听CD,是希望能够与舞台上的演员能够有近距离的接触,或者眼神交流,而不是全程零互动没交流,声乐演员要找到和观众的共鸣和情感的切入点,能够及时的根据音乐和剧中感情的变化来带动观众的情绪。

[参考文献]

[1]范义付.从艺术歌曲《孟姜女》谈民族声乐形体表演[J].电影评介,2008.

第2篇

1、形体艺术在声乐表演中占有重要地位

在声乐表演中,形体表演与演唱是密不可分的,用演唱配合形体,用形体加强演唱的视觉效果,这种相辅相成的关系对于现如今观众的需求是非常符合的。声乐表演中的形体艺术能够使表演更加的富有色彩,表演形式多样化,是视觉和听觉都有良好的享受。在声乐表演中形体艺术通过身体动作、表情等提升了歌唱效果,是现代声乐表演的重要表现手法。

2、形体艺术能够将声乐表演的艺术内涵表达出来

形体艺术包括面部表情和眼神等,眼神对于声乐表演有很重要的作用,往往歌唱的情感都是通过眼神表达出来的。在声乐表演过程中,表演者可以通过眼神的变化生动的将歌曲的内涵以及情感变化表现出来,吸引观众的注意力,调动观众的情感变化。利用形体动作,能够为声乐表演者的表演服务,将表演作品的情感和韵味通过形体艺术淋漓尽致的表达。

3、通过形体艺术能够渲染声乐表演的艺术色彩,提高表演的感染力

感染力对于表演者而言是不可缺少的重要舞台吸引力,在声乐表演中大部分表演者都会通过形体艺术提升自己的感染力,使观众能够亲近作品,形成观众的向心力,引领观众更好的理解表演作品。通过形体艺术与声乐演唱的结合,满足观众听觉和视觉双享受的需求,使观众能够切实的感受到作品的情感变化和作品内涵,加强对观众的吸引,提高声乐表演的感染力。

二、声乐表演中对形体艺术的训练

1、脸部表情

形体艺术中脸部表情是最基本的形体表现,人们的情感变化,包括喜怒哀乐等都会通过面部表情表现出来,在声乐表演中,正确的运用脸部表情能够更好地体现声乐表演的情感和内涵,使声乐表演能够直观、形象的呈现在观众面前。对于声乐表演而言,对脸部表情有重要要求,首先要做到眼眉舒展,其次要松牙关、抬笑肌,使表演者的脸部表情自然,适宜,让观众感到亲切。在脸部表情的训练中,最重要的就是加强表演者眼睛的训练,眼神的变化能够更好地服务于表演者的声乐表演作品。声乐表演者需要通过眼神的变化来渲染作品情感的变化,将形态艺术与声乐表演相融合,强化表演者与观众之间的交流,产生共鸣。

2、手势动作

声乐表演中对于手势动作要引起足够的重视,手势与演唱和呼吸要相互协调,使手势动作成为声乐表演中密不可分的组成部分。在声乐表演中,大部分表演者都会通过手势动作协助表演者的气息控制,使表演者的气息能够稳定、张弛有度。在声乐表演中手势动作包括情绪性手指、指示性手指和象征性手指等。声乐表演者在舞台的表演离不开手势动作,声乐表演的手势动作设计要符合表演内容的音乐律动和风格,通过恰当的手势渲染声乐表演的情感气氛,给整体的形体艺术进行铺垫和烘托。同时手势动作并不是声乐表演的重点,在运用过程中,要自然协调随性不夸张,避免手势动作过于浮夸影响了整体的声乐表演。

3、身体的形态

在声乐表演中,外貌的美丽与身体形态的得体是相互映衬的,而身体形态是重要的声乐表演表现,自信、精神的状态能够调动表演者的兴趣,利于歌唱发声,使身体形态自然协调的展现。表演者要根据表演曲目的内容和风格与身体形态进行结合,不同的唱法有不同的身体形态要求。对于美声而言在演唱中就要保持一种端庄的姿态,民族音乐的声乐表演就要在表演中融入一些民族姿态特点,例如蒙古歌曲表演就可以适当的融入一些耸肩的动作。通俗的声乐表演就要强调身体形态的自然,在歌曲演唱中动作符合通俗歌曲的情景,依情景恰当发挥。同时,无论是哪种形式的声乐表演,其在舞台上的身体形态都不能出现较为随意的动作,精神不振的状况,要时刻保持昂扬的状态,并且姿态优雅。

4、上下场的形态方式

声乐表演者在表演过程中不可忽视的就是上下场。许多表演者在表演结束后精神放松在下场过程中就会放松精神出现不合表演的动作形态,或是在上场前由于没有做好充足的准备,导致匆忙上场,影响正常演出的效果。因此,表演者要对上下场的形体动作进行掌握,树立强大的台风,使观众能够感受到表演者的饱满精神状态和气场气质。在上场时要微笑向观众示意,适当的步伐节奏,淡定的向观众示意。下场时同样要微笑鞠躬,将演唱情绪与动作保持到音乐结束,从容退场。

三、结束语

第3篇

想要在声乐表演艺术中有所建树,就必须了解关于声乐表演艺术的相关理论。笔者认为在声乐表演艺术的相关理论中,需要遵循三项原则,这样的声乐表演艺术才是人们喜闻乐见的艺术,才有更为长久的生命力。

 

一、真实性与创造性的结合

 

在声乐表演中需要尊重原作,即保证原作的内容不被破坏,这就是所谓的客观真实性,客观真实性是对作者的尊重,也正是靠着客观真实性,才会有那么多的名曲流传于世。而创造性,或者叫做主观创作性,是对于原作添加适当的个性标记,演奏者在演奏时加入自己的感情和理解,这就是主观创作性。

 

现存的声乐作品都是作者在特定的条件,特定的心情下所创造的,人们对于作品有着广泛的认同,因而这些声乐作品能够得到广泛的传诵。想要表演好一首曲子,从很大程度上说,演奏者必须深入了解作者创作时的背景,作者想要表达的感情,再把这种感情经由自己的手传递给听众,由此架起作者与听众之间沟通的桥梁。尊重作者的感情,听众在听声乐表演时才不会觉得突兀。而事实上演奏者没办法做到与作者情绪和环境上的完全一致,俗话说:一千个读者心中有一千个哈姆莱特,演奏者对作品有自己独特的理解,因此在进行声乐表演时总会加入自己的感情,即自己对作者的理解,这是演奏者的主观创造性。客观真实性应该与主观创造性结合,演奏者的独特创造能够使一部声乐作品中同一角色表现出不同的艺术效果,更充分彰显出表演艺术所具有的独特魅力,好的主观创造性不仅不会破坏曲子原有的旋律,相反还能为曲子增色不少。

 

如:在歌剧《Lucia di Lammermoor》(拉美莫尔的露琪亚)中,声乐表演艺术家卡拉斯扮演的露琪亚,从不向命运屈服,一心同命运抗争到底,塑造出了一颗在风雨中坚挺的树的形象。而另一位声乐表演艺术家萨瑟兰创造的露琪亚则属于一个悲剧的形象,露琪亚是一朵美丽的小花,虽然也曾同风雨抗争,却仍旧避免不了被风雨埋葬的命运。不同的声乐艺术艺术家对露琪亚有着不同的理解,因而塑造的形象也不同。

