时间：2023-03-23 15:08:54
导语：在美术艺术欣赏论文的撰写旅程中，学习并吸收他人佳作的精髓是一条宝贵的路径，好期刊汇集了九篇优秀范文，愿这些内容能够启发您的创作灵感，引领您探索更多的创作可能。
1、管理更加规范化
学校成立了由校长、主管副校长、主任、校艺术骨干教师等人员组成的领导小组，积极落实艺术各项工作要求，分工明确、责任落实到人。本学期创造性地开创了“艺动空间”网络博客，形成了与时俱进的网络模式，并做到求真、求实、求细、科学创新，加大了艺术教师之间的联系与交流。。
2、教研科研方面：我们组经常进行美术、音乐理论学习，了解最新的教学动态，交流艺术教育的教学方法，摸索可行之处。每周都要进行教学研讨、科研交流。在不断的学习研究实践的过程中，教师的素质都得到了稳步的提高。
3、这学期三对两组一歌等小组，通过音美教师的不断探索，自编教材、保证课时等有力手段，学生的美术素养和音乐鉴赏能力都得到了提高，并能积极地参与到各项比赛中，取得了优异的成绩。
4、加强校园文化建设，渲染育人氛围。
（1）本学期在吴校长的带领下，美术教师全新布置了学校的楼廊文化：一楼的风范长廊、二楼风雅长廊、三楼的风姿长廊、四楼的风韵长廊、风雅壁、还有美术老师亲手制作的爱心墙、
智慧果园
等宣传区的建立，形成了丰富多彩特色鲜明的校园艺术教育环境。师生校园生活照片、剪纸艺术、鱼皮画、剪影艺术分别在楼廊中呈现，每一面墙壁都能给人以美的感染，艺术的熏陶，使学生感受到健康向上，奋发进取的力量，也使其精神得到净化。在校领导的大力支持下，学校新购置了塑封机，美术教师把一千多幅学生的卡纸画和学生课堂作业中的优秀作品塑封，分别以“学生课堂作业展”、
“家乡夜景”
“美丽的花纹”
“走进动慢”、“废旧画报剪贴画”为题目在一楼二楼三楼展出，既美化了学校环境，又增强了学生学习美术的自信心。恰逢学校迎接标准化学校验收，得到了领导们的一致好评和认可。
（2）艺术活动方面：在全校举办了“同心同力同行”为主题的千人绘画比赛、
“引路点拨品评”
为主题的千人手抄报比赛，并把获奖作品在一楼展出。以此激励学生进一步加强对美术学习的热爱之情。各个班级开辟风格别致的艺术长廊、宣传窗，为学生提供艺术展示的舞台，不定期地展出学生的书画作品。
（3）、每周三的艺术欣赏，通过校园音响系统，向学生介绍一些名家、名曲、艺术欣赏知识和方法等富有儿童特色的艺术欣赏活动，陶冶学生情操，净化学生心灵。
5、论文、课题方面：在本学期陈玉凤、刘佳敏和孙博老师上交了市级论文。本学期音美组五位年轻教师都参与到了学校承担的课题研究中，并积极地书写阶段小结，和全校老师进行交流。
下学期，我们将积极探索艺术教育新路，拓宽艺术教育时空，充分调动艺术教师的积极性，使学校的艺术教育工作更上一层楼。
2010—2011学年度上学期艺术工作总结相关文章：
一、深入研究高中美术课程标准，明确美术课程价值
1、陶冶审美情操，丰富生活情趣
美术是最重要的视觉艺术，对发展学生的视觉知觉，获得以视觉为主的审美体验，陶冶审美情操等方面具有其他学科难以替代的作用。
普通高中美术课程能够提高学生对自然物、人造物形态美的认识，对美术作品的材料构成及形式、风格的多样性的认识，体验美术与生活的关系，丰富生活情趣。
所以美术鉴赏模块在高中美术教学中的作用非常大，能够提高学生发现美、欣赏美的能力。美术课要改变过去只重视美术技法传授，忽视对学生人文精神的培养的状态。
2、传承文化艺术，弘扬人文精神
美术与社会有着千丝万缕的联系。不同时期、不同地域、不同国家和不同民族的美术构成世界美术的多元性，因此美术是人类文化的重要组成部分，具有传承文化艺术的价值。
普通高中美术课程能使学生较为全面地了解美术与自我、美术与生活、美术与政治、美术与宗教、美术与历史等方面的关系，引导学生理解文化艺术，弘扬人文精神。
美术乡土课程、校本课程最能体现美术的地域特色，能够传承、发扬光大民族文化。
3、激发创新精神，增强实践能力
美术实践是一种具有创造性的活动，在激发人的创新精神，发展动手能力，开发潜能等方面具有独特的价值。
普通高中美术课程能使学生在美术活动中充分发挥个性和想象、思考、判断能力，接触特殊的工具、材料、操作方式和表现形式，得到其他学科难以获得的各种体验。这种融鉴赏与创作为一体的学习活动对发挥个性，激发创新精神，增强实践能力是十分有益的。
在开发美术乡土课程、校本课程中要特别注重对学生动手能力、观察能力、创新能力的培养。
4、调节心理状态，促进身心健康
美术实践作为一种情感表达活动，在获得成功感和自信心，促进人际交流以及释放个体的紧张或消极情绪等方面，具有促进身心健康与个性和谐发展的价值。
在师生共同开发美术乡土课程、校本课程中，学生能够直接抒发各种情绪，缓解心理压力；能够获得成功体验，增强自信，升华情感；能够促进交流，沟通人际关系。以此形成良好的身心状态与社会适应能力。
5、助益人生规划，拓宽发展空间
美术渗透于社会生活、生产的各个领域，在美化生活，提高物质产品的文化品质等方面具有重要的应用价值。从这个意义上讲，美术课具有工具性的价值。
普通高中美术课程既为学生提供不同的美术基础知识和技能，培育学生终身爱好美术的情感，发展美术方面的各种能力，也为学生今后从事美术职业或其他职业提供发展机会。
二、开发乡土课程、校本课程的研究方法
1、调查研究法：通过课堂观察、听评课，了解当前我市美术课程教学现状与教学内容。通过问卷和访谈了解学生熟悉的、本乡独有艺术形式，通过实地考察、摄影拍摄清东陵石雕、冀东皮影，提出方案，写调查研究报告。
2、经验总结法：及时总结在研究过程中的各种发现和教学实践中的经验，撰写经验及相关案例、校本教材与乡土教材、教学反思等。
3、反思实践法：在教学实践与课题研究中反思，不断总结经验，不断改进教学工作，提高开发的校本课程与乡土课程的科学性、创新性。
4、文献法：查阅文献，了解校本课程与乡土课程开发方面的理论成果，用以指导实践活动。网上查阅与开发的校本课程与乡土课程有关的图片资料、音频资料、视频资料，论文、论著，以备研究所用。
三、开发乡土课程与校本课程具体步骤
