时间：2023-03-22 17:33:30
导语：在艺术设计论文的撰写旅程中，学习并吸收他人佳作的精髓是一条宝贵的路径，好期刊汇集了九篇优秀范文，愿这些内容能够启发您的创作灵感，引领您探索更多的创作可能。
中国民间美术博大精深，从汉字、中医、武术这样的“国粹”到各地的代表性文化，再到各地各乡的习俗、风俗。“艺术设计以其特有的表现方式传达着某一个地区的人们的文化价值观，同时也展现着该地区的文化特质及民族精神。”中华民族的民间美术博大精深，其中很多生动的设计元素，能够给予设计师巨大的灵感和启发，使得极具风情的民间美术在艺术设计中得以呈现和传播。我们所处的内蒙古有着独特的地域优势，可以十分便捷地从本地获得艺术设计教学所需的各种条件：人文地理、历史典故、遗迹古籍、文艺项目、博物馆、各种校内外实训基地、民间艺术家和学者、专家等这些都是只有内蒙古才具备的特色教学条件和资源。我们地方院校应该充分利用这些资源，有针对性地为学生增加各种民间美术课程，如历史典故、风土人情、传统工艺等内容，并且根据今后的职业需要，向学生传授具有民间美术特色的设计理念和设计技能。在地方院校艺术设计教学中结合具有区域特色的民间美术，是针对本地教学模式单一的格局而提出的一种有益尝试，也是针对地方人才市场的需要而对民间美术资源的深层次开发和利用。
二、将蒙古族民间美术审美教育的共同性引入艺术设计教学
我区丰富、灿烂的民间美术资源是一座巨大的艺术宝库，但大多数原生态形式并不适合被直接利用，必须经过筛选、解构，再用现代设计的理念对其中的元素进行重构。笔者认为应以民间美术的典型性为教学重点，唯有这样才能做出兼具民间美术特色和现代审美要求、兼具实用性和技术性的设计。所谓典型性即所选择的教育资源应具有审美教育的典型性。草原民族在漫长的草原游牧生活中，形成了蒙古族独特的审美：他们产生了“对天神的崇拜，对蓝色和绿色的钟爱，对辽阔景象的憧憬，对动物灵性的感悟等”情感，也形成了独特的思维，“追求与苍天的呼应，思维境界自然率真，艺术格调自然质朴，群体性、参与性、应对性及宗教神秘性融入其中。”因此，在艺术设计教学中，教师不仅要让学生理解地域特色文化中的造型观念，还要分类去看、参照着看。比如从艺术形式分类角度，建筑类、服装类等等；从造型特征角度，单单是马就有多种形态。还有最关键的一项就是“临摹”，在临摹的过程中学生们熟悉了基本绘制过程，加强了形象的记忆力、理解力，为获得多方面的想象创造了条件。将蒙古族民间美术审美教育引入艺术设计，不是简单的继承传统，而是“取其精华，弃其糟粕”，用发展的眼光审视民间美术。引入过程可以概括为如下两个步骤：一是“知其然，亦要知其所以然”，深入了解内蒙古民间美术的精华和其蕴含的思想内涵；二是找到民间美术和艺术设计二者相互转化的通道，从民间美术中精炼代表元素，再将代表元素用现代艺术设计的理念转化为全新元素。这一全新元素既能体现现代设计理念，又能表达传统民间美术思想；既开拓了艺术设计取材的眼界，又满足了现代人们返璞归真、崇尚本源的心理需求。
三、艺术设计教学中对内蒙古民间美术的传承与创新
1.转变思想，对民间美术科学地传承与创新
黑格尔说，艺术的要务不是收集，是创造。因此，艺术设计学习的终极目的便是创作。艺术设计在走向世界的同时保持民族风格是目前艺术设计的发展趋势所在。这是一种超越和升华——民间美术通过艺术设计的形式得以继续流传和发展，艺术设计则因融入了民间美术而增强历史感和厚重感，两者相得益彰。在教学中，教学双方都要对艺术设计和民间美术有清醒的认识，二者的本质是相通的，仅存在表现形式的差异。我们要将民间美术最本质的、最本源的东西挖掘出来，再将其应用于艺术设计之中，依照这样的思路才能既继承了民族特色，又通过艺术设计表现把民间美术文化精髓传承下去。民间美术是本源，是地下水；艺术设计是地表水，通过利用二者共同性的方法，是把地下水抽取到地表上来，让地下水不断补充地表水，这样地表水可以不断的有新鲜的内容推动其向前发展。依据本源的特点选择不同的方法进行研究则事半功倍；若是本末倒置必会误入歧途。
2.采用多种教学方法，吸取内蒙古民间美术精髓
1.回归自然思想指导
随着现代工业的发展，环境污染和破坏所带来的生态问题也越来越严重。环境保护是当前人们急需要加强的。环境艺术设计师在设计的时候，就要使理念不断的回归自然，通过一些自然化的手段，使人们在生产、生活的时候，能够很好的联系到自然，从而使得心灵上面的放松。在艺术上，要强调室内环境的设计，从而使得其创意和功能能够达到和自然和谐处理的效果。很多设计师在设计的时候，运用一些花草来点缀室内环境，从而使得室内环境的提升。在材料的选择方面，应该以环境保护为核心，强调自然的理念，从而使得室内的人文环境和自然环境能够给你更好的集合。
2.生态文明观对室内环境设计的具体指导
运用生态的建筑模式来营造一个良好的室内环境。营造一个舒适、健康的室内环境，首先需要有一个科学、良好的外部生态构架。工程建筑模式，要跟根据工程所在地的环境特点，从而运用科学的生态观运用先进的科学手段，合理的安排建筑以及周边的环境关系，运用一个科学的技术手段，合理的对现建筑以及周边的生态环境进行进行安排，使得建筑和周围的环境良好的结合，使得人与自然环境能够很好的良性循环。目前我国建筑模式的特点主要是：使用非粘土的砖体，使得人类在生产活动的时候减少对土壤的破坏，利用新型的材料，从而减轻工程的自重，隔音、隔热小朵，利用双层的玻璃来减少噪音的传播，同时也起到了很好的保护的作用，利用新型的太阳能，从而实现可再生资源的利用，减少生活垃圾的产生。生态建筑模式应该为室内施工环境创造一个良好的条件，在进行装修的时候，要充分的利用这些条件，从而能够更好的营造一个舒适的室内坏境，这就使得在进行室内装修的时候，减少了装修的时候对环境的破坏。通过简单的造型，减省的材料，来构建一个舒适的室内环境，在当今社会，文明一直大力的倡导简约的、健康的、可持续发展的室内环境设计理念。就室内设计而言，不论在国际还是在国内，简约注意一直都是贯穿室内装修的整个过程，究其原因，简节的造型不仅仅不容易导致审美疲劳的产生，还能够最大限度的满足人们的审美需要，简约的室内装修风格，不仅仅蕴含着生态文明的精神，而这个精神和现在社会注意的旋律则是相辅相成的，利用自然的建筑自身的朝向通过玻璃采取自然光线，保持空气的流通，充分利用建筑自身的条件，使得热传递效应使得室内的温差比较合理，从而营造一个和自然相互接近的物理环境，而在室内的装饰运用，应该用适当的绿色植物进行装饰。从而使得室内的空气更加清晰，增加自然的气息。在装饰材料的选择方面，尽量使得生态环境的材料，以使得室内的环境更加有利于人类的健康。在选择具有化学成分的材料的时候，要使用正规厂家生产的符合国家标准的材料，尽量使得室内的环境的污染降低到最低，在设计的时候要注重对资源的节约和资源的二次利用，使用可循环利用的材料和产品，开发和使用可以循环可利用的材料和家具，通过水的循环利用，从而使得生活废水的减少，从而节约水资源的利用。合适的运用照明、通风设备，以便能够使用资源能够更好的循环利用。利用太阳能、风能以及其他的可再生资源，从而使得室内环境的更加清晰。室内环境的污染，主要来自于装饰材料，在装修的时候，如果使用不合适的材料会使得污染更加的严重。比如：现在的装饰材料，往往包装都比较好，而包装材料的丢弃会照成严重的环境污染，因此，在装饰在购买的时候，需要尽可能的使用包装简单的材料，以减少装饰垃圾对环境的污染，在使用一些比较奢华的视觉效果的材料时，总是喜欢采用一些比较昂贵的材料，而这些材料在运输的时候，需要使用运输工具，这样既增加了能源的消耗，也增加了环境的污染，因此，在进行设计和施工的时候，尽量使用当地的材料，从而减少运输过程中对环境的影响。
3.生态文明观对室外景观环境设计的具体指导
合理的利用土地资源，从而进行生态、自然环境的设计。绿地是现在城市的肺，不仅仅能够给居民提供自然的空间，同时也能够对城市的小环境起到一个调节的作用，从而对整个城市的环境起到了一个重要的作用。再以混凝土为主的现在城市中，一些可以提供城市休闲的绿色环境，可以营造一个良好舒适的城市环境，在涉及到一些景观设计的时候，应该尽量运用各种植物、水等等各种景观，要保证景观的空间有足够的绿地系统，从而凸显现在设计中的自然生态景观，从而满足人们亲近的自然景观，在景观的设计者，应该尊重设计区域内的环境，自然资源的和谐相处，要有效的利用现在的自然条件，避免大规模的工程改造，以避免自然资源对现在社会生活环境的破坏。在景观的设计中，要很好的利用当地的地形、水土和植被情况，避免对自然的大规模的破坏，避免对当地的气候和生物链的破坏，从而减少对生态环境的影响，而现在景观设计的主要目的就是为了使得人类能够更好的近亲自然，了解自然，从而达到人与自然的和谐、协调的发展，从而避免认为对自然的破坏。因此，根据生态环境的建设，文明在进行设计的时候，应该充分考虑整体的山水格局的连续性，很好的保护和恢复湿地系统，从而使得城市的绿色体系能够很好的结合。在当地的生态文明景观建设的是，应该在不破坏城市绿色系统的时候，适当增加人文景观，以使得人文景观能够更好的满足当前使用者的需求。在景观设计的时候，应该重视植物的多样性，从而使得其能够更好的和本土的生产服务功能结合。从生态学的角度看，过于单一的植物环境，在进行人工绿化时，为了使其绿地系统能够更好的服务人们的生活需求和审美，所以在景观设计的时候更需要注意物种的多样化和物种的本土化，一方面要使用物种的多样化，利用物种的多样性，其相互作用来改善生态环境，另一方面，物种多样化要能适应本土的生态环境，以避免或者过多的购买植物进行绿地设计，尽量利用本土的物品和当地的植被，一能够更好的适合当地的环境，避免购买和移植异地的植被而照成生产困难的问题，同时也要预防好异地植被对当地植被的生物链的破坏。在进行景观设计的过程中，应该避免一些体积过大、耗能过多的景观，从而减少成本的使用。在现在景观设计者，不应该追求那些华而不实的、功能消耗过多的情况，避免片面的追求那些华而不实的、设计消耗巨大的那些情况。因为选择比较多、人流量比较少，使得许多设计的景观设计会出现闲置的状态，这种华而不实的设计，不仅仅会造成土地资源的浪费，而且也对水电的消耗浪费也非常的大，这个和现在社会的生态文明建设相背的，在进行现代景观设计的时候有脚踏实地的以人文服务为基础，才能够使得现在社会的景观设计更加服务于现在社会，使得人文景观更好的服务于人。