 

当然,观众也需要从不同的角度来赏析同一个艺术形象,这样才能在欣赏声乐表演艺术的过程中获得最大程度的满足感。

二、历史性与时代性的结合

 

上文提到过,所有流传下来的名作都有其独特的时代背景,即任何作品都被打上了独特的时代的烙印。巴赫的宫廷音乐侧重的是结构的复杂,形式的多样。而莫扎特的音乐则强调的是个性的解放,对于人类个体的尊重。这些优秀的声乐表演艺术家都是站在时代的角度来创造音乐,因而从他们的音乐中我们能够读出属于那个时代的事件。从莫扎特的曲子中我们很容易能够体会到浪漫主义的风格,而莫扎特所处的时代正是浪漫主义开始兴起的时代。声乐作品的历史性让我们对于历史有着更深的了解。

 

现在的演出情景与过去大不相同了,科学技术拉动了传媒技术的进步与发展,同时促进了声乐艺术演员与观众交流互动的方式改变,当然最终也造成声乐艺术在某些方面的退化以及到了人们欣赏与审美意识的蜕变。人们对于艺术的认识不再单一,艺术的概念开始模糊,儿童涂鸦和抽象派作家的作品、舞蹈与手舞足蹈、传统音乐与重金属音乐,孰是孰非,人们已经无法辨别。可以确定的是,作品的时代性已经开始逐渐呈现。作品的时代性则是指由于作曲者与演奏者处于不同的时代,因而不同的时代对于同一声乐作品的演绎呈现出了不同的风格。随着历史的前景,各种社会形态、观念、意识等登上人类的舞台,随后又悄然逝去。在这个过程中,演奏者总会从自己所处的时代出发来演奏曲子,诠释艺术的内涵,因而声乐艺术表演带有时代的气息。

 

从现存的曲子中看,没有哪两个时代演奏的曲子的风格是完全相同的,我们无法去说古人的演奏方法多么出色,今人的演奏如何糟糕,艺术评判的标准已经不再明显。想找到完全原汁原味的曲子已经不可能,今人有今人的理解,今人演奏前人的曲子,只能从今人的角度对曲子进行诠释和补充,丰富曲子的内涵,实现历史性和时代性的有机结合。

 

三、技巧与表现性的结合

 

思想和技术是声乐表演艺术中的两项重要因素,思想依附于声乐演唱,而声乐演唱中思想的准确表达和传递需要技术作为支撑。在声乐表演中,演奏者想要在作曲者和听众中间架起沟通的桥梁,引起听众情感上的共鸣,不仅需要演奏者自身对于作品有着深入的理解,还需要演奏者有着高超的技艺,这样才能将作者的思想传递到听众的心中,给人以强烈的感染力。

 

而表现性则是指的在声乐表演过程中演奏者的行为,主要包括表情上的变化和动作上的变化。表现性在戏剧表演中尤为重要,演奏者的表情代表着所扮演的角色的心理活动,而演奏者的动作则塑造了角色的形象,告诉观众发生了什么。一个好的演奏者应该有着丰富的表现力,无论扮演什么角色,都能快速切入剧情,从主角的角度揣摩自己的行为的意义,由此才能表达出整个戏剧的主题,将作者的思想传递给观众。如:《霸王别姬》中如何表现虞姬在身处绝境时内心的心理活动,毅然自刎时心中的所思所想,这些都需要表演者用自己的动作、语言来体现。

 

表现性和技巧是相辅相成的,拥有高超的技巧才有良好的表现性,表现性同样可以锻炼技巧。将表现性和技巧有机结合起来,能够增加作品的感染力。

 

四、小结

 

现代社会,人们已经不再追求衣食住行这些物质方面的满足,更注重于精神方面的满足,因而现在愿意静心聆听声乐表演的人越来越多,人们试图在生活的喧嚣中找到一片净土来安置自己的心灵。声乐表演艺术作为人们喜闻乐见的艺术形式之一,成为了人们寻找心理栖息地的选择。想要表演好一部作品,需要相关艺术家遵循相关的原则,这样才能真正彰显出音乐的魅力,带给听众以心灵上的满足。

第4篇

〔关键词〕声乐表演艺术硕士人才培养创新性

近年来,随着创新型社会的建设与发展,我们对人才的综合素质也有了进一步要求,培养高素质的专业人才已逐渐成为我国现阶段艺术教育的重点,而各艺术类高校只有不断地对声乐表演艺术硕士人才培养模式进行相应创新,才能达到声乐表演人才的培养符合时展的总体目标。

一、声乐表演人才培养原则

1、以行业需求为培养导向。市场经济中的一项重要发展原则是供需平衡,在声乐表演的人才培养中也应遵循这一特点,达到市场的供求平衡[1]。现阶段,我国声乐行业就业不仅局限于文艺表演演员,同时还包含高校的声乐教学教师等行业,因而,艺术高校在对其进行培养时,应按照市场经济发展需求对其进行目标结构整合,建立完善的教育体制,不断促进开放式教学的发展,不闭门造车,逐步实现市场需求与教学供应的相互结合与统一。

2、以声乐演唱为教学重点,同时注重学生创新能力的培养。声乐表演能力的培养是艺术专业培养的重点与核心,具有很强的实践性与技能性。在艺术专业教育中,声乐表演能力与实践的相互结合,不仅是教学的课程要求,还是考核和评价专业学习的重要手段。因而,专业教师在对学生进行实践课程的教学时,应注重对学生专业素养以及创新能力的培养,这样不仅可以使声乐表演专业的教学效果事半功倍[2],同时还可以使其在其他教学活动中发挥积极效用,促进教学水平的整体提高。

3、声乐表演艺术硕士人才专业的培养目标。声乐表演专业培养目标主要是将学生培养为现代化德智体等全面发展、掌握学科专业知识内容,掌握演唱与表演专业技术,具有较强音乐认知度以及鉴赏能力的新型高素养的综合性人才。具体要求是在马克思理论的指导下进行艺术实践活动,同时具有正确的人生价值观、良好的人文素养、专业知识以及创新能力,不断提升自身的专业知识为社会主义现代化建设贡献自身的力量;具备艺术教育的基础素养,掌握艺术专业的基础理论知识,拥有基础理论实践能力[3];具有一定的外语交流能力,使自身拥有国际学术交流的基本能力。

二、声乐表演艺术人才培养工作中存在的问题

1、人才培养标准设置的问题。现阶段我国社会发展对声乐表演专业人才培养标准具有非常大的影响,人才标准的设置随着社会的发展而不断更改。随着我国社会市场经济体制的不断完善与发展,社会中各类型事业的发展都与市场建设发展有相应的关联性,声乐表演专业的发展也逐渐由艺术性慢慢变得市场化,因而现代艺术高校在对人才进行培养时根据市场的需求对其培养标准做了相应的调整。在对专业人才进行教授的过程中不仅重视对其专职声乐表演能力的培养,还对学生的其他综合能力进行培养,将声乐表演专业人才打造为综合性人才。