（一）通过问卷调查、走访座谈的方式确定乡土课程与校本课程的内容。内容必须是学生熟悉的、喜欢的，贴近学生生活经验，又有地方特点的。课程的界定要准确。如本人，根据前期对学生的问卷调查研究，发现学生对家乡有世界文化遗产清东陵，感到很骄傲，86%的学生都去过清东陵，看过清东陵石雕，但对石雕没有深入地鉴赏过。2010年“五一”期间，有的同学就参加了清东陵举办的“太平洗象”、“石雕艺术欣赏”活动。课本上中国古代陵墓雕塑一课也没有认真地学习，学完这一课也没留下什么印象。所以本人决定开发“清东陵石雕艺术欣赏”乡土课程，以拓展教科书内容，使学生对中国古代陵墓雕塑完整、全面、深入的认识。尽管大多数学生对皮影戏、皮影舞、皮影调不是很感兴趣，但他们的父辈、祖辈都很喜欢皮影，本地电视台经常播放皮影戏，唐山每年举行皮影艺术节，日常生活中家乡人们跳皮影舞的也很普遍，开发“冀东皮影调、皮影秧歌舞、皮影的形象造型风格”乡土课程对传承家乡传统文化很有作用。学生学习土生土长的艺术很容易接受。特别是皮影秧歌舞中人物舞蹈动作僵硬、夸张，很像动画里人物动作，很符合现代学生审美情趣。调查发现学生对色彩鲜艳的、讲究对称的图案作品很感兴趣，也能够接受，愿意学习；一些同学对漫画，特别是卡通画着迷，所以我决定开发“图案”、 “速写创作”、 “漫画创作”校本课程。
（二）开设乡土课程、校本课程的前期准备工作。
（1）带领高级中学美术兴趣小组的学生实地考察了清东陵石像生、石五供、地宫壁雕等石雕作品，拍摄了许多清东陵石雕照片，在网上查找了许多陵墓雕塑图片，参考了《中国雕塑史》等论著，写出了《清东陵石雕艺术鉴赏》乡土教材，制作了“清东陵石雕艺术鉴赏”课件。主要内容是：1、考察、观赏、拍摄、保护清东陵石雕；2、比较清东陵石雕与历代陵墓雕塑艺术风格的不同，以及陵墓雕塑艺术风格发展历程；3、研究、体味清东陵石象生所体现的人文精神，华表、丹陛石、祥兽所体现的中国传统文化，石五供、地宫壁雕所体现的宗教思想。4、欣赏清东陵石雕给人们带来的对人生观、价值观的思考。
（2）本人带领学生参观了遵化市举办的民间手工艺作品展，教师与学生一起欣赏、品评了作品，拍摄了大量的皮影影人、剪纸作品照片。 在查阅了大量网上资料的基础上，本人编写了《唐山驴皮影造型艺术谈》乡土教材，完成了“冀东皮影”课堂教学设计。主要内容为：1、冀东皮影的产生与发展；2、人物造型与行当；3、唱腔与伴奏；4、《俏夕阳》；5、唐山驴皮影人物造型艺术特点，a.人物造型艺术化，b.人物造型平面化，c.卡通式的人体比例范式，d. 人物造型戏曲化，e.人物关节弯曲化；6、唐山驴皮影细腻逼真的砌末造型；7、皮影的民间装饰特色，a.“点”的灵活运用，b. “线”的优美组合，c. 符号化的传承，d. 人物头饰特点；8、皮影影人的制作方法。
（三）开讲开发的乡土课程与校本课程
结合人民美术出版社普通高中课程标准实验教科书第11课《中国古代陵墓雕塑和宗教雕塑》讲授“清东陵石雕艺术鉴赏”乡土课程一课时；主讲“皮影的形象造型风格”乡土课程两课时。学生兴趣很高，课堂气氛活跃，都主动、积极地回答问题，师生互动好。
（四）最后，修改、汇总、推广
课后进行教学反思，结合教学实践中出现的问题，修改乡土课程教材，以备推广应用。
参考文献：
论文摘 要：《美术课程标准》指出:美术课程具有人文性质。美术是人类文化的一个重要组成部分，美育在以技能训练为价值取向的年代，欣赏教学只偏重于作为在学习和体验造型表现时起到某种参照和补充的功能，但是现在，当美术教育作为一种文化教育和素质教育的面貌出现时，欣赏教学的功能就有了新的拓展，并发挥不可替代的作用。基于此，文章从四个角度构建了欣赏教学在中美术教学中的实施路径。
“欣赏、评述”是美术课程中的一个学习领域，它充分体现出人文性质，使学生自身的审美意识在作品欣赏中被唤醒，提高他们的审美的感受、情感、想象与理解等心理能力，并使之相互协调，最终使学生具有敏锐的审美知觉及对美的欣赏力和创造力，形成健康的审美情趣和审美能力。那么课堂教学中如何实施欣赏教学呢，笔者经过长期的实践和探索总结出实施欣赏教学几个环节，希望能得到同行的指正。
一、感受环节
感受是进行美术创作表现的基础和前提，学生表现活动缺少感官刺激，就不能获得感性认识和创造灵感。直观知觉和理智分析是人类认识过程中的两个程序，美术课有利于两种认识相互配合发挥作用。美术教学中一方面通过感知启发学生的美感潜能；另一方面，注意发展学生视觉认知能力和抽象思维能力。通过直觉训练提高学生的感性知觉、审美知觉和思维能力，使学生具有敏锐的观察力、主动的创新意识、实践能力，以及运用美术创造性语言与人交流和合作的能力。因此，欣赏教学也要从学生的自主感受入手，不能只是老师讲学生听，搞满堂灌。学生对一些艺术作品知之甚少，但目睹这些艺术品，总会有所感受和感觉，而学生不知道的正是教师设置质疑的宝贵契机。抓住这个契机，设法激起学生的兴趣，追求新的鉴赏知识，使审美的感性阶段向理性阶段上升。在这一环节，要鼓励学生看和触，多渠道获得感知信息，丰富学生的审美感受。
二、赏评环节
在这里，笔者把美术教学中的赏析改为赏评，其目的是欣赏课要有意识地开展对美术作品的评论，也是美术课程标准所说的“评述”。尽管在创作课中的赏析环节也有理性的分析，但不可能也不必要进行细致的评论;而在欣赏课中，细致的评论就是可能的也是必要的。评论的内容包括作者介绍、作品的时代背景、作者和作品在美术史中的地位和价值，更重要的是对作品本身内容和形式的分析。当然，评论的深度要依据学生的年龄特征和审美经验水平来确定。同时，评论者可以是教师，也可以是学生。赏评中学生的审美实践活动应包括听、读、说等等。比如，在学生初步感受了白石老人精美作品的基础上，整理出白石老人的画作，让大家欣赏、分析、议论:“作品美在哪里?为什么那么惹人喜爱?”学生们可以分组讨论，教师以鼓励为主让学生大胆说出自己的想法，大家纷纷发言，各抒己见。有的学生说，白石老人的画与真的一样，很好看，都是活生生的，充满着生命和生机。此时，教师应抓住机会加以点拨:这就是艺术家作品的动人之处，他把自然界中生物的形象同自己对大自然的感受和认识融为一体，抓住最能表现生命力的特征而删掉累赘的细节，把它的活力表现出来，这就是“妙在似与不似之间，但又形神兼备”。就以虾来说吧，同学们都觉得像极了，虾体透明，似乎活泼地在水里游动、在跳跃，但是与真的虾相比较，可以看出，虾的头、颈、足等细部都经过了提炼和概括取舍，与真的虾不一样。白石老人通过长期的仔细观察，按着自己的审美规律，进行夸张取舍，画作给人以美的享受，同时激发着人们对生命的热爱、对生活的向往，并产生强烈的共鸣。在这一环节中，通过师生合作培养了学生的社会意识，并转变了教师为主体的传统观念，并在共同合作中发展了教学。 转贴于
三、表现环节