二、结语
（一）对纤维艺术风格的影响
自21世纪以来，蒸汽机的发明给人们带来很大的工作效率，机器造就出来的物质往往以工业化的方式呈现在人们的眼中，继而融入到生活当中。但这种方式质量没有手工精致，对艺术家的创作风格也受到了限制，但却给艺术家带来新的机会，能够让艺术家在艺术风格上和材质上有了更多选择和可能性。例如麦秆、绳带、玻璃、纱网、衣服，皮草，亮片、芦苇等都被当代艺术家巧妙灵活运动到艺术作品中。
（二）对创作艺术素材的影响
如今科技的发展迅速，为了扩大纤维艺术素材的应用范围，不断地研究，使其在应用过程中能够达到人们的需求。传统的纤维素材很古老，当代已经能够在取材中得到很大帮助。现在的高科技、网络、信息、3D技术等都有着高速的发展，此类科技均可以运用到纤维艺术的创造中。然而随着科技的发展，纤维艺术的创作已经从二维空间到三维空间以及更多立体。
（三）纺织科技进步对纤维的影响
“纺织”在中国历史上有着悠久的历史，近几年来科技技术的发展非常瞩目，绿色纤维、再生纤维和再生涤纶，都是纺织工业的技术衍生品，在石油紧缺的情况下，可以使用工业科技创造艺术品。如今大家比较熟悉的聚酯纤维，亚麻纤维，聚酯纤维和亚麻纤维的面料越来越多，纺织科技的进步与技术为当今的艺术家们提供了更多的想象和创作空间。
二、当代纤维艺术色彩运用的多元化特点
（一）材质的多元化
现如今，人们对纤维艺术有着很高的标准，对材质方面要求也很高。让人们在材质的选择上了有更多新的突破。例如皮革、毛线、布匹、塑料、金属等都可以被人们利用，运用到自己的作品当中。在当代纤维艺术设计品中，装置艺术、策划艺术、舞台灯光效果、摄影艺术等现在艺术都在努力加强，这些工业文明的痕迹都是纤维艺术的主要取材对象。
（二）编制方法的色彩多元化
材质的色彩在纤维艺术当中占有重要的位置，材质的色彩在编织过程中并非一成不变。纤维艺术方法的编织色彩都可以运用到平纹组织、斜纹组织，编织出的效果色彩丰富，根据艺术品的不同编织手法，会给人带来多种的感受。因此纤维艺术的编织方法可以让多元化色彩的发展成为可能。在编制方面，选择的不同颜色能够为作品带来不同的反响，让人们也多了几分选择。纤维艺术家在同一件作品中使用不同的编织手法以及色泽上的使用，就可以在原有的基础上达到更好的创新视觉效果。
三、当代纤维艺术设计理念的多元化
（一）“去中心化”格局理念的多元化
“去中心化”的理念在纤维艺术中有很明显特点，这种特点非常显著。随着西方文化水平提高，思想活跃，人们观念也逐渐变得开放，能够突破传统思维理念，对“去中心化”有着独到的见解。“去中心化”的格局理念逐渐面向社会，转向多元化理念，这种“去中心化”在当代纤维艺术理念中的应用居多，并且也得到了广大创作者和消费者的喜爱。
（二）审美形态理念多元化
随着科技水平的不断提高，人们在科技方面有了较高的成就，其中，全新的设计理念是能够在自己的艺术品中融入多种的科技方法。例如：印刷、复制、染色等都会被艺术家所采用。但也有不少纤维创作者在创造中反对使用科技，更注重传统的设计方法，在设计中更注重包括工艺、材料、色彩等方面的因素。当代纤维创作者接收的不同讯息，使其在创作中也加入了多元化设计理念，所以，当代纤维设计创作能够更加繁荣。
（三）情感多元化
情感多元化是指在纤维艺术品的创作中融入设计师的个人情感，通常，设计师喜欢在自己的艺术作品中加入自身的感彩。例如韩国著名的纤维艺术家刘贞惠，她在写作的时候对“爱”情有独钟，在其作品中有很强的表现，至今一直围绕着这一主题来创作。她的作品中既体现了她对人生的认识与理解，也体现了艺术家自己的情感因素。而她的作品当中不仅仅是对“爱”的表现，还有用垂直状来强调女性的身份特征，她用隐含的方式在她的作品中体现出她的生活质量。她将各种方式尽可能地在作品中能够体现到“爱”。
四、结语
培养综合、应用实践能力强的艺术设计人才成为高等艺术设计教学的现实主题，因此，艺术设计专业需要优化教学内容、方法，转换思维，转变观念，以绘画为本位的素描教学基础也应顺势适应以设计为本位的转变，实现删除重复内容、整合交叉内容。在转换和优化的过程中也应各有侧重：素描是培养学生利用肌理、图形、质感、量感等感官变化、微观特征来表现对象；艺术设计是培养学生对于构造关系的理解、增强应用实践能力的提升、创造性思维训练的强化；将二者结合，可探索一种新肌理、新质感、新材料、新形式等等的表现手法，尝试设置一种亦写生、亦创作的开拓性命题式教学训练模式，培养学生的观察、想象、分析、表现能力。
1．素描的创新发展演变
素描，是用单色描绘的形式进行造型训练、培养造型能力的独立画种，是绘画艺术的基础，也是关联其他造型艺术的纯艺术。素描亦是一个历史范畴，即随着时展变化演变着。素描架上艺术初始于古希腊时期，画家们开始利用透视法和明暗法来造型，直到千年后的文艺复兴时期，西方的科学、理性精神逐步渗透影响了绘画艺术的发展，透视法和明暗法也逐步成熟起来，利用客观事物写生之法，发展出了新的素描表现形式和手段。16世纪至19世纪，素描由传统的作坊式传授发展至学院式教学。19世纪，素描的基本法则日趋完善，光照原理和色彩学也更加影响了明暗法的发展。进入20世纪以来，西方的造型艺术，尤其是素描绘画中，更多地注入了画家的主观感情表现和变化，尤其是受到东方艺术的浸染，其表现形式更加异彩纷呈。中国传统素描教学，其最初表现形式是以“线”为主的白描，绘画与叙事、抒情功能紧密相连，人与物的交融更具东方式的神韵。自二十世纪初开始，中国的素描教学受西方教学体系的影响，也发生着急速的变化，即三十年代西学体系的逐渐普及；五十年代苏联教学模式的渗透；八十年代改革开放大潮影响下的多样发展；二十一世纪，工业化、信息化急速发展环境中，人文价值、审美价值标准的提升，使得素描教学中培养学生创新能力、与实践相结合的要求更加迫切。
2．素描与艺术设计教学创新的关系
素描艺术的特点即外延广、内涵丰，在现代教学模式环境下，应该深入挖掘素描教学对于培养学生创造力的巨大潜力，塑造更具人文精神内涵的个体。在艺术设计学逐渐独立于绘画门后，其专业教学内容逐渐细化，与之相关联基础训练素描教学部分，也从绘画素描演变出设计素描，即以线条为主的透视画法，只反映客观对象的隐性结构体。二者教学规范不同，规范化、模式化的素描训练对于艺术设计教学也是有着负面影响的。现代主义、后现代主义中，其哲学、美学、艺术思潮、现代媒介符号、新的艺术表现手段等等，日渐刺激着传统艺术中缺乏洞悉、敏感、活跃、理解的视觉作品的淘汰。素描教学的创新必须加强实践，而创新又是艺术设计的本原，从设计学习出发，重构素描与艺术设计教学之法，如素描中外部造型元素和内部结构要素运用之处的变换、改造、创新，将素描创作的象征、暗示、能指运用于艺术设计之中，将静止的客观再现改变为一种动态的思辨，将素描中的灵动之法结合到艺术设计的自我创造之中。
二、素描与艺术设计教学结合的应用原则
在继承传统、融合新时代审美要求的社会语境下，素描与艺术设计都面临着运用现代技法和创造性思维进行教学和创作，摆脱技术模式的禁锢，新的法则和规律势必要在探讨和实践的过程中寻找。基于实践经验，探讨二者结合应用之基本原则为：传承性、创造性、实践性。
1．传承性
西方艺术中新的流派、新的美学观念颠覆了传统艺术的非理性、客观性，在艺术行为过程、创作材料和创作领域中，采用了多角度、多维度、多元素的创作实验，如超现实主义、纯粹主义、极简主义、观念主义等等。我国传统艺术中的意象造型观念融纳了深刻哲理和观念。道法自然、物我两忘的观察法则蕴含了超脱的造型观和意识论。在素描和艺术设计教学中融入并加强中西方艺术中的造型观是培养高校学生创作能力的有效方法，不能将西方块面式的素描和东方线条式的白描简单的归同于造型之法，更需要将二者的意象观念渗透到多元化的教学之中。
2．创造性