2、教育培养方式及手段落后等问题。声乐表演专业教学落后首先表现在教师职业能力与教育理念的落后,教师综合能力的欠缺导致声乐表演专业教学无法与时代需求相融合,而年轻的教师虽接受新教学理念的熏陶,但却缺乏一定的教学经验,无法对学生实施高效优质的教育。同时,教师教育理念的落后往往传达给学生消极过时的教育观念,这种落后的教育观念会使学生过分崇尚外来声乐表演文化,轻视本土优秀的声乐内涵,这样不仅不利于我国声乐表演专业的发展[4],同时还对我国声乐文化造成相应的危害。

三、声乐表演艺术硕士人才培养模式创新型研究

1、改变教学方式,增强实践能力。作为现代声乐表演艺术硕士人才的培养目标,在培养过程中不断提升学生的实践性,以及对声乐表演专业的创造性,该专业的课程培训注重其实用性以及学术性,因此在对硕士生进行培养计划的制定过程中,应该考虑知识体系的综合调配与各内容知识体系的衔接。具体教学方式如下所述:

导师在开展课程教授之前,应该对开设的研究生课程进行细心准备,同时在课程教学结束后按照相应的规定对学生的学习效果进行考评。在制定教学计划时,教师应该根据各个研究生自身的具体情况,采取因材施教的原则,制定个人培养计划。同时还可组织学生参加与专业相关的学术活动或者相关社会实践,增强学生理论知识的实际应用能力。教师在教学过程中,应该充分尊重学生的思维自主性,避免将自己的思维观点强加于学生,尊重学生在知识的探索中一步一步实现并获取正确的观点,这样有利于研究生创新思维的进一步拓展。

2、建立“双师型”教学模式。声乐表演专业教师的综合素养直接影响教学活动的开展,所以各高校应重视教师的特色发挥,提高教师团队的综合素养。因此在教学培养过程中,可以采用“双师制”形式实现对学生的综合教育,将教师与社会艺术团体相挂钩,聘请校外的资深艺术家或者其他高校的导师,外聘的教师可以主要负责学生的校外实践能力的培养教学。声乐表演艺术硕士生可以不定期地进行专业社会实践,参与演出,增强其职业经验,在实践中不断提升自身的专业素养。

3、注重学生自主创新意识的培养。对于声乐表演艺术硕士的培养,需要注重学生专业知识的层次、技能以及综合素养的培养,其中创新思维以及创新能力的培养是非常重要的环节[6],可以不断提高学生创新思维以及解决问题能力。

现阶段,我国高校受到传统艺术教育模式的影响,在对研究生的培养中缺乏一定的创新性,教育模式基本是依照传统的本科教学模式进行教学,在课程设置方面缺乏对研究生教学内容与方法的创新,因此学生只能被动接受本科教学内容以及教学模式。在培养模式中,艺术研究生的培养模式与本科生有着本质的区别,本科生注重对艺术基础知识的学习与掌握,而艺术研究生是艺术的研究工作者,因此,应将学生的自主创新能力贯穿于整个教育过程,教师应强调专业知识的理论性与实际应用性相互结合,对学生培养计划的实施进行严格监控,注重学生之间合作能力的培养,不断培养学生对于实际问题的解决能力以及创新意识,体现自身的创新理念。

同时,教师应该将创新能力的培养置于专业的重点培养计划中,在教学中尽量避免传统硬性的教学方式,加强与学生之间的互动,对于教学中产生的问题与学生进行相互探讨,这样可以激发和引导学生对新观点的探究,掌握最新的艺术发展趋向。学校还应将促进该地区的文化经济发展作为学生的培养基点,在对学生进行招生调控与培养时,都应将地方文化经济作为发展重心,并在此大的发展环境下制定研究生的培养计划,不断促进艺术专业教学质量的提升。

4、企业研究生研究工作站的建立。大学企业研究生工作站主要是学校与企业之间达成协议、共同合作建立的学生实践基地,该基地的建立有利于研究生艺术专业能力的提高与创新,实现对研究生研究能力的不断提升,不断满足社会对综合人才的需求。艺术高校的全日制研究生在完成课程学分之后对企业工作站的相应职位与工作进行申请,之后在企业内开展工作并在完成基础工作的基础之上获得相应的学分,同时,研究生在完成自身的基础工作时,还可以对相关学位论文以及声乐表演专业展开研究。

结语

现阶段,声乐表演人才的培养是我国艺术教育的重要任务,我国声乐表演艺术硕士人才的培养在课程设置以及教学模式上还存在着一定的缺陷,导致人才培养的质量还不够高。因此,我国各艺术高校应该对其进行不断的探究,完善课程设置、对教学模式进行相应改革,在培养学生专业能力的基础之上,注重对学生的实践教学,这样才能促进我国声乐表演艺术硕士人才培养质量不断提高。(责任编辑:杨建)

参考文献:

[1]严姝璐.论综合性大学表演专业创新型人才的培养[D].安徽大学,2014.

[2]李晓艳.国外声乐研究生人才培养模式综述与分析[J].北方音乐,2011,05:35-36.

[3]王滔.通俗歌曲演唱专业声乐教学模式探究[D].南京艺术学院,2011.

[4]周曙.高职院校音乐表演专业声乐教学存在的问题及对策研究[D].湖南师范大学,2011.

[5]龚维.高职院校声乐教学中存在的问题及对策研究[J].北方音乐,2014,14:156.

[6]平丽华.高校音乐表演专业声乐教学存在的问题及措施[A].华章(2014)[C].:,2014:1.

[7]平丽华.声乐表演人才培养模式之我见[J].才智,2013,03:136.

第5篇

关键词:声乐教育 能力提升 发展方式

高等院校人才培养目标的不同导致了普通高校艺术专业与专业院校在教学计划与教学大纲方面存在很大差别,在普通高校声乐专业培养目标定位的基础上,转变“高精尖专业型”声乐人才培养理念,逐渐从传统的“重技艺训练、轻理论教学”的教育模式向培养“文乐兼容”的人才方向拓展,开拓从事声乐非职业教育的人才培养新领域,建立培养复合型人才的教学计划与教学大纲,寻求具有自身特点的普通高校声乐人才培养方案,提出普通高校声乐设置的构想,把声乐课程设置为专业基础必修课程,已成为高等艺术教育必备的技能之一。与舞蹈、键盘、民乐课程的性质一样,课时量也要基本相等。