本环节实践中，教师可以把一堂欣赏课的美术作品分成两组:一组是用于赏评，另一组是用于表现。在赏评环节中通过欣赏第一组作品，使学生获得一定的审美经验和鉴赏能力，因为审美是美术实践活动的源泉，美术教育的目的之一就是对学生进行审美文化教育。在表现环节，可以让学生自由发挥表现，让学生在对第二组作品进行自由的感受和自由的赏评，鼓励个性发展。没有个性就没有创造力。个性发展唯一的目标是使个体活动自我满足、自我完成或自我实现，从而培养学生独立自主、勇于创新的精神和独立的分析思考能力。教师主要起组织、启发和引导的作用，学生是学习的主体。要使学生学会参与、学会选择、学会自主学习和发展。表现是一种应用，在应用中去复习、巩固前两个环节的学习所得;表现又是一种开发，启发学生依靠直觉感受、想象和灵感，通过自由的表现去开发学生的审美创造力和思维能力。表现的方式多种多样，可以是说、写，还可以是表现性地搞点小创作，让学生对范画作品的形式美特别是技法等形成更深刻的体验。为每个学生提供充分表现并获得成功的机会。教学要面向全体学生，鼓励和帮助学生树立学习信心，因材施教，使每一个学生都能体验成功喜悦和获得参与活动的乐趣。写和作不必局限在课堂以内，而应该鼓励学生向课外延伸，让学生寻找感兴趣的主题，围绕主题去拓展阅读、拓展欣赏、创新构思、创新技法等。这实际上就是美术课程标准所提倡的“研究性学习”。
四、总结环节
这里所说的总结不同于其他教学模式中的评价环节，其目的不在于比较学生学习成果的优劣，更在于让每个学生认真归纳、概括本课学会了一些什么。既要总结本堂课所欣赏的同类美术作品的共同艺术特征，又要总结所学习到的鉴赏知识，还有所获得的审美感受和审美经验。总结不仅是教师讲、学生听，学生还应该说和写。教师也可以借此机会向学生推荐好书、好的艺术节目等。让学生课外去欣赏、看展览、去继续延伸学习。
总之，中学美术教育中应加强艺术欣赏，在美术欣赏教学要力求体现人文性、自主性、创造性，最终在推进素质教育的过程中，发挥美术教育在提高和完善人的素质方面所具有的独特作用，更好实现新美育中的新理念。
参考文献
[1]杨景芝.美术教育与人的发展[M].人民美术出版社，2009
关键词：鉴赏教学 欣赏与表现 创作 创造 创新 创写 创想
中图分类号：G420 文献标识码：A 文章编号：1673-9795（2013）07（a）-0201-01
现象一：在展览馆里，据统计参观者每七秒钟就看完一幅画，而在学校艺术节的展览室里，学生都流连忘返。分析其原因：大多数参观者对名画大作不理解，无法更深层地了解作品的内涵。但他们又迫切需要艺术的欣赏活动，对发生在身边的艺术事物倍感兴趣。
现象二：在美术鉴赏教学中，教师往往注重将自己的认识或借鉴他人的见解对作品进行分析、讲评，忽视了学生个体差异的存在。导致结果：（1）学生根本无法自主接受作品所表达的思想性和形式美。（2）教师过早地介入评价，造成学生认识和思考作品内涵的阻碍。
因传统教育观念的根深蒂固，在中小学校以上现象并不鲜见，美术教育认识滞后的状况亟待改变。作为美术教育工作者更应存有这种使命感。下面就以上现象谈谈我的一些思考与分析。
1 强化美术鉴赏教学，提高学生的学科综合力
近年高考文科综合试卷有一则试题：欣赏北宋伟大的风俗画《清明上河图》后回答问题，（1）根据所学知识分析……（2）当时经汴河……分析……；（3）导致该城市衰落的原因；（4）北宋后……分析该河段经常泛滥的原因；（5）如今……分析……无独有偶，在一份高考信息杂志上，也出现了一则赏析列宾的《伏尔加河上的纤夫》后回答问题的试题。由此，我们至少捕捉到两个方向的信息：一是美术所隐含的各科知识日益凸显出来，且已引起教育考查者的重视并有进一步发展的趋势；二是国民经济日益发展的需要对教师尤其是美术教师的能力素养提出了更高的要求。
为此，在美术教学中我认为应该强化中学阶段的美术鉴赏教学，以提高中学生的知识综合能力。“人天生可以成为艺术家，但要成为鉴赏家却必须经过教育”（毫泽尔《艺术社会学》）。我们日常生活中也常常发现许多智力出众的人却在美术鉴赏力方面表现出十分低下的能力和水平。可见鉴赏力决不是一蹴而就的事，它是各种基本能力的交叉与升华。
那么，欣赏教学中应注意的问题是什么呢？美术欣赏的过程可以由浅入深地分为美术作品的感受、对作品相关知识的传授、对作品的评价等。所以，针对开篇出现的现象，教师应该在教学实践中注意以下几点：
（1）美术欣赏者的差异性。
美术欣赏是一种与个人主观因素有着紧密联系的再认识活动。学生在这一活动过程表现出的差异性直接影响着欣赏的效果，教学时不容忽视。那种一开始教师直接对作品进行评价是不科学不公正的，这样或多或少会限制学生的主动性，抹煞学生独立思考的权力。因而，教师应允许学生在课堂上各抒己见，不能将批评家的解释当做作品本身唯一的信息，并以此代替学生对作品的直观感受。
（2）欣赏与表现的关系
欣赏并非只是单纯的观赏而已，只有与表现联系起来的欣赏活动，才能真正体现和达到欣赏目的。同时，不断地欣赏艺术作品或优秀学生作品，也会唤起学生潜在的创作冲动。为此，我特意对参加美术专业培训的同学做了一个调查，发现这些学生来参加训练九成以上是因为观赏了课堂上教师的范作，说明欣赏的冲动直接影响了学生表现的欲望。
（3）美术欣赏与各学科的渗透，即与人文精神的关系。
美术是一门人文学科，欣赏作品能使学生更多地参与文化传承和信息交流，共享人类社会的文化资源。据此，教学中应以传播美术文化为使命，让学生像欣赏“唐诗、宋词”一样体验艺术意味。“诗、书、画”三位一体说明美术从渊源上就不是孤立存在的。各学科的综合是我国基础教育课程改革的趋势。我想不久，美术在物理、数学、生化等自然学科中存在的元素也将会引起重视。这可说是另一个值得研究的课题。
2 美术欣赏与创造思维的形成
美术作品的产生是创作者思想感情的物态化结果，欣赏者要充分调动主体能动性，利用已有知识对作品重新做出阐释。就是说学生在欣赏过程中离不开创造性思维，教师要善于激发学生的潜力不要隔靴搔庠泛泛读些有关作品的解释。而要引导学生如何把欣赏的新体验表达出来，并使之采取自己的方式将审美感受物态化，我认为这种物态化形式可以综合为以下三种：
一是审美意识的语言表现―― 创想。
“以人为本”是现代教学基本理念，在美术欣赏课堂教学中表现为充分发挥学生的主体作用，让学生对作品直抒胸意，各持已见。因为个性差异，对作品的阐述也就不会相同，有人喜欢壮美，有人追求优美，有人醉心于华美，还有人以朴素为美，以奔放为美，以奇巧为美，正所谓“一千个读者就有一千个哈姆莱特。”我国自古就有“诗无达诂”的主张，教师应多鼓励学生大胆用语言表达自己的感受、评价等心理过程，这也是创造性思维最直接最简捷的物化方式。
二是审美意识的造型表现―― 创作。