传统的素描教学强调客观事物的再现性，而缺乏表现性和能动性。素描教学科结合艺术设计教学中的主观能动性，用视觉探索事物的多维度信息，进行再分析、再判断、再解构、再整合，艺术设计可借助素描绘画中的写实、变形、肌理化、意象化等等表现形式进行设计创作的视觉化再创作。素描工具、材料的潜能也是强化肌理语言的重要手段，材质的表现形式训练亦可培养学生的创造能力，突破常规。新肌理语言的创造能够激发学生的创作欲望，也是发挥意象造型的途径。
3．实践性
现代素描教学意在强调结构、分析，根据艺术设计专业课程的需要，素描的功能更加宽泛，如建筑设计素描中的结构分析性、产品设计素描中的几何结构表现性、环境艺术设计素描中的综合空间形态的表现性等等。素描的抽象语言元素包含：点、线、面、形体、比例、结构、空间等，利用这种复合抽象元素可以加强学生在艺术设计创作中的独立创造能力，在抽象图式、符号、意境的训练内容中，可将微观的情感元素转化、整合成有独特意味的抽象图像，从而调动学生的自我表现能力。
三、利用素描教学特点加强艺术设计专业课程中的应用研究
1．整合素描与艺术设计教学的特点，发挥优势
传统的素描训练内容是有明确的方法和步骤的，其目的是提高学生对于造型的把握能力和画面空间的组织能力，具有科学性和合理性，在授课过程中应当保留这部分的教学内容。长期的写实性素描训练是培养学生的综合能力，而关涉艺术设计的设计素描则是短期的，且具备实效性。因此，在二者教学改革的应用当中应做到如下几点：一方面，保留素描教学训练中科学合理部分，加强学生对于素描基本原理、绘画规律的掌握能力；另一方面，利用素描教学中的主观性和创造性来开拓学生的创作思路，以本能的表现欲望来反对机械的技术性再现，突破传统思维惯式，为艺术设计专业课程的传授奠定基础。
2．利用素描教学的表现性调动学生的主观能动性
素描注重学生的动手能力，大量写生的实践活动易造成学生的倦怠感，为此，应作出适当调整，将重点转移到艺术表现力的培养和反应时代特色的专业性训练上。通过大量表现主义绘画作品进行横向、纵向比较，主观化、自由化、感人化的作品势必能够打动观者和学习者的内心。在教学过程中要注意调动学生的积极性，在一种愉悦的心境下更易于学生充分发挥创作能动性，开拓自由空间，营造一种和谐的学术氛围。对于艺术设计专业的学生来说，设计素描强调结构与设计的应用，线条的力度、构图的形式是艺术设计教学中培养设计思维能力的重要手段，但在高校教学中，依然还存在素描写实描绘的原样照搬现象，要想达到教学方法的实效性，必须扭转这种弊端，将素描教学的重心调整，加大学生对于表现力的培养，使教学目标更加明确，才能使得设计功能和意境更加清晰的彰显。
3．加强理论学习深度注重综合能力培养
（一）丰富拓展了艺术设计的表现内容
传统的艺术设计需要投入很多的人力，需要很多的手工操作，费时费力，工作量大，工序复杂，工作时间长，同时创作具有单向前延性，不具逆转性，一旦着手，并不能回溯，出现问题必须重新开始。运用新媒体数字技术能够根据创作者的主观想象，灵活自如地调动各种色彩、线条和图形元素，创作出异常逼真乃至超越现实的艺术作品，而且能够根据审美标准和预定效果，及时修正，因为现代化的新媒体数字技术具有强大的撤销功能，能够根据需要随时修改，能够后退和前进，反复比较，给设计者提供了更为广阔的表现空间，也留给了设计者更久的创新时间，尤其是能够根据互动及时调整自己的创作表现形式，甚至根据自己前后的审美感知，在实践中即时调整自己的设计中的审美标准以及创作表现。随着数字化技术的不断进步，各种网络传播形式和速度的变化，尤其是各种新媒体艺术设计软件和硬件产品的不断推出，借助新媒体技术能够设计出更加丰富多彩的作品形式。比如，智能手机、网络云电视、虚拟互动媒体不断出现，都将给新媒体艺术设计带来更加多样的展示平台。传统的艺术设计将会受到更大的冲击，新媒体艺术设计也将为艺术创作带来更富新意的创作表现形式，不断丰富和拓展艺术设计内容。
（二）拓展传统艺术设计的思维外延
新媒体艺术设计是一种全新的设计理念，给传统的艺术设计带来了强烈的震撼，促进艺术设计领域进行深度变革，影响了每一个设计者的心理、环境和对象，极大地拓展了艺术设计的思维。传统艺术设计在新媒体艺术的影响下，不断在传承中谋求变革，运用更新的科技元素，实现传统艺术设计的现代化，尤其是通过现代新媒体数字技术让作品更加彰显人性。创作手段的变革推动创作思维的拓展，创作思维的延伸又进一步促进艺术设计向更宽更广的领域拓展，推动艺术设计的快速发展。
（三）促进传统艺术设计手段的花样翻新
传统的艺术设计都是依靠纯手工绘制，借助常规的纸笔、规尺工具，通过勾形、渲染等方式手段设计艺术作品。所有的工序都沿着一个正向前延，不可逆转，更改设计异常繁琐，甚至需要重建，费工费料，效率低下。运用新媒体数字工具可以完全替代传统的手工，各种软件不断涌现，虚拟工具层出不穷，手段不断翻新，高仿真模拟，实现比传统艺术设计更加逼真的效果，根据需要能够快速修正和重新润色，有效克服了传统设计的不可延续性的弊端，实现构思、设计、修正、制作、使用的反复性和连贯性，大大提高了工作效率。
二、结语
本文关键词：不悔产品文化意蕴设计
摘要：随着知识经济时代的到来，文化与企业、文化与经济的互动关系愈益密切，文化的力量愈益突出。对于制造行业来说，这种文化色彩首先体现在企业的产品上。就是说，企业生产的产品决不仅仅具有某种使用价值，不仅仅是为了满足人们的某种物质生活需要，而且越来越多地考虑人们的精神生活需要，千方百计地为人们提供实用的、情感的、心理的等多方面的享受，越来越重视产品文化附加值的开发，努力把使用价值、文化价值和审美价值融为一体，突出产品中的人性化含量，满足人们日益增长的生理的和心理的需求。
对次，我们需要发掘自身文化、研究自身文化、发展自身文化的价值，并创造性地将它融入企业的产品设计当中，丰富产品的文化意蕴，提升产品的附加价值。这需要我们自身加倍努力与探索。
因为，未来的企业竞争将是文化的竞争。
关键词：企业文化产品文化产品形象
一、产品、产品文化、企业文化
什么叫产品？狭义的理解，只是工厂生产出的实物，如食品、服装等。广义的产品概念，包括有形的和无形的，凡是提供给市场的、消费者认为可以用价值来衡量的，或使用后能满足消费者某种需求、某种欲望的一切，都可称之为产品，例如服务、咨询也是产品。
所谓产品文化，是以企业生产的产品为载体，反映企业物质及精神追求的各种文化要素的总和，是产品价值、使用价值和文化附加值的统一。随着知识经济时代的到来，文化与企业、文化与经济的互动关系愈益密切，文化的力量愈益突出，这种文化色彩首先体现在企业的产品上。就是说，企业生产的产品决不仅仅具有某种使用价值，不仅仅是为了满足人们的某种物质生活需要，而且越来越多地考虑人们的精神生活需要，千方百计地为人们提供实用的、情感的、心理的等多方面的享受，越来越重视产品文化附加值的开发，努力把使用价值、文化价值和审美价值融为一体，突出产品中的人性化含量。换言之，企业产品不仅是技术和工具的产物，而且是员工崇高理想和自觉奉献精神的结晶；不仅凝结着一般的抽象的人类劳动，而且凝聚着职工无限的创造力，是企业员工群体特定的价值观、思维模式和心理的、知识的、能力的综合素质的体现。说到底，产品深深地打着企业文化的烙印，二者相融相合。
一定的产品文化与它所处的社会文化背景是紧密联系的，也与生产或提供它的企业文化密不可分。产品文化是社会文化与企业文化共同作用的产物，在社会文化背景相对稳定的情况下，产品文化更多地体现的是企业文化的内容。产品文化是直接作用于社会广大的消费者，消费者更多地是从产品或服务的消费中来体现企业文化的。对其企业的认同和对企业文化的认同，是通过接受其产品与蕴涵在其服务中的产品文化来实现的。
产品文化与企业文化紧密联系。产品或服务是企业生产的成果，任何一种产品和服务都是在企业中生产和形成，既受到一定的企业文化的制约，又凝聚了生产它的企业文化因素。因此，产品文化是企业文化的重要组成部分，也是企业文化的一种体现。
换句话说，企业的精神、风格和价值标准将在企业所提供的具体的产品和服务之中得以体现。这正是我们在强调企业文化建设时，同时强调产品文化的原因之所在。
二、未来企业竞争更是文化竞争
10年前，烧鹅仔在北京方庄首开中国式快餐连锁服务，它既有中国传统的美味，又能适应现代人快节奏的生活。这种营销理念在当时是超前的。与此同时，在方庄还诞生了一家麦当劳，同烧鹅仔一样，引得八方来客，叫好声不绝于耳。此后，烧鹅仔分店曾达到近百家，与麦当劳共存共荣。
10年后的今天，若想再到烤鹅仔处一饱口福之时，却发现“此地空余黄鹤楼”，烧鹅仔早已倒闭。但麦当劳一如十年前，红红火火，人流不息。有好事者询问麦当劳方庄店经理原因，他回答：“麦当劳出售的是企业文化”。
当今世界上经济与文化融为一体的发展趋势非常明显。企业的经营管理活动往往与企业文化密切结合，不可分割。企业在市场激烈的竞争中，文化的含量、附加值越来越高。我们正处于知识经济的时代，对文化领先和知识创新更加注重。