一、明确声乐专业人才培养目标

普通高校声乐专业在培养高精尖声乐表演人才方面与专业院校方面缺乏竞争力,要为适应高等教育的发展趋势,整合普通高校多学科交叉的优势资源,发挥普通高校自然科学和人文社科的强势资源,才是普通高校声乐专业的生存之道。在普通高校的声乐专业里,以培养职业的声乐表演人才为目标的现象普遍存在,忽视了对于文化理论修养的提高,目前的普遍问题是,大部分专业人才的声乐技艺远远超过文化内涵、全面素质的水准,普通高校声乐专业的人才培养目标定位应该是:专业基础厚,文化素质全面,能适应社会需求,具有编导、表演、教育和管理能力的复合型高级专门人才,声乐课程应该以培养具有较为全面声乐表演能力和技巧,能够准确表达声乐的风格韵律和显著特征,了解所蕴含的传统文化,并掌握一定的教学方法和理论知识,具有创新和实践能力,这些都是普通高校声乐专业声乐课程的培养目标,普通高校声乐专业声乐课程所承担的教学任务不仅是培养传统教学模式下的表演型人才,可以向三个方向拓展,即“理论型人才”、“传播型人才”和“研究型人才”,“理论型人才”的定位是使其具有较高的声乐文化知识修养,能够对现今的声乐文化进行分析和研究,进而创造出新理论,“传播型人才”适应了社会对于声乐人才需求的新领域,丰富社会人民群众的精神文化,陶冶人民大众的情操,传播和普及声乐知识文化,“研究型人才”虽然是继本科阶段结束后再深造的高层次学历人才,但是在本科阶段就应该为这些需要再深造的学生打下基础,创造条件。

二、认清声乐专业人才培养特点

普通高校声乐培养要把不同类型的学生划分成不同的培养群体,一类是针对声乐专业个人条件突出,表演能力强,素质全面的学生,要有重点的向表演型人才方向培养,在教学中注重肢体动作的表现力、协调性和规范性以及声乐技术技巧方面严格训练,并鼓励这类学生参加各种级别的声乐比赛,提升学生在专业领域的审美取向,进而促进教学水平的提高。这一类人才的培养可以遵照“高精尖专业型人才”的培养理念,沿袭职业声乐表演人才的培养模式。另一类是针对文化基础厚,声乐专业基础条件相对较弱的学生,在教学中要加强声乐理论知识的拓展,启发学生的创新思维,发挥这类学生的理论文化水平,运用综合能力,拓展在非“职业声乐”领域里的生存能力,成为非“职业声乐”领域的生力军。全面地认识培养对象,有针对性的对其进行方向性的培养,是普通高校声乐专业声乐课程最行之有效的人才培养模式。

三、注重声乐专业人才培养风格

普通高校的声乐专业应根据其复合型人才培养目标的定位,如果一味地效仿专业院校的教学计划和教学大纲必定会产生事倍功半的效果,应避免学生掌握的声乐知识技能的单一化、片面化。通过声乐技能课的学习奠定文化基础、理论功底和人文素养,将普通高校声乐专业声乐课程的教学计划和教学大纲制定的更加科学化、合理化、完善化。要依据不同民族声乐的风格特征来安排所开设的学期,合理安排艺术实践环节,形式可以采取多种多样的,如民间采风活动、艺术交流、舞台实践或者是声乐观摩等活动等,开设需要声乐教师掌握的全面声乐素材,科学的教学方法,能够融会贯通地把自己的声乐知识与当代声乐学科发展趋势相结合,不仅能传授某一种风格流派,而且还要取众家之长,在原有的传统的声乐教学上有所突破和创新。既要保留不同民族、地域原生态民间声乐的风格韵律,又要符合教学规范和舞台艺术发展规律的审美要求。

第6篇

我们所演唱的声乐作品都是作曲家在特定环境中加入自己特定的情感之后创作出来的,因此,作品中蕴含着作曲家对作品的理解,演唱者需要对作品进行详尽分析,体会作曲家的情感,之后加入二度创作,将作品呈现在观众面前。通过这段文字的叙述,读者即可发现,演唱者传递情感的唯一途径就是通过作品的文字,也就是语言,可见语言所传递的情感是不可忽视的。

一、情感的表现

虽然声乐作品情感的表达文字占了很大一部分,但是我们也不能忽视旋律在情感表达中的重要作用。在声乐艺术中,其核心是情绪、情感,但作品中所蕴含的情感又全部来源于我们的现实生活。我们首先要明确,情感的表达要先理解作品的内容,如果连作品内容是什么演唱者都没搞清楚,那么更不可能清楚作品所传达的情感。可能作品是借助某种特定的事物传达情感,而演唱者由于没有仔细分析,可能将其简单地理解为普通的作品,那与原作品的情感就相差太多了。从这个角度来说,在声乐演唱过程中,演唱者只有充分理解作品,才能准确表达作品的思想感情。毋庸置疑,声乐演唱艺术既可以抒发演唱者自身的情感,也可以激起欣赏者的情感共鸣,声乐演唱艺术是唯一一个采用人声来表述衷肠并引起听众感情共鸣的艺术形式。所以,对歌唱者就提出了一个要求,即在表演的过程中,必须要真情流露,用心灵进行艺术创造,与观众在情感上产生共鸣。否则,只是僵硬地演唱,不动一丝感情,那么就无法与观众在心灵上进行沟通,与他们产生情感上的共鸣就更不可能了。声乐演唱中的艺术表现,具有丰富的表演特点与内涵。由此可知,与其他音乐艺术形式相比,声乐艺术的表演性是十分鲜明的。正如明代朱权在《太和正音谱》中所说的那样:“一声唱到融神处,毛骨萧然六月寒。”因此,声乐演唱艺术气韵生动、神形兼备。

二、气韵生动

提到“气韵”,我们不得不提其起源。从广义上来讲,“气韵”就是文艺作品的形象表现,具有丰厚的神气与浓郁的韵味。而“神气”,就是精神与气质,正如刘大魁在《论文偶记》中指出的那样:“神者气之主,气者神之用,神只是气之精处。”声乐演唱中要求气韵贯通、神情毕肖,才能使演唱的作品散发出艺术魅力。由此,我们可以看出,“神气”也是丰富情感的生动体现。歌唱的声音造型也就在审美要求上,首先要有丰富的情感内涵,也就是传统声乐表演艺术中要求声情并茂,它度概括了“义、情、气、字、腔”的声腔造型规律。从其概念上我们能够看出,“韵味”既有“韵”的独特审美品格,又含“味”的特定审美体验。浓郁的韵味,显示了声乐表演艺术多方位的音响效果,声音婉转动听。这就对演唱者提出了一系列的要求,如气沉丹田,以气托腔,底气充足,气息贯通,高低上下变化和谐等。总而言之,为了在观众面前创造出声腔美,在声乐表演的过程中,声乐演唱者务必要发挥二度创作的才能,尽可能达到气韵生动的声腔造型效果。

三、神形兼备

我们都知道,形体动作对于创造生动舞台形象而言,是一种十分重要的手段。而声乐演唱艺术也是离不开形体动作的,这主要是因为其通过形体动作的表演来辅助或烘托声音、情感的艺术创造。由此,我们可以得知,在声乐表演艺术中,形体动作是传情达意的主要手段之一,扮演着至关重要的角色。从字面上我们就能看出,形体与动作是形体动作的组成部分。形体包括体型与体态两个方面。除了戏剧演员在体型上可以有特殊表现外,作为声乐独唱表演者,体型的优美自然能给观众留下更深刻的印象,对表演效果产生积极的影响。而体态是根据不同体裁形式与具体内容、情节变化的要求来变化形体动作的,在以内在心理情感为动力的形体造型中,创造出神形兼备的形体动作形象。所谓“神形兼备”中的“形”,是指外在的形象、体态,“神”是指内在的精神与心灵。所以,对于声乐表演来说,既要有形似的外观体现,又要含有神似的本质刻画。只有做到这一点,才能更好地表达声乐作品,给观众带来最美好的感受。