由于个体文化底蕴、知识面、生理特点等因素，对于某些学生仅仅用语言还不能完全表达欣赏者对作品的全部感受和理解，何况美术创造本身就具有“只可意会不可言传”性，学生在欣赏中一旦唤起了潜在的创作冲动，他们就会主动地运用线条、形体、色彩等造型要素以及各种材料把审美想象表现出来，这也是创造性思维最集中的表现方式。被誉为法国“浪漫主义狮子”的德拉克洛瓦在观赏藉里柯的《梅杜萨之筏》后，“像发了疯一样”跑回家，在这种强烈感受之下，他“发出了第一声吼叫”―― 即创作了《生命之舟》。我以为把欣赏与表现合理结合起来是优化美术鉴赏课堂教学的理想途径。
三是审美意识的文字表现―― 创写。
在教学中我每年都会举行学生艺术小论文竞赛活动。这是因为把审美意识、审美感受表现出来抒发他们在欣赏中的情感体验，这样不仅能让欣赏者心灵得到净化、精神得到缓释，获得悦志悦神的人格层次上的愉悦，而且是欣赏主体把作品内在的艺术意蕴用文字表现出来，使艺术欣赏个体的直观感受达到理性升华，真正获得美术鉴赏的效果。
全面综合的美术教育关注的是学生的全面发展。只有认识到这一点，我们的学生才会树立起艺术的自信，逐步培养起创造精神和创新意识。这也是我在美术教学中的点滴思考，不成章法，权作抛砖引玉之用。
参考文献
[关键词] 大学生；接受美学；艺术鉴赏；途径
【中图分类号】 G640 【文献标识码】 A 【文章编号】 1007-4244（2013）06-071-2
目前我国高等院校都在大力提倡大学生的素质教育，开设的艺术课程门类多达数十门，其内容涉及音乐、美术、戏剧、舞蹈、影视、书法、摄影、美学、文艺理论等方面，为学校素质教育体系的逐步建立和完善打下了坚实的基础。但还存在艺术欣赏形式的多样与教学方法的单调之间的矛盾，太多的求知欲望与文化素质课课时较少等矛盾。如何在艺术鉴赏课教学课时稀少的情况下，进一步创新教学方法，使大学生艺术鉴赏能力真正短时高效并得到提高，这必须有科学的素质教育理念和方法。
一、艺术鉴赏的内涵和功能
艺术鉴赏是人们以艺术形象为对象的一种审美活动，是人类精神生活的重要内容，是实现美育社会功能的重要环节，也是一种通过艺术形象去认识客观世界的思维活动。艺术鉴赏不同于一般意义上的欣赏，是“人们对艺术形象感知、理解和评判的过程。人们在鉴赏中的思维活动和感情活动一般都从艺术形象的具体感受出发，实现由感性阶段到理性阶段的飞跃”。因此，鉴赏本身便是一种审美的再创造。
艺术教育是高校教育的重要组成部分，在素质教育中有着重要的地位与作用。开展艺术鉴赏课教学，可以拓展学生的发散性思维能力，激发学生对美的爱好与追求，塑造学生健全的人格与健康的个性，培养造就有理想、有道德、有文化、有纪律的社会主义建设者。在艺术接受的过程中，审美主体从中获得了丰富的情感体验，懂得什么是真、善、美。通过经常性的审美活动，可以陶冶他们的性情，净化心灵。从而使学生达到人格完善的目的。
二、艺术接受
艺术接受是指一定时代、社会的人们按照一定的审美、文化和心理要求在鉴赏、读解、阐释和评论艺术作品过程中，对艺术作品的选择性认同和创造性实现。这种接受是主动而非被动的，它包含着欣赏者的感知、体验、理解、想象及再创造等等心理活动。
按照接受美学观点，任何艺术作品都具有两极：一极是艺术的，即创造主体生产的文本――未经读者鉴赏的艺术家的“一度创造”的产品；另一极是审美的，即接受主体对文本的具体化或实现――经过读者阅读、品评、鉴赏等检验的作品，它是接受者在“一度创造”基础上进行“二度创造”的产物。接受者对“文本”进行“二度创造”并现实地鉴赏作品和实现作品的过程，就是艺术接受。
解读艺术作品之前必须要有一定的能力，要有各方面的知识储备。首先必须了解各艺术门类自己独特的语言，如绘画的语言是点、线、面和色彩；雕塑的语言是空间中形与形关系和质感；音乐的语言是声音、节奏和韵律。正如鲁迅先生所说：“阅读文学作品读者也应有相当的程度。首先是识字，其次是大体的知识，而思想和感情，也须大抵达到相当的水平线。否则和文艺即不能发生联系。”譬如欣赏水墨画，你必须了解中国古典艺术的理想是气韵、神韵、淡、味、妙、意境等具有想象性、精神性的一些范畴，熟悉中国艺术一直秉承的理想，比如情景交融、虚实相生、讲究言外之意、味外之旨的传达，讲究以最少的文字表达最多的意味，删繁就简三秋树，标新立异二月花等等。只有这样，你才能对艺术作品其内在的人、事、物、景及思想、感情、哲理等内容美与语言、结构等形式美进行感知、理解、评析，也即审美。
所以，必须构建审美心理结构。接受美学的“期待视野”就是由此而发的。认知心理结构、审美心理结构所构成的框架完善程度，将决定艺术鉴赏能力的高低。在这一点上所有艺术都是相通的，如鉴赏古希腊艺术家阿耶桑德罗斯等3人创作的雕像《拉奥孔》。如果你从作品中得出：人物刻划非常逼真、比例协调，作品表现了雕塑家对人体解剖学的精通和对自然的精确观察，以及纯熟的艺术表现力和雕塑技巧。这只是对古希腊雕塑的再现性和形式感的表面认识。如果你能在充分了解希腊神话故事，再运用雕塑、美学等知识进行鉴赏。你就会发现雕像中的拉奥孔虽然遭受巨大痛苦，但并不号啕大叫，而是节制着自己的感情，口仅微张，显示出希腊艺术所特有的古典理想：“高贵的单纯和静穆的伟大”。并发现由于作品过于强调人物极度痛苦的外在形态，缺少更深刻的心理刻划，所以并非是艺术上极臻完美之作。但《拉奥孔》鲜明又突出地显示了希腊化时代雕塑的激情特征，从而成为该一时代的典型代表作品。如果能得出以上评价，说明你的鉴赏能力比一般的欣赏者要高了一层。头脑最简单的人可以看到细节；专业知识较为丰富的人可以看到形式语言的表达方式，比如对比、均衡、节奏、韵律；只有那些具有更高理解力和敏感性的人则可以发现某种逐渐揭示出来的内容意义。
三、艺术鉴赏能力培养的途径
艺术鉴赏是审美活动的一个重要组成部分，在现实生活中，审美活动要开展首先必须具备三个前提条件：客体方面的条件；主体方面的条件；需要一定的审美环境。
大学生艺术欣赏能力的培养和提高必须从以下三方面入手：
（一）在客体方面尽可能多的给学生提供优秀的艺术作品
审美活动的开展在客体方面的条件，首先要有审美对象的存在，而且对象要有鲜明生动的形式和吸引人的内容。这就要求我们的教师在授课时，充分利用教学设备和软件，比如多媒体等，做到理论与实践结合，形象生动。在授课方式上要有互动，鼓励学生提出不同的观点，也可采用分组讨论等形式，让学生有成就感，有助于学习兴趣的提高，更有利于欣赏能力的培养。
（二）艺术欣赏要尊重大学生的个体感受
1.审美活动的进行必须以个人的审美能力的存在为前提
一个人的审美能力是审美方面的生理能力与心理能力的总和，包括先天的感官感受能力和后天的审美辨识能力。高山流水遇知音的故事，充分说明对美的对象的欣赏需要审美主体本身具备一定的能力才能得到美的感受，欣赏美的对象。审美活动的进行首先要通过感官去感知到美的对象的存在，然后才可能做出生理、心理的反映，基本的生理感官的感受能力是审美活动得以产生的一个前提。完全喑哑的世界，完全黑暗的世界，完全色盲的世界，是我们正常人无法想象的单调。那样，《梁祝》、《二泉映月》对某些人而言等于不存在，《大卫》、兵马俑也只是虚设。