中国加入WTO后，越来越多的外国企业必将进入中国这一庞大市场，高举“文化竞争”的旗帜圈地圈钱，文化竞争将成为未来国内企业与外资企业进行“商战”的主旋律。企业的竞争将更快进入商业文化竞争时代，国家之间的竞争带有更明显的文化竞争色彩，更多的类似于烧鹅仔和麦当劳的故事即将上演。事实上，这样的战斗在麦当劳、阿迪达斯、耐克等国外名牌进入中国后就已打响。外国企业在登岸之时，必将带着各自企业的文化理念和经营管理方式，在中国市场攻城掠寨。在未来市场竞争日益激烈的情况下，忍气吞声绝不是办法。我们需要发掘自身文化、发展自身文化的价值，并创造性地将它融入企业的产品设计当中，这需要我们自身加倍努力与探索。
现代企业需要现代的企业文化。对企业文化内涵的研究，不断提高文化的附加力，是企业核心竞争能力的重要内容。那么中国在加入WTO后，中国企业将如何应对这种文化的看似无形却有形的竞争呢？国内制造型企业还沉湎于“价廉物美是一个永远的胜律”，没有认识到“产品文化”的价值。企业家将如何从企业文化的层面来更新各自的产品管理理念、产品文化呢？在产品或服务层面值得我们思考：这一层面上的文化营销就是推出能提高人类生活质量、推动人类物质文明和精神文明发展的产品或服务，并能引导一种新的、健康的消费观念和消费方式。
三、厂家不仅是卖产品，更是卖文化
今天的消费者，购买产品已不单单只是为了使用，同时对其是否符合自己的审美情趣也很看重，特别是年轻消费者，对产品怡情诉求更为强烈。因此，企业在文化创牌努力中，有意识地将符合消费者怡情诉求，象征人们特有的审美情感，体现现代人的价值观，顺应大多数消费者的消费行为导向的文化内涵融入自己产品，就可以产品为载体，向品牌投入文化，在满足消费者怡情的心理诉求的同时，取得他们对产品文化的价值认同，实现自己附着于产品的文化识别。产品符合了这样的人文需求，就能以其独特的人文含量在情感上打动消费者，使其因怡情需求而积极购买你的产品，实现情感营销的高附加值销售方式。
生产产品的最终目的是为了将它卖出去，在买方市场的今天产品的文化内涵也决定了产品的市场前景。有位资深的经济学家说过，“产品的一半是文化”，“文化也是商品”。当我们习惯于在大街小巷听“正宗牛肉丸”、“地道煎肉包”的吆喝声时，在一些经济发达的国家和地区，就是有人在卖产品文化赚钱了。美国有名的化妆品制造厂露华浓公司总裁C·雷布隆先生就以“口红不是化妆品，我们让美流行人间”的经营宗旨而取胜于市，闻名于世。
以研究购物心理而闻名的V·帕卡特，在其《隐藏的说服者》一书中这样写道：也许“生意人你不曾想过，如果卖的不是发油而是希望，如果卖的不是桔子而是新鲜的活力，那将会怎样?”不少企业的经营者在产品营销过程中仍沿袭着“黄婆卖瓜，自卖自夸”的老方式，侧重于产品本身的宣传，在文化韵味和服务方面的宣传不够而造成产品压库严重的现状，我们大有必要加强产品文化的宣传。尤其在市场推广广告策略的制定上善于将企业产品的核心价值进行提炼，赋予其特有的文化内涵。须知，当今许多购物者的消费心理日趋成熟，他们除了看中产品质量外，更看重的是企业形象和售后服务。“卖啥偏不吆喝啥”的高明之处，在于使顾客在潜移默化中认识你的企业形象的同时，进而对你的产品产生好感。我国的红豆服饰、娃哈哈食品等企业注重产品的文化宣传，并取得了可喜的成效。
四、设计以文化为底蕴
设计的核心是人，所有的设计其实都是围绕着人的需要展开的。设计承载了对人类精神和心灵慰藉的重任：年轻的消费者购买商品是为了张扬个性和焕发蓬勃的青春活力；年壮的消费者购买商品是为了填补青春已逝的失落和展示成熟与自我成就感；年老的消费者则怀者一股浓浓的怀旧感和饱经沧桑的平静感购买消费品。因此产品是反映物质功能及精神追求的各种文化要素的总和，是产品价值、使用价值和文化附加值的统一。随着知识经济时代的到来，文化与企业、文化与经济的互动关系愈益密切，文化的力量愈益突出，这种文化色彩首先体现在企业的产品上。就是说，企业生产的产品决不仅仅具有某种使用价值，不仅仅是为了满足人们的某种物质生活需要，而且越来越多地考虑人们的精神生活需要，千方百计地为人们提供实用的、情感的、心理的等多方面的享受，越来越重视产品文化附加值的开发，努力把使用价值、文化价值和审美价值融为一体，突出产品中的人性化含量。
以人为核心进行外延，有什么样的需求，就会产生什么样的设计。人类最初的设计，正是针对人们最普通最基本的需要展开的。几千年来不同的民族，不同的地理环境沉淀了不同的文化。不同民族、不同时代的消费品蕴藏着的不同的审美情趣、审美理想、审美追求，表现出不同的民族性格、民族心理和人们对自我实现的不同追求。
设计需要创造。如果没有创造，世界将是一幅模样，但创造是有基础的，不同的地区有其地域环境、气候条件、经济情况、人文思想、民族习惯等等不同。表现在设计方面，每个民族都有自己的特色。比如法兰西民族，地处温带海洋性气候，良好的生活环境造就了法兰西民族追求美妙而浪漫的生活习惯，时尚成了这个迷人国度奉行的生活准则。时装、香水这些体现浪漫、时尚的载体成了这个民族的代名词，洛可可风的延存与装饰艺术运动的渲染形成了一种华丽、经典的法国浪漫风格；德意志民族则不同，气候干燥、多山的自然环境造就了严谨的德国人。因而，德国的设计体现出了严谨、重功能的品质，就连较为倾向艺术性的平面设计在这里也自由不起来。包豪斯是其代表，乌尔姆设计学院提出的设计就是科学技术，从而形成重功能、技术，缺乏艺术感的德国风格；与之相反,美利坚民族是个民族大融合，渴望自由的环境下造就了设计的幽默感与随意性。短暂的历史，自由的人性，使美国设计更具轻松、乐观的色彩；中华民族历史悠久，地大物博，人与人，人与物之间讲究和谐共处，因此在自我实现要求上表现得深沉含蓄又强烈突出，反映出一种深层次的文化内容。总之每个民族都有自我实现的愿望和追求，都在用自己的方式（包括产品设计）表现自己，借助有形的实体表达民族识别要求和寻求民族认同感。
社会文明的不断提高，使越来越多的有识之士意识到了设计的文化内涵问题，设计必须融入当地的文化进去才可能得到持续性的发展，特别是在中国这样一个地大物博、人口众多，处于东亚文化核心地位的国度里，更是需要迫切解决的问题。设计的文化内涵并不是对传统中国文化的肤浅理解即“形”的简单套用和照搬，而是要将传统中国文化的精髓即“神”融入进去。香港的著名设计师靳埭强的成功，就是因为他懂得如何将浸五千年的中国文化如中国水墨文化、儒家文化之精髓融入设计中。儒家的审美标准用一个字来概括，就是“和”。“和”体现包容性，包容性必然衍生多样性。而多样化也是造型与装饰在注重整体效果之下的多样性。把“和”的观念应用于造物工艺之上，就体现在形式与功能的协调结合与造型的多样性。古代工艺产品中讲究和谐，讲究节制，过分强调设计中的某一方面，必然会导致失“和”。这也就是为什么我国古代艺术家的造型审美趣味很少指向“五色”、“五音”、“五味”等炫人耳目之物，而更多指向“朴素”、“平淡”一类对象的根本原因所在。具体表现在艺术创作和欣赏中，就是“尚清”的审美追求。从这一层意义上来说，中国古代审美要求“内敛”，正是美善统一的自觉要求。“和”还体现在“天人合一”，表现在造物设计上就是体现“形式表达情感”的设计理念，对消费者来说购买的不仅仅是产品的使用功能，他们需要通过让人赏心悦目的形式购买包含其中的人文价值、精神关怀和自我意识。从人类文明发展史来看，明式家具实际上是中国传统文人士族文化物化的一种表现形式，它比较突出地体现了中国传统文人士族文化的特点和内涵。因此，明式家具无论是在造型上、材料上、装饰上、工艺上都体现出传统文人文化的特有的追求：自然而空灵，高雅而委婉，超逸而含蓄的韵味，透射出一股浓郁的书卷气。中国提倡谦和好礼，廉正端庄的行为准则，在造型上，明式家具造型浑厚冼练，线条流畅，比例适中，稳重大方。从某种意义上说，用明式椅歇息，或许不是最佳方式，但它在仪式、社交、伦理上，却甚于休憩的功能，明式椅对于使用者而言，似乎更在乎于一种文化上的慰藉。
设计是一种把人们的思想赋予形态的工作，设计就是将所有的人造物赋予美好的目的并加以实现，优秀的设计是真善美的体现。设计从过去对功能的满足进一步上升到了对人的精神关怀，这是在设计中融入文化，增加产品的文化附加值的根本所在，这也是设计师的责任。
五、产品设计中的文化意蕴
企业的文化是市场给与的，严格的说是消费者所给与的——一种企业在消费者心目中所建立起来的形象。企业形象建立靠的是企业自身的产品，而不是空洞的口号或其它——因为可以支持企业生存的是有市场的产品。企业所有的一切活动，必然要围绕自身产品来展开，来强化既定的发展策略与形象。产品是企业的文化符号和承载体，是企业文化的化身。人们是通过消费产品来认识企业的，而不是相反。因此，通过产品，人们可以认识企业及其文化内涵。
1、产品形象
产品形象是通过产品表现出来的、在消费者心目中形成的关于产品及其企业的印象和情感。
产品形象是由多个要素构成的集合体。比如有形的物体、服务等和无形的感受。
产品形象是产品在消费者心目中的影响和情感。
产品形象是企业综合素质的反映。
2、产品反映企业文化
产品反映企业文化。一般来说，产品是通过以下几个方面来反映企业文化的：
a、产品反映了企业的价值观和理念；
b、产品反映出一个民族国家的文化传统；
c、产品的变化折射出时代的变化以及企业变化发展、文化的演进；