第7篇

音乐表演专业隶属于现在的音乐与舞蹈学院,作为曾经艺术系四个专业中唯一的音乐舞蹈类专业,在之前的发展都是较为缓慢和不健全的。经过近几年的建设和发展,音乐表演专业如今已经成为了音乐与舞蹈学院的重点建设专业,为百色学院培养更多应用型人才做出应有的贡献。

音乐表演专业的发展主要是从课程设置、实习基地建设、毕业音乐会、教师教学观摩音乐会和教师音乐会、学生专业比赛等几个方面进行改革建设的。

一、课程设置

围绕学校的办学定位和应用型人才培养目标,按照本科人才培养方案的指导思想和基本原则,结合调研结果以及本专业岗位的社会市场需求,以实践式课堂与舞台相结合为主要教学模式,从2015级开始对人才培养方案进行修订。

在课程设置方面减少部分不适应发展的理论课程,调整部分实践课,新开设部分实践课,探索新的教学途径,不断提高教学的实用性和科学性,促进对技能型、实用型人才培养。根据学校的人才培养方案修订指导意见、调研反馈结果以及岗位能力的要求,对2015级音乐表演专业本科人才培养方案做出了以下调整:

精简课程,删掉或者整合部分理论课,减少学时学分。如删复调课,整合曲式与作品分析课和歌曲写作课为曲式分析与歌曲写作课,将舞蹈方向的乐理和视唱练耳课整合成乐理视唱课等。

优化课程,增加特色课程,总体课程结构更加合理。将原有的舞台表演艺术课升级,并更名为作品排演课。夯实理论基础,增加少量课程,如声乐作品赏析、器乐作品赏析、音乐论文写作等。

技能性课程比重增大,实践性学分比重明显增加。

通过开设的课程或者在课程内容中体现,如民族特色课程有原生态艺术表演,作品排演,壮、苗族舞蹈,瑶、彝族舞蹈等,红色课程有红色歌谣赏析等。

通过毕业演出检验学习成果,演出内容部分体现出民族性的特色和革命性的特色。

二、完善基地建设

为加快音乐与舞蹈学院转型发展,提高音乐表演专业应用型人才培养质量,提高学生的实践能力,丰富舞台表演和演唱能力,熟悉舞台表演的流程,了解舞台设备的使用等,2014年百色学院与百色市民族文化传承中心签订了合作协议,在原有共建教学实践基地的基础上进一步深化合作。本着优势互补、资源共享、互惠双赢、共同发展的原则,甲乙双方建立长期紧密的合作,分别从合作办学,共同育人,合作就业,共同发展提升合作水平。其中,合作办学作为继续深化教学实践基地的建设,聘请相关业务骨干为客座教授或者实践指导老师,对比赛、演出等进行指导,共同参与音乐表演应用型人才培养的过程;共同育人作为选拔一定的优秀学生可以参加艺术实践活动,同时,根据实践经验及时调整人才培养方案,尝试新的教学改革,逐步丰富与合作单位的合作内容,提高合作水平,不断完善应用型人才培养的成果;合作就业作为录用我院优秀本科毕业生,实现双方互利共赢;共同发展可以举办专场音乐会、舞蹈专场、特色文艺演出等,还可以进行各种类型、各个层次的演出、作品创作,同时进行非物质文化遗产宣传、民族文化传承与保护等方面开展合作,为服务地方和发扬民族文化做出贡献。

通过近年与百色市民族文化传承中心的合作以及大量的舞台艺术实践,使得音乐与舞蹈学院取得了丰硕的成果。音乐表演专业学生的艺术视野更加宽广,艺术审美和舞台演出层次得以不断提高,人才培养质量较以往有较大提升。由于学习歌舞团的不少原创节目或经歌舞团教师指导过的参赛节目,在各类比赛中都获得了较好的成绩,学生们的舞台实践能力也有了较大提高。总结的经验告诉我们,今后必须继续保持互利共赢的合作思想和指导原则,继续发挥各自优势,实现互补和资源共享,继续加强双方人员往来和沟通,建立形成一套更加牢固顺畅的合作机制,把课堂教学与艺术实践有机结合起来,挖掘优秀的民族资源,培养更多优秀的艺术人才。

三、改变毕业论文的形式

将毕业论文以论文答辩和写作的模式,改成论文写作和音乐会并存。音乐表演专业的毕业论文(设计)是应用型人才培养的重要组成部分,也是衡量教学水平、学生毕业与进行学位资格认证的重要依据。音乐表演专业的毕业论文(设计)有其专业特殊性和特殊要求,为更好地体现这一专业特色,促进学生业务学习,在经过前期充分调研的基础上,决定音乐表演毕业论文(设计)以毕业音乐会(舞蹈专场)形式为主,论文撰写(理论研究)形式为辅的方式进行。音乐表演的毕业论文(设计)采用举办毕业音乐会(舞蹈专场)或撰写毕业论文(理论研究)的形式进行。

毕业音乐会(或毕业舞蹈专场)具有专业学术性质,是学生表演水平及组织排演能力的重要体现。在完成过程中,要充分体现专业人才培养目标的要求,既要遵循科学研究的一般规律,又要符合本科教学的基本要求,体现思想性、创造性、学术性、专业性与艺术性的特点,注意突出红色、民族和边疆的独特资源优势和应用型人才办学特色的要求。围绕选定曲目(剧目)、指导、中期检查、评分、答辩等环节,制定明确的规范和标准,指导教师要了解与检查筹备毕业音乐会(或毕业舞蹈专场)工作的实施情况,组织质量检查活动,做好毕业音乐会(或毕业舞蹈专场)工作的总结等。并要符合如下要求:

(一)应设置一定的准入条件

根据专业主修学生第五、第六学期专业课的平均成绩划线,后15%的学生不具备开音乐会(舞蹈专场)的资格,只能以论文撰写(理论研究)的方式作为毕业和取得学位的重要条件。

(二)学生自主原则

学生举办毕业音乐会(舞蹈专场),要综合运用所掌握基本知识和表演技能,在指导教师的指导下,独立自主地策划、组织、统筹、排演一场具有专业性质的毕业音乐会(或舞蹈专场)。整个过程中,指导教师给予必要指导,但主要以学生为主。

四、建立教学观摩音乐会制度和教师音乐会制度

在各项改革的内容中,教师教学观摩音乐会是属于从教师的层面自己进行改革,提倡教师每年举办一次教师教学观摩会,形成长效机制,以此不断改进教学方式、方法,提高教风、学风,形成学术氛围浓郁的良好教学环境。观摩音乐主要是提高教师对于教学的积极性和主动性,是对自己近段教学集中的展示和检验,是能较客观的体现出教和学的成果,同时也是一次教师与教师之间,教师与学生之间相互学习交流的良好机会。具体改革内容如下:

(一)规范音乐会的内容和形式

对于音乐会的曲目要求、演唱水平、海报节目单制作、服装装扮等各个方面,教师要严格把关,精心设计。

(二)实行奖励性政策

鼓励教师举办教学观摩音乐会、教师音乐会等形式的音乐会。对于超过每年举办一次的教师,每次给予一定的物质奖励。

(三)音樂会后总结

音乐会后教研室对音乐会中间出现的问题和值得大家学习的方面都要及时进行总结,不断在改进中提高音乐会的水平。

通过改革观摩音乐会、教师音乐会,教师和学生都收获了知识,也发现了问题,同时达到了教学相长的教学目的,提高了教师的教学水平和学生的专业水平,增强了学生学习的主动性,丰富了学生的舞台经验。

五、设置专业比赛项目

百色学院音乐与舞蹈学院目前的能够参加的唯一声乐或者舞蹈比赛项目就只有学校一年一次的校园文化艺术节中的歌手比赛或者舞蹈比赛。但这两个比赛形式都是在全院的范围内进行的业余比赛,就是说对于学习歌唱和舞蹈专业的同学要同其他学院的业余选手进行比赛,这样跟其他学院的同学就没有可比性。基于这样的考虑,建议二级学院在院内举办专业性较强的比赛项目。

具体比赛规则如下:

(一)每年举办一届声乐类和舞蹈类专业比赛

争取由学院团委举办,提高比赛规格,扩大比赛影响,将比赛与红色合唱团一起打造成学院的精品项目、特色项目,为百色学院实施红色经典艺术教育示范基地添砖加瓦。

(二)由各教研室制定科学严谨的比赛规则

声乐和舞蹈教研室进行充分的论证和讨论之后决定改变以往比赛不够严谨和规范的行为,制定出具有专业性和科学性的比赛规则。

(三)实行奖励性政策,提高学生的参与度和积极性

第8篇

论文摘要:从声乐教学中遇到的各种问题入手,分析当前百色学院艺术系开设的民俗文化艺术表演专业在专业建设上存在的弊端和不足,进而提出从教学观念、教学内容、课程设置以及教学实践等方面对声乐教学模式进行改革。

音乐表演(民俗文化艺术表演方向)是百色学院艺术系开设的特色专业方向之一,百色学院也是目前全国唯一一个开设此专业方向的高等院校。从2007年招收第一届本科生至今,艺术系教师经过几年的艰苦探索和实践,在民俗艺术表演专业的教学中积累了不少的经验教训,也取得了一定的成绩。艺术系学生在参加全国大学生文化艺术节、中国—东盟艺术教育成果展以及CCTV青年歌手大赛等许多赛事中,都凭借民俗艺术表演节目屡屡获奖。然而,也正由于是全国第一个开设此专业方向的高校,没有任何先例可以效仿,完全靠自己“摸着石头过河”进行专业建设,其难度可想而知。在几年的教学实践过程中,我们也栽过不少跟头,吃了不少苦头。

目前,民俗文化艺术表演专业方向在教学模式、师资配备等方面还存在着诸多不合理、不健康因素,对此如果不及时加以解决,不仅制约教学质量的提高,而且影响到本专业的可持续发展,更勿论突出特色、打造精品专业了。声乐课是音乐表演专业的主干课程之一,在专业建设中占有重要位置,在民俗艺术表演方向中亦是如此。在声乐课的教学过程中,百色学院艺术系的声乐教师同样遇到了上述的一系列问题,笔者将以声乐教学模式为例,对这些问题进行梳理,进而探讨在民俗文化艺术表演专业下,对如何进行声乐教学模式改革提出自己的思考,以期达到“窥一斑而知全豹”的目的。

一、民俗文化艺术表演专业下声乐教学存在的主要问题

从师资配备来看,百色学院艺术系现有专任声乐教师8人,都毕业于专业音乐院校,其中美声唱法教师3人,民族唱法教师5人,而8位教师中,对民俗声乐表演比较了解的教师只有1人。从学生情况看,音乐表演专业学生4个年级共有213人,主修声乐的学生有179人,占学生总数的84%,其中民族唱法学生最多,有163人,占声乐学生的91%。从授课方式来看,声乐主修生上课采用“一对一”的小课授课方式,每周每人一节,非声乐主修生上集体课,每周2节。从课程设置和教授内容来看,与一般音乐院校(系)开设课程和所教内容基本一样,只有一门“原生态歌舞表演”略显与众不同。从教学实践环节来看,学生从大学一年级到大学三年级每年下乡采风一次,其他实践主要是参加各种舞台演出活动。以上就是当前百色学院民俗文化艺术表演专业声乐教学的基本情况。

作为百色学院艺术系的特色专业之一,笔者在近几年的教学实践中亲身体会到这样的声乐教学模式存在很多弊端和缺陷,不仅背离了百色学院人想要办出特色的初衷,而且如果长此以往,形成定式,不仅偏离了专业轨道,而且对本专业的健康持续发展十分不利。

1.目标不明,定位不准

百色学院最初开设民俗文化艺术表演专业方向,主要是为培养具有较强的民族歌舞和原生态歌舞表演能力,较为全面地掌握民俗文化概况和具有一定的民俗文化研究能力的人才。然而,在现实的声乐教学和实践中,无论是教师还是学生都没有真正认清这个目标,或者说即使认识到了也没有真正朝这个方向迈进和努力,授课内容与上课方式等都与普通音乐院系基本一样,在师生思想定位上造成了一定的混乱。

2.教学内容与教材使用中民俗文化内容过少

由于目标不明,定位不清,所以声乐课的教学内容仍然是在教授美声或民族唱法的发声方法,上课练声、演唱作品,演唱的作品也大都是传统的声乐教学作品,与民俗文化艺术表演基本不搭调。在教材的选择使用上,目前选用的教材多是仿习正规音乐院系选用的教材,大部分内容是创作歌曲,还有一少部分的民歌和美声歌曲,真正意义上民俗文化的作品极少。在此需要强调一点,笔者并不是反对要教授美声或民族的发声方法,相反,还认为这样可以提高和改良民间原生态唱法的音色,但如果偏废了一方,照目前民俗文化艺术内容极少的情况发展下去,离当初办出民俗文化特色的宗旨只会越来越远。

3.课程设置与教学形式缺乏创新,师资配备不均衡

目前,百色学院艺术系开设的课程也仍然是沿袭专业音乐院系的课程设置,尽管“原生态歌舞表演”一门课程有所创新,但仅此一门显然是远远不够的,且这门课程仍处于摸索阶段,还有待改进和完善。在声乐课教学形式方面,仍采用传统的“一对一”小课形式,虽然这样有利于对学生进行因材施教,解决他们个人歌唱技术上的不足,但对于学生之间的协调配合训练明显不足,而好多真正的、民间的民俗艺术表演都是由于相互配合得好才更显魅力的。关于师资配备,如前所述,目前艺术系专任声乐教师有8人,但真正比较懂得民间歌唱艺术的只有1人,这样的师资配比对于民俗艺术表演专业而言显然是很不合理、很不均衡的。