每个人的教育背景，爱好也不一样，欣赏水平也不一样。这就不能沿用旧有的“百分制”的作业评价抽象评价每一个学生的实践结果。应重视非智力因素的培养，要有利于艺术的个性发展，对艺术鉴赏评价的改革应首先注重艺术的这种个性发展，对每一个学生的实践都给予极其个性化的评价。多鼓励学生，指导学生参与课外学习和实践，要指导功夫在诗外。
2.认真研究学生的心理和审美需要
审美活动的产生要以人的审美需要的存在为前提。人具有多种多样的需要，审美需要是最高级的需要之一。人有这种审美的需要是审美得以产生的一个前提，因为一个人如果还只是处于低级的生理需要，没有审美的需要，那他就不会去审美，得不到审美感受。这种需要有时又建立在教师的关注和期待以及善意的评价上。这种评价方式可以采用“皮格马利翁”的心理效应模式淋漓尽致的发挥，如“你太有创意了”、“你的观点很新颖”、“你的想法有意思”……，这种建立在对每一个学生充分尊重其个性发展基础上的评价方式，能让学生感觉到教师的关注和期待，使他们的学习信心百倍，有助于艺术鉴赏能力的提高。
3.要展开审美活动就必须具有良好的审美态度
所谓审美态度，主要是指一种非实用功利的和非抽象逻辑的态度，即从实用功利考虑和科学探索中解放出来，在自由的心态下只拟欣赏事物的“形象”本身。在这个物欲横流的时代，只有完善大学生的认知心理结构和审美心理结构，才能使我们的教育对象在自由的心态下进入审美。首先，要求我们的教师把“学高为师、身正为范”作为自己的座右铭，以身作则，为人师表。在课堂讲授中真正做到“授业解惑”。比如在讲解艺术作品的创作背景和形式美的同时，讲授作者的奋斗历程，激发学生的崇敬之情，这样才能培养学生良好的审美态度。
（三）创造适宜的审美环境
审美环境是人与世界（对象）能否交往、对话，能否展开审美关系的外部客观条件。这一点有时也相当重要，因为它会影响到人的心境和人对审美对象的看法。学校审美环境，不只限于艺术鉴赏的课堂教学，除此之外，还有校园环境、人文环境等都需要营造。比如帮扶学生完善艺术社团；组织书画展览、音乐会；举办艺术名家的讲座、演出；组织学生参加各类艺术比赛等对学生艺术鉴赏能力的培养都是有益的。
总之，艺术鉴赏是高等院校素质教育不可或缺的课程，我们只有遵循艺术教育的根本目标，认识艺术教育的特点，尊重艺术鉴赏教学对象的心理特点，建立和完善认知心理结构和审美心理结构，在期待视野的形成变化中逐步培养审美能力，才能获得艺术欣赏教学的艺术效果，提高大学生的艺术鉴赏能力。
参考文献：
[1]（德）姚斯.接受美学和接受理论[M].沈阳：辽宁人民出版社，1987.
[2]何林军.美学教程[M].长沙：湖南师范大学出版社，2009.
【关键词】美术教学；德育渗透；人格培养
“教书的同时始终注意育人”，在学科中渗透德育艺术的出发点，这是教育改革家魏书生教育思想的关键部分之一，也是我们现在实施素质教育的主要内容，如何借助美育的力量在美术教学中渗透德育，也是一种重要的艺术手段。
一、优化学科课程，立足渗透
《美术课程标准》为我们规定了美术课程的性质，这就是人文性质。“欣赏·评述”是美术新课程标准中一个非常重要的学习领域，自然也要充分地体现出人文性质。学科间的渗透和融合，是现代课程和改革的趋势。针对美术学科的特点，为了渗透德育，在教学内容上，首先根据现有教材，深入挖掘整体德育资源，选择、充实具有现代精神的教学内容，并注重在各个教学环节中挖掘教育素材，结合审美活动，找准德育的切入点，力求使教材内容与教学结构辨证融合，使知识传授、技能开发和人格陶冶三者同步提高。
在欣赏课上学生接触比较多的是那些人类艺术史上的经典之作，这些经典之作常常渗透着深厚的人文精神。在教师的正确引导下，学生通过欣赏，不仅学会了多角度欣赏和认识这些经典之作，提高了视觉感受能力，形成了健康的审美情趣，更重要的是让他们逐步形成了崇尚文明、珍惜优秀民族艺术与文化遗产、尊重世界多元文化的态度。
应该说“造型·表现”学习领域是美术课程内容中覆盖面最宽、分量最重的部分，该学习领域不仅培养学生对美术的基本态度和行为方法，为其他美术课程内容的学习奠定基础，而且为学生的情感和观念的表达提供最直接和最有效的方式，给他们带来极大的身心愉悦。在教学中，教师应联系社会现实和生活实际，在传授基础知识和基本技能的同时，充分调动学生的审美积极性，把美育重点放在情感的体验上。如围绕色彩教学，有意识地针对人口、资源、环境、健康等社会行为规范意识，组织学生进行宣传画临摹和创作，表达他们关心地球、关心人类、关心未来的美好愿望；联系社会现实中的真、善、美，通过收集具有时代价值、典型生动、寓意深刻的漫画、连环画和简笔画资料，让学生编绘手抄报，将艺术手法融入思想性之中，寓教于乐，也是一种深化德育的好形式。
《美术课程标准》明确指出“设计·应用”学习领域的学习目标之一就是“了解艺术形式美感及其与设计功能的统一，提高对生活物品和自己周遍环境的审美评价能力，激发美化生活的愿望。”这是对学生的美术学习在情感、态度、价值观的培养方面所应达到的目标。结合“设计·应用”学习领域这一特点，把对社会发展有价值的德育渗透于教学过程中，如引导学生收集整理商标图案、广告资料，进行产品包装、广告设计等课堂教学，使学生进一步增强商品价值观念、广告意识观念；通过标志设计教学，使学生树立起正确的消费意识、礼仪交往意识；在环境设计教学中，教育学生要关心我们生存的世界，所居住的环境，人类在享受自然赋予的同时，更有责任保护和改善这一代和将来世世代代的生存空间。在普及环保知识的同时，又增强了学生的环保意识，让学生逐步形成良好的环境道德风尚。
二、强化活动课程，重在参与
为了实施对学生德育的正确引导，就要结合美术课堂教学，充分发挥学校与社会两块阵地的教育优势，强化活动课程的功能，让学生在亲自实践、主动参与中开阔眼界，提高认识，把培养德育意识落实到自己的实际行动中。