企业形象在开始时是靠规划的，但在企业中可以执行企业战略到具体形象——产品——上，工业设计是责无旁贷的一个关键环节，它的设计方向、风格是否和企业整体战略保持以一致，对企业文化建设将起到决定性作用。产品通过外观线型塑造、细节刻画、色调品位等元素的共性化处理，在市场与消费者心目中建立起的风格统一、特色鲜明的产品形象和产品个性。也就必然成为企业在消费者心目中的形象代言者。
现代工业设计产品通过整合策略性设计方法实现企业的设计形象（DI），并通过DI系统的实施面向市场推出产品形象（PI），使得企业产品具有家族性、延续性、共生性以及整体个性。所传达的是透过“风格”表露出企业深层文化底蕴和产品发展趋向，是企业文化最重要的核心，它的作用是超越CI（企业形象策划）的，是CI所无法比拟的。
3．产品整体概念与产品设计
任何一种产品都必须具备核心层、有形产品层、附加层，从而构成产品整体概念。
核心层表达了产品的效用或服务；
有形产品层包括质量、样式、品牌、包装、特点等五大特征；
附加层即是产品设计者所能提供的附加服务和附加利益，而这正是我们要讨论的产品的设计。
4．产品设计是大势所趋
随着人类生活水平的提高，对生活方方面面重新设计。杨振宁预言，21世纪是一个设计的世纪，产品设计更是商家必争之地。
产品设计既是对人们生活需求的满足，同时又是在超前性地设计着人们的未来生活，所谓设计创造未来，设计不仅创造美的形态，更是创造一种新的生活方式。因此，这一项活动必然随着人们文化水准的提高而越来越重要。
5．产品文化设计的四大要素
产品设计对企业及其产品来说都是非常重要的。这其中，关键是注意在产品中体现文化内涵。
文化情调对于绝大多数消费者来说，购买某种商品，往往要考虑商品的情调——那种能体现自己爱好、情趣、欣赏品味的感受。为此，产品的设计者应以情调为切入点。
文化功能产品设计者通过产品所表达出来的实用、审美功能。这是产品设计者的核心要素。因为这反映出商家及其产品的品位，同时也反映出使用者的价值取向、个性特征、身份地位以及文化认同的方向。
文化心理这就是要注重消费者的心理因素，切忌自以为是。
文化精神产品应体现出一个民族的精神和一个时代的精神，以及一个企业家的精神。
六、结论
一、创造性思维的具体概念
创造性思维虽然在人类的进化历程中具有非常重要的作用与意义。然而，什么是创造性思维，却没有具体的定义。很多人都崇拜那些给人类社会带来巨大改变的科学家、发明家，对他们所具有的创造性思维表示叹服。也有许多学者专门从事这项研究，然而目前我们关于创造性思维却所知甚少。对于其分析，我们一般通过思维分类的方式进行，主要包括了再现性思维与创造性思维。前者是一种重复性质的思维方式，是按照已有的知识以及规程按部就班反复进行的思维方式，这种思维方式具有严谨性，但却缺乏新颖性；后者的评判依据是结果是否具有新颖性与独创性。他与其他思维方式的主要区别就在于结果的不可预知性。因此，创造性思维的评判是从结果来看的，因此无法与逻辑思维或者灵感思维进行概念上的区分。因此，可以认为创造性思维是一种运用已有的思维形式结合新的思维方式而开展的一种思维活动，是一种既能反映事物的本质又能有所升华的新颖的心理思维活动。
二、创造性思维应用于艺术设计所具有的特点
1、情感体验性
艺术设计师在进行设计的过程中并非单纯的思维过程，实质上也是一种情感体验过程。在这个过程中，情感体验与思维密切联系，继而激发出创造性的思维活动。这是一个客观与主观相互作用的，虽然情感和思维在实质上是有区别的，但同时二者又是相互依赖的。而与艺术设计中创造性思维所伴随的情感通常可以分为两类，一类是一般性情感，另一类是高级情感。前者主要是指情绪，而后者主要是主要通过社会生活与社会实践而产生的关于道德感、美感的一些高级情感。创造性思维的情感体验促使情感上升到一个更加高级的层次。
2、情感实用性
在这个时代，设计师在设计商品时不仅仅只是考虑该商品的实际实用性，而更要从情感的层次给予消费者心灵上的慰藉。也就是让消费者从设计师的设计上感受到设计内心的那种情感那种热情。现在社会中消费者由于总被商家的各种广告宣传所误导，逐渐地不知道什么才能真正满足自己得需求。而那些知名品牌能够自始至终博得消费者青睐的主要原因就是在商品中，设计师在发挥创造性思维的同时融入了自己的情感，增强了设计的情感实用性，使消费者在满足自身实际需求的同时，也能够满足情感需求。
3、思维的独创性
创造思维的过程实质上是一个各种思维方式交织与碰撞的过程，在这个过程中，大脑的不懈运作，构思出了新颖独特的设计。从某种角度来讲，这种度独创性并非凭空捏造，这种独创性是指设计师从新的角度、新的层面发挥出一个旧主题未被发现的一面。如果将这种度创新理解为创造出曾经从来没有过的事物，那就是一种巨大的误解。而这种从陈年旧事中发现新鲜的能力才更能体现创造性思维的独创性。
4、艺术前瞻性
艺术虽然高于生活，但其实际上还是来源于生活的。而艺术设计中的创造性思维就是基于现实的已有的事物与信息来对这些事物的发展态势进行预测，从而通过预见与判断而调整事物的发展策略，这就是创造性思维前瞻性的体现。然而，这一特点在整个设计过程中可能具有间歇性与模糊性。作为优秀的设计师，必须具备创造思维的艺术前瞻性，并能够及时把握，从而在对目前的环境、信息进行多层次的把握，从而完成基于生活又高于生活的高水平艺术作品。
1、双主教学模式。这一新型教学模式在保留传统的“传导———接收”教学活动开展方式的基础上，更多地为学生提供了自主思考、自主探索的机会。艺术设计是一个自主创作的过程，在艺术设计教学中，充分利用双主教学模式，能够强调学生的主体地位，使学生的自主创造能力得到有效发挥。教师要注重情景的建构，使学生能够利用已有认知结构中相关经验对新知识进行顺化，并使其根据反馈信息形成对问题解决方法的自主构思。此外，双主教学模式还强调学生间的合作学习与多媒体工具的使用，学生在教师指导下组建学习团体，通过各类信息设备的支持开展相关理论、课题的讨论，使学生间形成思维共享，共同实现知识的意义建构。
2、3P1D教学模式。当前艺术设计的教学模式主要采用教师布置课题、学生搜集资料、构思、确定设计方案、设计图展示、教师评价的顺序，课堂上教师对教学过程的把握与学生交流存在一定缺陷，利用3P1D模式能够有效处理这些问题。这一新型教学模式要注重以下几个基本点：
（1）教学中的课题选择（Project）：教师的课题的选择上可以是实际设计项目或非实际练习，教师在备课阶段就要注重对课题内容的构想，在保障课题要求符合教学大纲的基础上，选择具有可操作性与时代性的课题，并根据实事求是原则制定规范的评定标准，便于学生把握艺术设计方向。
（2）课堂教学质量（Process）：教师要注意设计具有针对性的课堂练习项目，对学生的设计创新能力和审美意识进行系统性提升，在学生课堂项目评定上，教师要根据教学目标，结合学生的自我评价与相互评价对学生作品开展点评，最大限度激发学生的教学参与热情。
（3）设计说明（Description）：教师应把学生的设计说明作为其成绩的重要参考因素，培养学生对课题认识、设计方法探索、图纸模型绘制能力，在艺术设计过程中使学生得到眼、脑、手的全面训练。
（4）课题陈述（Presentation）：教师在学生进行课题陈述的过程中要注重对其设计构思、问题处理方式、语言组织能力等多方面因素考量，结合学生设计方案为学生指出设计亮点及存在问题，在设计实践中对学生进行设计师基本素质的培养。
二、艺术设计教学理论体系的完善策略
1、与时俱进，提高艺术设计教学创新性。艺术设计是一门更新速度极快的学科，在具体教学实践中，若只关注于学生对事物形态的描摹能力，则易使学生丧失应有的个性表达与自主创新能力。因此，要建立完善的艺术设计教学体系，教师首先要对教学手段加以创新，在课堂教学中可适当地融入新型教学手段与流行设计元素，充分发挥多媒体设备在艺术设计教学中的作用，利用具有时尚元素的影视剧展示等手段向学生表现艺术设计的美学价值，从而提升学生的审美情趣与自主创造欲望。
2、推进教学目标分层化。教学活动开展前，教师应针对不同学生对具体教学目标进行有计划、有层次的设定，例如大一学生要加强对基础课程的巩固，大二学生要实现专业课程的初步入门，大三则要全面提高专业素养。在完成教学目标时，可采用多种手段辅助教学，充分利用现代信息技术，艺术设计教学内容设计尽量做到简明扼要，让学生在轻松的课堂氛围中完成对专业知识的理解。
3、建立艺术设计教学整体框架。在图形技术、色彩、传播等艺术设计基础原理方面，有必要对艺术设计教学的整体框架进行科学建造。在课程体系的设置中，务必保证课程间的相互联系，建立系统的课程体系，使对学生的专业能力与素质培养能够始终贯穿在各门课程的学习中。
【摘要题】网络文学
【英文摘要】Networkarthasbeenbecomingapost-aestheticmodel,i.e.,subjunctivesymbolicaesthetics,joininglivingaestheticsandhappygame-playingaesthetics.Thechangesoftheseaestheticstylesareanaturalextensionofpost-modernistculturallogicinthetimesofnetwork.