4.教学实践环节民俗艺术方面内容相对薄弱。

在教学实践环节方面,艺术系比较注重对学生实践能力的培养。学生参加各种校内外的演出活动也较多,但与学生参加的各种活动相比,有关民俗文化艺术的内容仍然偏少,除每年一次的采风活动之外,基本没有其他民俗艺术实践活动,要么就是参加比赛、展演时,由教师临时组织排练一些具有民间民俗特色的作品去参加比赛,活动结束之后又回归常态,如此一来,学生对真正民间民俗艺术的了解只流于表层,民俗文化知识更是微乎其微,对于培养学生成为真正的民族民俗文化艺术人才相距甚远。

鉴于以上的种种问题,我们首先应客观看待,冷静分析,找出原因,然后制定出适合本校本系特征的改革策略和措施并付诸实施,从而保证声乐教学乃至整个民俗文化艺术表演专业朝着正确的方向健康发展。

二、民俗文化艺术表演专业下声乐教学模式改革的策略与措施

1.明确目标,转变观念,找准定位

艺术系要统一全系师生思想,同时加大宣传、营造氛围,明确培养民俗文化艺术人才的目标,找准定位。教师应转变观念,真正扑下身子去了解学习民族民间、民俗原生态歌曲等,从中汲取营养并运用到自己的声乐教学中去。此外,还应帮助学生转变思维方式,促使他们认清民俗文化的巨大价值以及从事民俗文化研究和走专业特色化道路成才的良好机遇。

2.改进课程设置与教材使用,大量增加民俗文化艺术内容

明确专业建设和人才培养目标后,要对音乐表演专业的课程设置进行革新,在原有课程的基础上,增加民族民间、民俗文化艺术内容的课程,在教材的选用上,应多采用从民间采风回来得到的“鲜活教材”,从而不断加大学生对民族民间、民俗艺术知识和信息的占有量,真正为进行民俗文化艺术研究做好准备。

3.改革声乐课上课方式,完善师资结构

改变声乐课传统的“一对一”上课方式,采用个别课、小组课、集体课相结合的上课方式。个别课主要训练学生如何发声,借鉴科学的发声方法,美化学生的歌唱音色;小组课主要训练他们的协调配合能力和互相间的艺术默契感,体会民俗民间音乐的风格特征;集体课主要讲授一些民俗民间的音乐文化知识以及让学生体会民间艺术在集体活动中的呈现方式。不断加大师资队伍建设力度,采取“引进来、走出去”相结合的措施,完善师资结构,聘请校外优秀民间民歌手担任原生民歌演唱的教学工作,同时派出本系声乐教师走出校门,深入民间进行“接地气”般地采风学习,尽快扭转民族民间、民俗文化艺术方面师资薄弱的局面。

4.加强教学实践,转变学生学习方式

民俗文化艺术表演专业是实践性很强的一门专业,必须在现有基础上加强教学实践,同时改变学生的学习方式。一要增加学生采风次数和时间,除了系里组织的采风必须参加外,还要求他们利用寒暑假时间进行田野采风,深入学习民间文化知识。二要训练学生对采风回来的材料进行加工整合,改变被动的学习方法,多采用研究型的学习方法,提高创新思维,在此基础上,培养学生逐步掌握科学研究方法,最终成为有一定民俗文化研究能力的人才。

三、结语

声乐课是音乐表演的主要课程之一,其教学质量也直接影响到民俗文化艺术表演的专业建设,针对百色学院这几年的声乐教学中的种种问题,笔者认为应解放思想,克服困难,切实从教学观念、教学内容、教学方法、上课方式、课程设置以及教学实践等方面,对整个声乐教学模式进行全面而深入的改革。只有这样才能保证本专业朝着正确的方向发展,最终取得丰硕的成果。

参考文献:

第9篇

关键词:民族声乐教学;声乐艺术;美声唱法;融合

作为我国声乐教学中两个比较关键的组成部分,民族唱法以及美声唱法对声乐教学水平的提升,对声乐人才的培养都有着至关重要的作用与意义。对于民族唱法而言,其是我国优秀的文化遗产,具有我国独特的唱法优势,能够做到“以情带声”,获得良好的舞台效果,充分表达出广大人民对精神文化的渴求。而对于美声唱法而言,其主要源自十七世纪的意大利,具有丰富多变的唱法以及优美的音色。其比较重视音色的统一,具有比较专业的发声方法,而且也具有较强的音量可塑性。为了能够更好地提升声乐教学水平,就要在民族声乐教学中有机地融合美声唱法,借鉴美声唱法的优势,进而更好地提升高校民族声乐教学质量,为我国培养出更多优秀的声乐人才。

一、民族唱法和美声唱法的异同点

(一)民族唱法和美声唱法的相同点

对于西洋声乐以及民族声乐而言,二者均是由曲调以及语言构成的,所以语言对其具有相当关键的作用。民族声乐比较注重歌曲语言的生动性与形象性,要具有较强的感染力。民族声乐得以良好的发展,是与民族语言的支持具有密切关联的。假若没有民族语言,则民族声乐艺术也无法得到良好的发展,无法发挥其光和热。而对于西洋声乐而言,其音乐的主调即为歌词,声音以及节奏为辅助,在实际演唱的过程中,必须要充分确保字正腔圆,确保其雄厚有力。对于民族唱法而言,其把丹田划分成三个部分,即上、中、下丹田[1]。对于美声唱法而言,其比较注重胸腹式呼吸以及整体混合式共鸣的有机结合。

(二)民族唱法和美声唱法的区别

民族唱法的基础即为汉字。汉字主要包括四声,在其具体发音的时候,其是由唇、舌头以及牙齿等多个器官共同配合而成,于是就会使得咬字、吐字比较清晰纯正。而对于美声唱法而言,其基础即为元音的发音。其具有相对简单的形式,在发音时比较注重规律的连贯性。在民族唱法的具体演唱过程中,其不但比较重视演唱过程的表演,与此同时,还比较注重演唱以及表演的有机结合。对于民族唱法而言,其具有相对比较丰富的表演形式,这样就能通过表演更好地打动观众。然而对于美声唱法而言,其认为在歌唱中进行表演是多余的,是没有必要的。所以在实际演唱中,演唱者是以单一的演唱来打动并且感染观众。在此方面,两种唱法是存在较大区别的。