《美术课程标准》从学生学习的角度出发，制定了“综合·探索”学习领域的达成目标。其中第三条目标是从学习方式、情感、态度的角度来制定的，强调通过“综合·探索”学习领域的活动，使学生的个性、合作精神得到发展，并主张让学生以获得的情感体验为基础，激发学习动机。在活动中，一方面，引导学生积极参与校园文化建设活动，如“校园文化节”、“创文明宿舍”、“美化校园”、“学楷模、讲奉献”等活动，采取举办书画展览、黑板报比赛、美术知识竞赛、美术小论文比赛等，对学生进行德育意识渗透。另一方面，为了充分发挥美术学科的社会教育功能，定期组织学生参与必要的社会公益活动，如“世界无烟日”、“世界环境日”、“交通安全宣传教育周”、“教师节”等，针对性地在校园内外举办专题展览、绘制招贴画、公益广告、宣传标语等；适度地参与各种艺术欣赏活动。使学生在这些健康、和谐、积极、充满美的气氛中获得极大的精神营养。通过参与，进一步培养学生关心社会、严守纪律、热爱劳动、尊敬师长、乐于奉献的美德和风尚，使德育意识真正收到良好效果。
三、树立教师形象，旨在教化
在第三次全国教育工作会议上提出：“教师是学生增长知识和思想进步的导师，他的一言一行，都会对学生产生影响，一定要在思想政治上、道德品质上、学识学风上，全面以身作则，自觉率先垂范，这样才能真正为人师表。”美术教师在审美教育过程中要牢固树立教书育人的自觉意识，既要做美育知识的传播者，又要用健康的审美观念、高尚的师德和精神风貌去教育学生，成为学生做人的良师益友，对他们进行言传身教，处处用自己的“形象”去感染他们。在教学实践中去真正体味“人类灵魂的工程师” 的丰富内涵，使德育在双向过程中得到进一步的完善和升华。
关键词：高职高专；艺术教育；课程建设；应用研究
中图分类号：G64 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）12-0207-03
艺术，是用形象来反映显示但比显示有典型性的社会意识形态，包括文学、绘画、雕塑、建筑、音乐、舞蹈、戏剧、电形、曲艺等。艺术本身就是一种文化，提高高职院校学生的文化修养，更为重要的是，艺术以提升人生境界为目标，为此，发挥它的人文教化功能，可以通过艺术教育课程这一审美活动来提高文化修养，使学生成为一个有精神、有境界、有胸怀、有教养的高尚的人。
公共艺术教育课程，与高校其他公共课程一样是高校课程体系的重要组成部分，在高素质人才培养过程中有着其他课程不可替代的作用。教育部《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》明确指出，高校公共艺术课程是为培养社会主义现代化建设所需要的高素质人才而设立的限定性选修课程，对于提高审美素养，培养创新精神和实践能力，塑造健全人格具有不可替代的作用。
但是目前高职高专艺术教育课程存在诸多如有名无实、课时量不足、开课形式单一、考核评价不规范等情况：
一、高职院校公共艺术课程建设现状
由于种种原因，目前多数高职院校公共艺术课程在开设及教学质量上，都存在一定的不足，主要表现在：
1.课程设置有名无实。在高职教育急剧发展的大背景下，有些高职院校在自身专业培养目标定位不准的情况下，往往只是迫于政策要求，在教学计划中设置了公共艺术课；在教学计划实施过程中，往往只注重于学生专业技能训练，没有给公共艺术课留下必要的时间。
2.课程管理不够规范。公共艺术课大都是任意选修课、限选课或通识教育选修课。大部分高职院校公共艺术课的开设都是由教师本人申请课程，所在教学系审查同意后上报，院教务处组织专家组听讲后审批，但在审批后，基本上处于无人管理的状态；而且上课时间一般都安排在晚上或周末，学生缺课现象严重。显然，对公共艺术课的管理很不规范。
3.课程内容杂乱无章。公共艺术课的课程管理机制导致课程内容没有章法，随意性很大，一般由任课教师自行决定。有些任课教师上课往往只是为了打发时间，基本没有教学大纲、没有讲义、没有教案。
4.课程师资力量薄弱。有些非艺术类高职院校在专业教师都配备不齐的状况下，更加缺乏艺术类教师，公共艺术课教师都是外聘的。从整体看，高职院校公共艺术课任课教师都比较年轻，大多毕业于艺术专业院校，文化底蕴欠缺。
5.课程教学设施稀缺。有些非艺术类高职院校在保障专业课程教学设施都自顾不暇的情况下，一般是不会考虑公共艺术课教学设施建设的。很多学校缺乏专用的艺术教室，公共艺术课训练像打游击，到处找地方，经常在楼道里、遗弃的旧实验室里进行。艺术活动场地更是匮乏，没有礼堂，没有剧场，没有普通学生进行艺术实践的空间。
二、艺术教育课程的目标定位
艺术课程在目标定位上，要以培养学生的艺术能力和人文素养的整体发展为总目标。在多艺术门类、多学科综合的艺术教育活动中。通过艺术活动使学生达到艺术能力、审美意识和审美情趣的逐步形成和提高。艺术课程是一种人文课程，要运用艺术感人的形式和丰富的内容，培养学生的情感和精神追求。从某种程度上讲：艺术教育就是“美育”，是当代大学生提高综合素质的一项重要内容。
三、艺术教育课程的管理
1.应当把艺术课程教育纳入学校计划应当纳入到学院的人才培养方案当中，计划的作用在于指导行动。艺术教育只有正式地纳入人才培养计划当中，才能保证内容进程和质量的落实。
2.还要拓宽实践途径，加强学生文艺杜团建设。
普遍开展学生中的群众文化活动，鼓励学生多学、多看、多做、多想，对于教师来说，由偏重艺术知识技能传授的逐段递进，转向强调学生艺术整合能力和多种文化素养的培养。以学生的心理发展为前提，强调学生的学习内容和学生的生活经验、情感体验、文化背景、科学认识的紧密联系。艺术课程要改变学习内容单一、高深、繁多的专业化倾向，要为学生提供丰富多彩的内容和信息，拓展他们的艺术视野，通过生动的教学活动及其他形式的活动，使学习内容变得鲜活充实.易被学生掌握。
3.加强校艺术团的建设，请进来，走出去。
把学校的各类艺术尖子学生分类辅导、集中训练、精心排练、请校内外专家做讲座、面对面进行辅导，然后经过精心编排的一些艺术作品再到企事业单位进行慰问演出，这样使学生感受到企业文化、又能够体验到艺术实践的魅力。
四、艺术教育课程的设计
艺术课程的设计强调不同艺术门类、不同学科之间的连接与相互渗透。高职院校艺术课程的教学可以选择不同的切入点，既可以从一个艺术门类切人，达到与其他艺术门类的综合；也可以从设计上就是多个艺术门类的兼容互通，甚至可以打破学科的界限，围绕艺术课程的内容，同非艺术学科连接，进行更广泛地综合。在围绕人文主题的艺术学习中，使学生衡够同时轻松、快乐地获得艺术的基本知识和技能。了解艺术的历史和文化内涵.形成艺术经验和艺术能力，同时培养尊重、关怀、交流、合作、分享等人文素养.促进学生个性的完善和发展。课程设计立足点的变化，将会使艺术课程体现出鲜明的人文性、综合性、创造性和愉悦性。对于非艺术专业的学生来讲，传授给他们的都应该是一些比较通俗易懂的知识，重要的是教会他们懂得和欣赏美，从而发现美。学校以开设选修课、讲座，校团委牵头举办一些相关活动及社团活动的方式。让每一位学生自行选择，既尊重学生的意愿，也给了学生自由发展的空间。
五、艺术教育课程的教学方式