【关键词】网络艺术/后审美范式/文化逻辑
networkart/post-aestheticmodel/culturallogic
【正文】
随着互连网的迅速普及，网络艺术日渐形成自己的艺术方式——基于网络技术的后审美范式。“后审美”是与现实主义审美、特别是现代主义审美相区分的概念，是网络时代新兴的艺术审美范式，它是后现代主义文化逻辑的必然延伸。
一、虚拟现实的符号审美
网络化的艺术审美是机械复制的“类像”(simmulacrum)符号审美，它运用数字技术“虚拟现实”(virtualreality)以拼合实在，形成可复制的无穷摹本，使艺术和自然的原初关系被数字化技术制作所取代，从而导致艺术创作从个性风格的表达向类像的机械复制转变。这便是法国后现代主义思想家波德里亚所揭示的“后审美主义”图景：模拟威胁着“真实”与“虚假”、“现实”与“想象”之间的差别，对象世界以技术逻辑控制主体，“数字化的冷酷宇宙吞噬了隐喻和转喻的世界，模拟原则既战胜了现实原则，也战胜了快乐原则。”[1]经典意义上的艺术审美惯例消失了，我们所拥有的符号远远多于其所指涉的涵义，拥有的影像也远远多于其可以阐释的价值。传播的体制所传播的不过是这个体制自身，影像所指涉的就是影像符号。于是，“文化”就成了并不指涉现实的影像的无限生产和增值。
互联网打造的艺术作品就是这样一种虚拟现实的视觉消费品。网络艺术犹如一种艺术的生物工程，它把一切实在之物拆解为断片式代码，再用数字化技术将这些代码组合成表面真实的虚拟物像，然后将其作为实在的代码来替代物像的真实，使组合拼贴而成的审美符号替代艺术审美本身。如果说过往的平面设计、工业设计、服饰设计、建筑设计、商业摄影、广告招贴等是源于实在的物像仿拟(Simulation)的话，互联网上的“界面影像”，如Flash制作、卡通化的LOGO（标识语）、角色扮演(RPG)的影视剧和MTV、艺术贺卡，以及花样翻新的网络游戏等，则将“真实的虚拟”拼合成了“虚拟的真实”，它类似于转基因生物，表面看来与实在无异，真实得近乎完美，但本质上仍然是人工技术的产物，如法国FredForest所揭示的：“它的基质来自无法触摸的信息技术资料。”[2]如：
虚拟偶像1995年日本就研制出网络虚拟偶像伊达杏子(KyokoDate)，她拥有自己的星座、嗜好、三围与血型，上过杂志封面，并灌制过激光唱片《爱之交流》，许多崇拜者还在世界各地为她设立网上歌迷俱乐部。好莱坞的电影《古墓丽影》走红影坛后，女主角劳拉立即被一系列电子游戏打造成了大名鼎鼎的世界头号偶像，她美貌出众，智慧超群，武艺高强，酷爱冒险，常常孤身一人闯荡江湖。号称“中国第一位虚拟偶像”青娜是耗资近300万元人民币，动用200台电脑和京、沪、粤近百名业界精英历经3个月的工作打造出来的数码电影短片中的人物。她的名字是China的谐音，她身上综合了东方美女的优点，有着大而明亮的眼睛、精致而美妙的五官，合乎黄金分割比例的身材，给人以清纯而略带倔强的感觉。她身着飘逸白色纱衣载歌载舞，在北京中华世纪坛数字艺术馆展映百天后，又拓展她的星路历程：短片进电影院做加影片；在电视文娱频道播映；电影音乐在电台播放；开通青娜个人网站；电影音乐和青娜唱的歌出版唱片；开展“寻找生活中的青娜”活动（“青娜”模仿秀），并且还要出版“青娜写真集”！
虚拟主持1999年4月，英国一家网络公司建立了一个庞大的新闻主播系统，2000年4月，他们拼合出了一个因特网首位虚拟新闻主播Ananova。她不仅脸蛋俊俏，而且能说会道，身手敏捷，富有亲和力。她全天24小时报道最新消息，从不休息却永不疲倦；她开辟了自己的档案A-file，向全球观众介绍她的大小轶事；她的面孔出现在海报、鼠标垫、T恤、帽子等产品上，几乎无处不在；她的影迷遍布全球，他们为她设立了许多网站，倾诉对她的爱慕之情。我国的虚拟电视主持人出现于2001年。这年的5月13日天津电视台在晚间黄金时间播出的《科技周刊》节目里，虚拟主持人“言东方”首次与观众见面。她在自我介绍后还诙谐地说：“我的形象和名字是在听取了大量网友的意见后，经过多次‘整容’和‘易名’才确定下来，我的出现不得不使我感叹高科技的神奇力量。”[3]
虚拟乐队世界第一支网络虚拟乐队是崛起于世界的Gorillaz，其幕后总舵手是Blur（布勒合唱团），主唱DamonAlbarn、鼓手Russel等。乐队由4位虚拟艺人组成，他们都有自己的生活空间，并且会不断生成新的刺激，依靠纯粹的音乐和个人性格魅力而成为人们新的音乐偶像。Gorillaz充满未来感的动画形象，以及主唱2D散漫、慵懒的嗓音，吸引了不少世界各地歌迷的注意力。这4名虚拟的艺人只生活在虚拟空间的2D+3D世界里，但他们都有自己的年龄、国籍、肤色、性格，乃至个人成长史、不良嗜好、医疗记录、犯罪案底和教育背景等。2001年9月26日，欧洲音乐盛会“2001MTV欧洲音乐大奖”入围名单中，Gorillaz以6项提名而成为大赢家。在Gorillaz网站，你不但可以欣赏到Gorillaz制作精致的电脑动画音乐录影，还可以玩到最酷的Gorillaz游戏。
随着数字化技术水平的不断提高，类似的符号仿像在电子媒体中还会越来越多、越来越逼真。已经在美国出现的“文学机器”（即专门用于文学创作的电脑），还有不断改进的诗歌创作软件、小说故事程序、剧本程序写作等，可以说是另一种虚拟实在，因为它们是未经大脑加工和心灵体验的文学创造，是自动拼合的虚拟和程序设计的“实在”。
这种计算机网络的虚拟现实不同于复制。复制是一对一的搬用，虚拟现实是“无中生有”；虚拟现实也不同于原子主义的写实，它没有先在的或外在的模拟对象，而是“比特化”的自出机杼；虚拟现实的网络艺术形象与立体主义的造型也大相径庭，因为它在外貌上并不超越实在，甚至看上去还非常真实。不过虚拟现实说到底仍然是一种超现实的符号类像，是数字化虚拟方式和符号代码规则造成的超现实的结果。
今天的计算机网络技术已经进一步将虚拟现实发展为实时交互，用户可以对模拟环境内的物体进行操作，并从环境中得到反馈。用户对虚拟环境的感知除了一般多媒体计算机所具有的视觉感知、听觉感知外，还包括力觉感知、触觉感知、运动感知，甚至包括味觉感知、嗅觉感知等。交互虚拟的物体具有自主性，会依据现实的物体所遵循的规律进行运动（如受重力影响而下落等），同时又可以随着用户的、视野的变动而变动，从而产生真实感。如用户可以用手去直接抓取模拟环境中的物体，这时手里有握着东西的感觉（其实手中并无实物），而且，现场被抓的物体可以随着手的移动而移动。[4]当前的交互式虚拟现实系统可分三类：一是桌面虚拟现实系统，使用时设定一个虚拟观察者的位置，可利用三维立体眼镜增强效果，并通过六自由度鼠标或三维操纵杆进行交互，两个身处不同地点的用户可以用自然的手势进行信息交流；二是临境虚拟现实系统，利用头盔显示器把用户的感觉封闭起来，以产生一种身在虚拟环境中的感觉，通过数据手套和头部跟踪器进行交互；三是分布式虚拟现实系统，它以临境虚拟现实系统为基础，将不同的用户连结在一起，让他们共享一个虚拟空间，使该系统局域网中的人可以在这里进行虚拟交往。[5]
网络以符号代码虚拟现实的后审美异变在于：内容非语境化的“灵韵”(aura)散失。任何艺术的审美意蕴都是依托于特定语境、并在特定语境中生成的，离不开孟子所说的“以意逆志”和陆机强调的“物、意、文”协同与互渗的本体建构，而虚拟现实的符号类像从内容本体上失去了它们作为具有特定指涉的文化符号所应有的价值皈依，其审美的语象(icon)被虚拟的视觉仿拟非语境化(decontextualized)了，不仅仿拟的物像本身失去灵韵，也无从品味其原初的本体意义。直观替代体验，符号解构意境，祛魅消除韵味，技术拼合驱逐了“诗意的栖居”，这便是网络时代虚拟现实打造的后审美范式。
二、在线交互的活性审美
互联网结束了艺术审美的私密空间，却创造了大众参与、交互共享的行动美学；网络文学终止了文学传统认同过去的时间美学，而开辟出在线空间的“活性”诗学。严格来说，网络艺术只“活”在网上，只有在线空间里被网民浏览或参与它才是存在的，甚至是生机四溢、魅力无限的，否则它什么都没有、什么都不是，这与传统艺术原子化的“硬载体”存在方式大相径庭。