二、民族声乐教学对美声唱法的融合

(一)演唱技术的融合

当前,在我国一些高校的声乐教学中,在民歌或是艺术歌曲的演唱中都积极地实现了对美声唱法的融合,这具体体现在以下几个方面。1.气息运用方面在气息运用方面,在民族声乐教学中,保留了传统民族声乐比较具有特点的技巧。与此同时还积极地融合了西洋美声唱法的呼吸原理。在实际教育教学的过程中,教师要引导学生能够如同“闻花香”般地将气息深吸进来,然后再使用横膈膜将其保持住。并且要利用吸气肌肉群以及呼吸肌肉群彼此间所具有的对抗性作为气息的支点[2]。在实际演唱时能够使得气息顺畅地流动,然后再持续不断地为声音提供支持。例如,在演唱《思乡》以及《我住长江头》等创作歌曲的时候,可以使用美声唱法中的连音唱法。在通常状况下,其并非是在句子中间行换气的操作,而是要保持声音的线条以及连贯性;在演唱《小白菜》以及《兰花花》等具有民族色彩的歌曲时,演奏者就要使用一些“偷气、换气、取气”的方式。对于我国的传统声乐艺术而言,其比较重视“以气唱情”,往往都会采用小气口的方法来实现对乐句的切断,进而充分地表达出作品中所包含的一些思想情感,例如诉说以及哭泣等。这样可以更好地表现出作品的抑扬顿挫。反之,对于一些爆发以及激烈的情感,会采用大气口的方式进行表达。除此以外,对于《牧笛》这种能够充分地体现出民间风情的新型创作歌曲,在其中运用了美声唱法中的花腔技术。在这些歌曲的演唱过程中也采用了西洋歌剧中演唱华彩乐段的气息方法,实现了对这些技术的有机融合。2.咬字技术应用方面作为一种声乐艺术,美声唱法主要是基于意大利民族语言得以发展而来的。在采用西洋的美声唱法对中国作品进行演唱时,需要将字音咬清,同时还要保障声音的通畅性,这是存在较大难度的。究其根本原因是由于在意大利语言当中,“母音”以及“子音”之间是存在较远的距离,这和中国汉语的咬字习惯存在着较大的区别。在声乐教学当中,其有效地借鉴并且融合了美声唱法[3]。在通常状况下,其会比较注重对喉头位置的降低,于是字的着力点就相对较为靠后。在此状况下,就必须要提起软腭,保证后咽壁的树立,于是就能够建立稳固的咽腔。在一般状况下,往往都会是使用意大利语当中的a、e、i、o、u这几个基本的元音来完成声音训练的,并且选择使用混合母音的方式使得纯母音逐渐混合其他母音的色彩,如此操作就会使得母音变得比较圆润。把五个母音最近距离的咬清,能够使得声音比较顺畅地发出来,在此基础上找到共鸣。不仅如此,还要比较注重练习的哼鸣音,要努力发现声音的高位置,如此一来就能够保证声音的统一性,使得演唱变得比较圆润、连贯。在掌握良好的发音方法以后,就能够在技术方面得到更大的自由以及发展空间,如此一来就能够更加轻松地咬清汉字的字音。对于周小燕以及黄友葵等早期的声乐教育家而言,他们都是最早学习西洋唱法的,而且采用美声的唱法对中国作品进行了演唱,其中包括《黄水谣》以及《康定情歌》等,而且这些歌曲也在广大群众中得到了广泛的流传。当前,我国也开始采用美声唱法对中国作品进行演唱,并且在咬清字音方面取得了较大的进展。在此状况下,也使得人们改变了对美声唱法咬字不清的这一种错误认识。例如,廖昌永在演唱《母爱》这一歌曲时,采用的是美声唱法,然而在其风格上充分体现出中华民族对亲情的重视与理解,因此歌声比较感人动听,得以广泛流传。3.共鸣应用方面对于我国传统的民间唱法而言,其往往是采用的口腔共鸣技术。其比较重视的是局部共鸣的运用。在当前的声乐教育教学中,也是借鉴了美声唱法对混合共鸣的应用。在此过程中,要求演唱者能够将喉咙打开,能够形成比较稳定的通道,有效地调动全部的共鸣腔体,这样就能够有效地避免在传统民族声乐当中所存在的压、挤以及卡的声音,进而能够有效地提升声音的圆润性。与此同时,其能够结合音高的具体改变对腔体的音色以及大小进行合理的调整。然而,在声音得以改变的状况下,对真假声的实际运用比例进行有效调整,在此基础上就可以使得声音达到头腔、胸腔以及口咽腔的共鸣。于是就实现了对声音色彩的美化,使其能够更加的圆润,具有光泽,可以传得更加遥远。例如,在演唱一些创作歌曲,如《沁园春•雪》这首音乐作品的时候,合理地应用混合共鸣的方式,可以有效地体现出中华民族的宏大气魄;在演唱一些感情相对非常细腻的民歌,例如《绣荷包》歌曲时,演唱者要结合作品的实际风格,合理地调整共鸣以及嗓音,要结合曲目的不同风格特点,对共鸣腔体的运用情况进行合理调整,如此才能更好地实现美声唱法以及传统民族唱法的有机融合。

(二)在声乐教研方面对美声唱法的融合

1.我国古代的声乐理论在我国古代创造了许多关于声乐理论的研究作品,例如,张炎的《词源》、沈括的《梦溪笔谈》以及清大椿的《乐府传声》等[4]。这些作品论述了声乐艺术中的一些歌唱技术以及发音的原理,总结了当时声乐艺术的发展情况以及在演演唱时所遵守的艺术标准等。其中更加详细地论述了咬字吐字的技巧以及声腔技术,包括对作品情感的表达等。但是这些著作往往都是一些经验式的总结,缺少对科学原理的详细阐述。然而对于美声的声乐理论而言,其中融入了许多相关学科的研究成果,如生理学、医学以及物理学等。其中对歌唱发声的本质规律进行了科学、系统的分析与研讨,而且也成立了比较科学、合理的歌唱训练体系,这也使得声乐的实践与艺术理论得到了有效融合,从而实现了歌唱艺术以及科学的有机结合。2.声乐理论研究方面的融合对于我国的声乐理论研究来说,其主要是根据声乐教学系统的开展而形成的。自从上世纪八十年代开始,我国加剧了对声乐学科及其与其他学科的交叉研究。截止到目前为止,《音乐研究》以及许多高校的学报上都刊登了一些与声乐相关的论文,其中包括《中国音乐》《音乐探索》与《音乐艺术》等[5]。这样也就有效地扩展了声乐研究的范围,引起人们更加广泛的重视。在1997年,石惟正先生正式组建成立“石惟正声乐理论研究室”,从此以后,石先生以及诸多优秀的音乐学者就开始汇总音乐相关的论文。从1997年至2003年期间,我国许多学者与机构也加强了对声乐的研究,并且取得了很大的进展。研究的方向日益广泛化,并且研究课题日益精细化。尽管开展的研究主要是沿承西洋美声学派当中的理论体系,然而其也实现了与我国声乐教学的有机结合,开展了许多新的研究课题,例如,西洋唱法以及我国民族唱法之间的比较分析等。总之,在我国的音乐教育教学中,民族音乐教学是一个非常关键的组成部分,其对我国民族音乐的传承具有非常重要的意义。而美声唱法也具有其较多的优势,如果将其合理地融合在民族声乐教学中,就能够取得更好的音乐艺术效果,能够得到更强的舞台感染力,可以形成更加优秀的新唱法,从而有效地实现歌唱的多元化发展,促进声乐人才的全面发展。

参考文献:

[1]陈浩月.论美声唱法对我国民族声乐教学的影响[J].音乐时空,2015,(09):115.

[2]杨星.民族声乐教学对美声唱法的借鉴与融合[J].教育科学:全文版,2016,(25):104-105.

[3]许静哲.论美声唱法对我国民族声乐教学的影响[J].北方音乐,2016,(10):26.

[4]孙加航.论美声唱法对我国民族声乐教学的影响[J].文艺生活旬刊,2016,(01):118.

相关期刊