高职高专的学生注重于实践课教学，由偏重教师为主导的知识技能的传输和训练，转向强调教学中的“双主体”互动关系以及学生体验性、研究性、生成性和反思性的学习过程。教师可以根据自身的家质和教学的需要，组织多种形式的综合艺术教学活动。多样化的教学形式对打破统一固定的教学模式.广泛开发教育、文化资源，调动教师的主动性、创造性、发展个性化的教学等，提供了无限广阔的空间.教学中，艺术课程强调在轻松、愉悦、民主的氛圈中，在师生、学生之间的平等对话和共同参与中进行教学活动。以音乐教学为例：一直以来.谈到音乐教育，人们便会很自然地与是否识谱、会乐器、会唱歌等具体的内容联系在一起，即把音乐教育看作是音乐知识和技能的教育。其实这种传统的音乐教育观是十分片面和狭窄的，它既忽视了音乐教育在培养和提高人的全面素质方面所具有的诸多功能，更忽视了学生个体多方面的价值，只把学生当作是接受知识的容器，见物不见人，因此，教师首先应着眼于对学生学习方式上的研究和改变，改变以往那种只重视教师“教”，而忽略了学生“学”，使学生长期处于被动接受的那种教学棋式。其次，教师应该改变以学科为中心的教学模式，注重音乐艺术在培养人的情感、态度与价值观上的地位和作用，在实际教学中探索出一套新的方法和经验，不断提高自己的业务水平。
六、艺术教育课程的评价
高职高专艺术教育课程是高校实施和深化全面素质教育的有效途径和重要内容。公共艺术教育必须紧紧抓住艺术欣赏和审美欣赏这个关键，加强人文精神的传播和渗透；同时，在明确教学目标的前提下，强化课程的改革创新，以创新求发展，将创新精神的培养贯穿全部的艺术教育当中；将能否成为促进全面素质教育总体目标的实现和达成的重要手段，作为评价体系的基本支撑和核心指标。
（一）综合性原则
在学校艺术教育评价中既是综合的，也应该是多维的，这样才能促进学校艺术教育的发展。
对学生的综合性评价：我们认为学校艺术教育注重的不是学生掌握其技术的精湛程度，而是注重学生审美能力的提高。因此，在评价中要体现出对学生在艺术活动中所表现出来的态度与能力、创新意识、原有能力基础上的提高程度等方面综合评价，形成对于学生在艺术教育活动中积极主动的态度参与、准确到位的实作参与、分析评价的表述参与的多维评价体系。
对教师的综合性评价：每学期主要通过教务部门与学校艺术教研室的教学常规检查以及通过校园网学生对任课教师的评价，结合对教师的工作成绩等方面的考核作出综合评价。
（二）实践性原则
作为高职高专院校的艺术教育，从本质上讲，他不属于理论学科，而应该是属于感受艺术为主的实践性学科。因此，在艺术教育的过程中，作为学校对学生的评价，应该结合对学生评价构成的“积极主动的态度参与、准确到位的实作参与、分析评价的表述参与”评价方式，创设尽可能多的艺术实践活动和多种活动途径，包括可以在课堂的说一说、动一动、学一学等实践活动、课外的或者是由课堂向课外延伸的艺术实践活动，因地制宜地为学生创造一个充满生动活泼的艺术实践氛围，在与校园文化建设有机结合的各项实践活动中形成实作性评价。
（三）发展性原则
“以学生发展为本”，学校艺术教育的最终目标是能让学生终身亲近艺术，因此，根据学生的心理特征、年龄特征、实际艺术基础能力为学生提供展示的舞台，促进学生学习兴趣的提高、艺术素养的内化。并以此为学生的个性发展和为每一位学生在原有基础上的潜能的发挥，创造必要的外部条件。
（四）制约性原则
在艺术教育的大背景还没有形成完善的课程评价体系的情况下，要有效实施艺术教育，学校领导对学校教育质量构成的认识是相当重要的。一所学校的教育质量理应是由学校所有的课程来体现的，因此，学校具有超前意识的教学决策有利于对艺术教育形成相应的制约性。
七、艺术教育课程的设置
高职高专艺术教育课课程设置较为单一，基本上以音乐基础知识课和欣赏课为主，如《音乐基础理论》、《怎样识简谱》等，而且程度较浅。由于学生的乐理基础知识较差，有些程度较深的如《歌曲创作》、《和声》、《浪漫派音乐》、《爵士乐》、《现代音乐》以及高级课程《计算机音乐创作》等课程难以开设。在开设的音乐欣赏课中，欧洲古典音乐占的比例很重，中国音乐及关于世界音乐如印度音乐、欧洲民间音乐、日本音乐等的课程所占比例很少或者干脆没有。其它艺术门类如舞蹈、戏剧、美术、电影等课程也很少涉及。另外，目前大多数院校音乐素质课的设置都是根据现有教师的特长，而不是根据音乐素质教育自身的规律和要求。由于没有统一的音乐教材，大学音乐课程教授的内容多为教师自己控制，在课程内容、教材选定、考核分数的随意性和主观性很大。教学计划和教学大纲也不是非常明确，有的甚至简单模仿或照搬，很多课程设置和教学方法有“重技能，轻修养”的迹象。
根据调研、考察，高职高专院校，开设课程可以大致分为以下几类：
第一类是音乐基础。如《钢琴入门与音乐基础》；《小提琴入门与音乐基础》；《西方音乐简介》、《世界音乐简介》、《音乐基础》、《作曲导论》、《音乐基础理论与视唱练耳简谱）等《书法导论》；
第二类是音乐史论。如《1750年以前的西方音乐》、《爵士乐》、《海顿、莫扎特和贝多芬》、《从舒伯特到》、《莫扎特、威尔第和瓦格纳的歌剧》、《20世纪音乐》、二十世纪中国歌曲史概祝；传统与现代音乐；美术与人类文明史等。
第三类是理论作曲。如《和声与对位》、《调式写作》、《高级调式写作》、《爵士乐和声改编》、《音乐创作》、《复调音乐》等。
第四类是音乐表演。如《音乐会合唱》、《室内合唱》、《声乐技术与表演》、《音乐会钢琴》、《交响乐队》、《室内乐队》、《钢琴即兴伴奏》、《书法》、《播音与主持》《军乐演奏》《民乐演奏》等。
第五类是专题或高级课程。如《计算机音乐创作》、《媒体音乐设计》、《音乐论文写作》、《音乐剧场监督》等。
第六类：赏析类课程键盘。如《艺术赏析》、《戏剧与中国传统文化》、《中外名剧欣赏》、《欧洲歌剧知识与赏析》、《大学生音乐知识与赏析》、《交响音乐赏析》、《中国音乐与传统文化》、《国际标准舞表演美术与艺术欣赏》、《美术作品赏析》等
八、艺术教育课程的教材建设
高职高专公共艺术教材建设是艺术课程整体建设的有机组成部分，课程建设的侮一个环节郡是相互关联、相互作用、互相制约的……课程教材的建设是艺术教师上好公共艺术理论课的基础保障，也是公共艺术教育向外拓艘技能实践环节的依据，艺术课程教材从宏观规划判其体编写的步骤实施，最终编撰出适应于高校公共艺术教育教学、建设与发展灼典有时代特色的系列教材。
对于教材的定义般为：“泛指教师用于教学的所有材料。包括教学大纲、讲授提纲、教科书、教学参考书、指定的书目等。”除此。与大学公共艺术教学相匹配的“声乐”“器乐”“美术”“书法”的技法类书籍以及影视类、舞蹈类等书籍均属高校公共艺术教材范畴，有几个显著特点：一是面向全院学生，普及艺术教育；二是开设面向全校学生的核心课程和选修课，满足学生辅修艺术的要求，三是课程交叉化。