弗·杰姆逊曾说，现代主义本质上是一种时间性的模式，而后现代主义则是一种空间性的模式，从时间向空间的转变使得时间的历史感被挤压到平面中，导致历史深度感的消失。[6]这种后现代时空观的变化在网络文学中得到最鲜明的印证。网络文学没有时间的概念，它将时间化为空间，用在线空间改变或延伸时间，将物理的时间挤压在赛伯空间里；网络文学没有终止的概念，因为作者失去了终止自己作品的权力，而把这种权力交给了在线空间的广大网民，除非你的作品让文学网民失去分享的兴致和参与的热情。网络消解了艺术的深度模式，却创造了新的“活性”审美模式，因为网络作品的空间留存性和无可终止性，决定了它是一种“活性”的艺术存在。一部《红楼梦》在传统文学圈里高山仰止、不可移易，续写者不过是“狗尾续貂”，而网络小说《第一次的亲密接触》如果不是下载出版，它将如沧海一粟或过眼云烟，并且其他网民完全可以用“第二次”、“第N次”亲密接触来替代它而不会被指责为挤兑起哄。可以说，传统文学属于时间，网络作品只与空间共舞；传统文学是“死”的，不可更改的，网络文学是“活”的，可以更改和参与续写的。尼葛洛庞帝早就指出过电子艺术的这一特性：
数字化高速公路将使“已经完成、不可更改的艺术作品”的说法成为过去时。给蒙娜·丽莎(MonaLisa)脸上画胡子只不过是孩童的游戏罢了。在互联网络上，我们将能看到许多人在“据说已经完成”的各种作品上，进行各种数字化操作，将作品改头换面，而且，这不尽然是坏事。……我们已经进入了一个艺术表现方式得以更生动和更具参与性的新时代，我们将有机会以截然不同的方式，来传播和体验丰富的感官信号。……数字化使我们得以传达艺术形成的过程，而不只是展现最后的成品。这一过程可能是单一心灵的迷狂幻想、许多人的集体想象或是革命团体的共同梦想。[7]
无论是展示孤独者的迷狂还是表现集体的共同梦想，都是在一种参与互动的“活性”状态下完成审美建构的，在线空间里的文艺作品就像一个被众人呵护的孩子，它永远不会走向成熟，永远不会被时间定格为经典，但就在这不确定性的无限延伸中，它也许能流溢出生机四溢的艺术活力。
网络艺术的活性审美基于数字化网络技术背景，呈现为两种特有的型态：超文本召唤结构和人机互动的角色表演。
超文本召唤结构“召唤结构”这一概念原本是康士坦茨学派接受美学代表人物伊瑟尔提出的，伊瑟尔所指的是文学作品中包涵了许多“意义不确定性”和“意义空白”，要靠读者的想象和具体化能力予以确定和填充，从而将作品内容转换为读者心目中的内容，实现对文学意义的成功接受。网络的超文本召唤结构与之不同的地方，不仅在于一个指传统印刷品文学，一个是针对电子文本，更在于网络超文本不是“意义的不确定性”，而是文本的不确定性和作品结构的多线性造成的审美活性；它不是寻求对“意义空白”的填充，而是刺激网民对叙事文本的多向选择和能动介入。
超文本作品是“活”的，在线空间的网民正是被活性的文本所激活，而且只有超文本能使欣赏者与文本之间物理上的互动成为可能，并同时为读者向作者转化创造了空前的便利。任何一部传统作品都不像网上交互作品那样有许多分叉，由分布式的诸多作者承担同一的创作任务，只要网民还在非线性或多线性的文本迷宫中漫游，作品就将永远是“活”的，永远是“动”的，一部超文本作品完全可以在不断交互中存活、生长数十年甚至更长时间，作品的终结存在于参与者永无止境的审美召唤之中。在这里，固定的作品结构被读者瓦解、或重新构造了，意义也被新链接的文本得到了不同的阐释。创造性的阅读使静止的结构被召唤式结构所替代，结构成了一种在“运动”中不断发展的东西。
一般来说，超文本作品分为两类，一类是运用计算机网络链接技术设定的多线性阅读作品，这时候读者的活性审美获得的是被动中的主动、制约中的能动，因为他只能选择“怎样读”，而不能选择“读什么”，原创者巧置的“叙事圈套”像一只无形的手在暗中预设了读者阅读选择的可能，文本的结构形态只是一个过程，而不是一种结果。另一类超文本作品是交互式创作的合作文学，这也是一种活性结构的动态文本，创作者是在线参与的、不确定的，作品结构是树状的、网状的，更是未定的、无限生成和延展的。国外网站上引人瞩目的“长青树交互小说”，就曾吸纳众多网民参与接龙。在我国，站点上的交互小说《活着，爱着》自1997年开篇以来，曾吸引了许多少男少女前来续写。他们中的佼佼者，还有幸得到“网络文曲星”的称号。交互式小说有多种类型，一类是“人—人非实时交互”型，有点像传统的“接龙”，用户看好了网上所开列的选题，根据选题所规定的情境，参照前人已写的部分，将自己的续作接上去，这就成了共同创造的作品。真正代表网络化交互式文学水平的是“人—人实时交互”型，那些BBS公告板、聊天室和讨论区中具有文学色彩的话语，体现的就是这种交互，人民文学出版社出版的《风中玫瑰》即属此类。无论是链接式作品，还是交互式接龙，其文本的都是“有始无终”、穿越界面的，但对于创作和欣赏来说，却是富有召唤性和挑战性的，对文学价值构建也是结构生成、动态演绎、活性生长的，这正是后审美主义的重要艺术表征。
超文本召唤结构是一种拆解时序的活性审美。如果说传统文学是过去时间的再现审美，网络常规书写属于当下时间的在场审美，那么，超文本召唤结构则形成了时序拆解的活性审美。它消解过去、现在、未来的秩序性，把时间拆解为永恒碎片的瞬间，用时间的自由编码营造审美迷宫，以可选择性的叙事空间寻找生活经验与文化内涵的关联，以实现解释的循环，激活主体被遗忘的生存体验。这种时序坍塌的活性审美，一方面是对“时间终结”和“差异性”的强调，另一方面则将时间转换为在线空间，将深度体验转换为感性直观，将瞬间碎片转换为召唤结构，结果便是：“现代性与后现代性时间观之间出现了裂痕和鸿沟，出现了时间链条的拆解，因此，后现代的时间是一种非时间化的拼接，是时间的终结即空间化和同态化。这一结果使得‘所指’的内在时间深度消失，而无穷并置的空间碎片即‘能指’在话语链中漂浮，这就是后现作的状态。”[8]可以说，这也就是网络文学的写作状态。
人机互动的角色表演这在网络文学创作上表现为面具表演和随机写作，在网络艺术上表现为超媒体操作的角色扮演。
网络文学的面具表演基于在线空间的匿名性。“在网上没有人知道你是一条狗”，同样，在网上也没人理会你是不是英雄。由于网络形象与生活角色的剥离和隔绝，又由于网络自身的虚拟性、平等性、兼容性，以及它非中心化、非英雄化和渎圣化的价值取向，上网者在排除了社会角色的“面具焦虑”以后，尽可以扮演自己想扮演的任何角色，实现平日里实现不了的愿望，说自己想说的任何话语，而不必顾及自己的公众形象、文学的“载道”功能和作品的艺术承担。如聊天室和BBS上的人际交流，网民一般都会匿名或化名登录，即时而又实时地交流个人的观点、感受、情感，其特点是流动性大，话题广泛，基本上不存在制约，这里只有“大师”级网虫与“蔡鸟”级网虫的区别，而没有任何等级划分。那些上网寻求情感交流的网民，往往是看谁的网名有MM的气息，就千方百计跟谁套磁，有时甚至裸、酸溜溜，文绉绉，说什么的都有。因为是虚拟空间的“面具表演”，不具现实社会的破坏性，网民在面具背后尽可以放言无忌，平等对话。
文学的随机写作是电子化角色表演的活性审美，更是对传统创作体制的彻底颠覆：它不仅绕开了文学主体在创作前的生活体察、创作中的心灵震撼和作品中的真情蕴涵，而且绕开了主体本身，让“作家”失去了饭碗，任机器和技术把创作推向了非主体化和非人化的危途。罗兰·巴特所说的“作家死了”似乎被数字化技术印证成了谶语箴言，因为没有作家同样能写作，甚至写得更快，抑或更好。计算机作画、谱曲、写诗，运用计算机机器语言、汇编语言和高级语言编制文学程序创作小说、剧本，都早已被人付诸实施。1984年，在我国首次青少年计算机程序设计竞赛中，上海育才中学年仅14岁的学生梁建章，就曾以“计算机诗词创作”获得初中组四等奖。他设计的这个诗词创作软件，收录诗词常用词汇500多个，在程序运行时，以“山、水、云、松”为题，平均不到30秒即可创作一首五言绝句，曾连续运行出诗400多首，无一重复。如其中一首名为《云松》的诗是这样的：
銮仙玉骨寒，松虬雪友繁。
大千收眼底，斯调不同凡。[9]
谁能说这不是诗呢？其绘景寓情、仙风道骨之态与诗人之诗相比亦足可乱真。
电脑程序或文学机器自动产生的“作品”，甚或艺术机器人完成的“作品”，将人机互动的活性审美推进到本体论层面，它要求我们将自己的艺术视野扩大到电脑化的人类、人工智能和机器人的创造性活动。人类所要做的便是：“把计算机所不具备的直觉、综合、机敏，甚至文艺家的灵感留给人，由人来创造性地开发各种所需的算法、模型、方法；由人来创造性享有计算机所提供的种种数据、信息和素材，帮助人克服机械记忆量有限，数字计算能力低下，空间色彩精密定位能力较弱的不足，让计算机忠实地进行着数以亿次的计算，求解繁复的微分方程和方程组，模拟无法实现或耗资巨大的过程等等。这样，人和机器就都找到了自己的位置。”[10]
超媒体操作的角色扮演是人机互动的最常见形态，在线空间的活性审美也在这里得到最生动的表现。不过这里的“角色扮演”是真正的“扮演”一个“角色”，即利用特定的应用软件，以信息转换、信息融合和信息交互为目标，将文本、图形、图像、动画、音频和视频等多种信息媒体结合起来，组成超文本和多媒体的复合体，由静态到动态、由二维到三维、由延时到实时，创造一个人机互动、声色谐和的虚拟世界。网络艺术创作的角色扮演就是基于这样的数字化平台实现艺术交互和审美互动的。如我国首部宽频网络剧《见光的爱》，剧情是讲述一个网络三角爱情故事：一对未婚男女David与Grace首先相恋，但Grace不满于David的庸俗，于是在网上爱上了青蛙王子——黑郁金香……。全片约40分钟，分4个层次、9个片断，体现了多路径、多选择、多结局的网络剧特点，可供观众自由地选择、组合剧情的发展。此外，系统播出平台还为观众提供了参与创作的接口，观众既可以对原片重新剪接或重新配音以改变剧情，也可以将自己的创作传送给播出平台以置换原有的片断。北京音像网还策划了我国第一部互动式网络电影《天使的翅膀》，网站先将故事情节在网上公布，动员网友参与从修改剧本到影片创作的每个环节，网友可以自荐当演员，影片边拍摄边播放，互联网使观众成了编剧、导演和演员。还有在成都开拍的网络原创电视剧《幸福女孩》，也采用了同样的网民参与和角色表演的方式。这种把编、导、演的主动权交给网民的做法，体现的不仅是网络活性审美艺术范式，更有后现代文化权力的变迁。
三、游戏世界的快乐审美
网络艺术的后审美范式还表现为零散化的快乐审美。杰姆逊说过，现代主义是关于焦虑的艺术，包含了各种剧烈的感情，如焦虑、孤独、无法言语的绝望等等。因为现代主义文化中的主体和自我是完整的、中心化的，具有强烈的自我意识和历史感，焦虑和孤独就是主体中心化的反应。荷尔德林、尼采的精神失常，凡·高等人的自杀，是这种反应的悲剧结果。在后现代主义条件下，主体已经非中心化和零散化了，失去了孤独和焦虑的主体本原，因而只有零散的、非中心的主体快乐的活动、快乐的审美。网络创作就是这样一种后现代的审美方式。
如果说网络的人性化体现为游戏，网络的本质属性是自由，而网络艺术的审美特征便是快乐——快乐的创作产生创作的快乐，快乐的漫游形成参与的快乐，一句话，在一个自由的世界里快乐地嬉戏，你快乐，所以我快乐，在快乐中走向艺术、走进审美，这便是网络版的后审美主义文化图景。
网上的快乐审美有这样一些常见方式：
打造时尚网络是技术的时尚，网络艺术则是数字化技术打造的文化时尚。与传统创作相比，网络创作本身就是一种时尚行为，而要想使作品成为流行的时尚，作者常常要以灵敏的感觉追逐时尚品味，引领时尚潮流，涵容时尚的新奇，在创造和品味时尚中实现快乐审美。如2001年，网上网下正流行《东北人都是活雷锋》，时值中国申办奥运成功，举国上下一片欢腾，网上立即出现《东北人都是活雷锋》的奥运版：《俺那旮旯都是奥运人》。2002年6月第17届韩日世界杯期间，足球成为最大的时尚，大小网站遍布足球“酷评”。当中国队冲击16强出线未果时，网上立即出现了戏仿任贤齐《心太软》的球评：
你总是腿太软，腿太软，／独自一个人带球到被抢，／你无缘无故地推倒那个人，／我知道你根本没好的下场。／你总是腿太软，腿太软，／把所有好球都射不进网，／头脑总是简单，配合太难，／不能出线，就别勉强。
时尚的东西流行而前卫，容易使人目迷五色、追星逐浪，但时尚追求的是热点和卖点，而不是深度和意义；它溅起的可能是时代激流的一团飞沫，而未必是能够长留青史的永恒价值。一些网络成名之迅速与流芳之短暂成正比，不能不说是追逐时尚之过。
对眼跟贴跟贴在网上一直非常流行，在聊天室、BBS、讨论区、论坛、新闻组、留言薄等，都有跟贴。跟贴的前提是“对眼”，即对话题或观点产生共鸣，能调动起与之交流的兴趣，能让网友从跟贴中找到快乐。小说《风中玫瑰》所演绎的柏拉图式的爱情故事，就是由风中玫瑰主讲、众多网友跟贴完成的。跟贴属于应和性文本，有人依据不同跟贴者的风格将其区分为“小资一族”、“板砖一族”、“白雪一族”、“洋文一族”、“阿谀一族”、“灌水一族”等。下面这种跟贴大抵就属于“小资一族”：
原贴：走自己的路，让别人说去吧！
跟贴一：走别人的路，让自己说去吧！
跟贴二：码自己的字，让别人去做CEO吧！
跟贴三：说别人的话，让自己流行吧！
跟贴文字是一种抖机灵儿文体，它能酿造某种特定氛围激活语言灵感，激发幻想空间，诱使网友多角度开掘话题，共同打造出快乐文本。
以“名”惊人这在网络文学上表现最为明显，网络文学是“眼球文学”、“注意力文学”，所以上网闯荡首先要取个好名字。网络邢育森在《网络文学攻关秘籍》中曾把“起名功”摆在第一位，他说：“好的名字可以一鸣惊人，可以艳惊四座，也可以让人呕吐不止，在注意力年代，这就是你最大的财富。随随便便起个猫三狗四的平庸名字是很不负责任的，你对自己的要求一定要严格些。你可以找两本形象设计的书来读读，或者找本武侠名著把自己套进某一个人物模式，或者玩酷，或者装傻，或者痴情，或者暴烈，总之定位要准确，形象要鲜明。你要考虑到面向的潜在读者群，你要想那些少男少女们需要什么样的口号和代言人，你不妨就用自己的名字给他们以安慰和满足。你切不可以羞羞答答、遮遮掩掩，有什么好的创意策划你就使劲地往网上扔，诸如血腥玛丽、狂野情人、傻大帽、来吻斯鸡等名字都是值得考虑的。”[11]除了登录上网的网名外，还需要有一个诱人的作品题目。题目的新、奇、怪常常会产生魅惑力和想象力，调起网民的口味和兴趣，增加作品的点击率。如《劝儿子当野兽》、《苍蝇的爱情》、《蚊子的遗书》、《聊天室泡妞不完全手册》、《性感时代的小饭馆》等作品不仅点击率高，而且都成为网络获奖之作，与它们有特色的名字不无关系。邢育森就曾说，他把原名为《我的故乡》的作品更名为《那个使我第一次失去了初吻的地方》，将《春天的故事》改成《美丽母猫在屋顶叫春的时候》，使作品以“名”惊人，夺人魂魄，刺人心扉，不看都不行。这正是由于网络世界的消费式阅读和快乐审美决定的。
戏弄经典嘲讽神圣、戏弄经典、调侃崇高，是网上作品特别是网络文学平民姿态的必然反应，也是网络快乐审美的主要手段和价值取向。拿经典开涮，在名人身上找乐，或戏仿历史典故，在网上作品中占了相当大的比例。今何在的《悟空传》一炮走红后，众多古代文学名著及其名著中的人物都在网络原创文学中被改写、被戏仿；老谷的《我爱上那个坐怀不乱的女子》获首届网络原创文学奖后，网上马上出现了《CEO李煜的悲惨世界》、《蒋干盗书》、《新编〈蒋干过江请凤雏〉》、《鼓曲版〈俞白牙摔琴谢知音〉》等众多戏弄经典的作品。
总之，虚拟实在的符号审美，在线空间的活性审美，以及游戏世界的快乐审美，就是网络艺术基于后现代话语逻辑，向我们不断演绎的数字化时代的后审美主义艺术图景，也是在后现代文化背景中形成的日渐显露出的网络审美范式。
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