公共艺术欣赏教材的编写可以分二种方案：
第一种方案是将音乐、美术、舞蹈、戏期欣赏教材的编写，共同构筑在相同的个平台，就是说将这四大门类艺术教材分别编写出套自身相对完整的课堂教学用书，这样单册编写也是通常采用的一种方式。这样的编写方案比较适合我因目前绝大多数高校的艺术选诊课一学年课程安排的教学需要。将四大门类的教材编写在同本书内，把音乐欣赏编写内容的比例适当大一些，因为这四大艺术门类相比之下，音乐的听觉艺术给人带来的感官冲击更具有直接性，生活中弄欢和涉足音乐的人群也是嫩庞大的。美术是视觉的、静态的.它也是有着不问群体层而的庞大队伍.似同音乐相比，参与美术的人群似乎小于音乐，所以美术欣赏编写的内容稍次之。舞蹈和戏剧常常受着艺术特点的制约，所以舞蹈和戏剧欣赏编写的内容则再次之。
第二种方案是艺术电子教材的编撰制作，电子教材是采用现代科技手段应用到教学当中的种新兴教材形式。电子教科书具有容量大、教学直观和声音、图文并茂的立体交叉应用的特点，并且不受时空的限制，既可集中教学，又可以进行网上分散的教学，尤其是艺术类学科更需要音像教学的直观配套手段，即使一般常规的艺术教学不使用电子教材授课的话，制作电子课件和配套音像资料也是非常必要的。
现代社会飞速发展，各行各业都需要全能型人才，在人才竞争的潮流中，优胜劣汰，多一种技能或者多一方面的知识优于战胜其他竟争者.那又何乐而不为呢？而且学校里的艺术教育不是商业化的产物，学生所学到的艺术还是纯粹的欣赏，少有杂质。就高职院校学生的艺术课程教育而言，作为普通教育的艺术教育不同于专业的艺术教育。它的主要目的不是培养专业的艺术家。而是着眼于提高受教育者的艺术素质和促进受教育者的审美发展，服从于促进受教育者全面发展的总体教育目标。近几年来，素质教育的实施为学校艺术教育的发展开辟了广阔的前景，艺术教育正面临着难得的发展机遇。相信随着社会的持续发展和人类认识方向的转移，艺术教育在促进对物质文明和精神文明的探索过程中必将发挥出更大的作用。
参考文献：
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关键词：马蒂斯 朱光潜 艺术创作 审美主张
本文试以《用儿童的眼光看生活》与《谈美》为例，对马蒂斯的艺术创作观与朱光潜的审美主张进行互观，在创作和欣赏、实践与审美的不同语境下，探究两位大师对于艺术创作与审美过程中必备态度和可贵品质的主张，寻找他们在艺术理想和人生追求上的精神共鸣。
一.儿童“纯净”的眼光与无功利性的“赤子之心”
作为艺术创作的第一步，“观看”被马蒂斯放在极为重要的位置：“观看本身就是一种创造性行为。”这里的“创造性”更侧重于“破旧立新”中的“破旧”之义，即抛除“养成的习惯”，忘掉“记忆中的柱头”、“一切画出过的玫瑰花”，摆脱“电影广告和杂志每天提供的现成的形象”。马蒂斯认为，只有废除一切对于心灵的“偏见”之后，美术家才能以儿童“头一次看东西时”的眼光看出事物的真实面目。
马蒂斯提及的遮蔽艺术家“纯净眼光”的因素如社会习惯、固有经验等，正与朱光潜先生在其美学著作《谈美》第一章定义的“实用态度”[1]、“科学态度”[2]之“实用”与“科学”相近。不过，朱光潜进一步对前者加以补充、概括和分类，并在审美语境下对此破坏性因素的破坏过程予以具体展现和分析。朱光潜指出，观看者在面对被观看对象时，对实用“意义”、“利害”的联想和对科学“因果”、“关系”的无限推理使得观看主体耗费大量时间与心力，从而影响美感世界所要求的“绝缘意象”[3]的生成，导致建立在独立的、无目的前提下的真正“审美态度”消失，最终导致审美之境的消失。在《文艺心理学》的“作者自白”里，朱光潜明确提到：“我的美学思想受到从康德到克罗齐的形式派美学的影响。”[4]此处先生所言“时间与心力”实质上也是借鉴了德国哲学家、美学家康德、席勒关于“游戏说”中“过剩精力”[5]的观点。作为艺术起源学说之一的“游戏说”受到康德等人的大力推崇和深入研究，席勒更在康德“艺术是自由的游戏”[6]的理论基础上，指出“过剩精力”是文艺与游戏产生的共同生理基础。但是，把艺术活动仅仅归结为“本能冲动”或者“天性”的“游戏说”也因忽略了社会因素而不能从根本上揭示艺术起源的真正原因。关于后者，朱光潜先生在形成自己的美学观点时进行了选择和再造，他将儿童在做游戏时心理、精神上的“自由”状态引入艺术欣赏的层面，提出审美过程中，审美主体进入审美之境的一大必备品质——“赤子之心”。在将“赤子之心”的重要性进一步延伸至艺术创作领域时，朱光潜解释道，艺术家作为“大人”，正是因为有“赤子”所没有的老练和严肃，而很难进入艺术的无功利性情境，从而难以创造出好的、新的作品。
朱老在这里提及的“大人者不失其赤子之心”[7]的“很难”与马蒂斯主张的“用儿童的眼光”时所需要的“努力”、“勇气”存在很大一致性。可见，在涉及艺术领域的纯洁性、独立性问题时，中西两位人文艺术家均表现出对待孩童一般爱惜、维护的珍视态度。较之马蒂斯言简意赅的理论阐释，在结合“游戏说”且详细揭示了“实用态度”、“科学态度”对于“审美态度”的破坏性后，朱光潜的“赤子之心”显得更为具体和清晰。
二.儿童“专注”的眼光与凝神之境下的“主客同构”
拥有儿童纯洁、无功利的眼光后，审美主体和创作主体便拥有了理想意义上的“过剩精力”，进而像做游戏时专心、认真、郑重的孩童那样，进入到艺术过程中的“主客同构”状态。
对于欣赏与审美语境下的“主客同构”，朱光潜首先以观察一棵古松为例进行论述：“古松的形象一半是天生的，一半也是人为的……我们每个人所直觉的物象并非是固定的，对同一物象的直觉实际上感受到的它显现于我们的‘形象’，这个形象就带有了很大的主观色彩和个人的二重创造”。[8]从“天生”、“人为”到“物象”和 “直觉形象”，在对具象化的例子加以抽象化时，朱光潜引入美学领域的“直觉形象”和“美感经验”概念，进而指出“美感经验就是形象的直觉”[9]。基于“意象的物我一气”这一“直觉形象”特点，朱光潜再次强调了审美过程中“主客同构”的主要特征。
同样，画家马蒂斯在谈及绘画创作时也流露出对“直觉形象”的类似物——“知觉的永久形象”的肯定与亲睐：“绘画最重要的方面不是模仿自然，而是把知觉变成为一种永久的形象。”随着1908年马蒂斯《画家笔记》的公开发表，“永久形象”在“来源于自然”的前提下，又被画家明确表达成“服从我的画面的精神”的“形象”。直至逝世前，画家还结合自身的实 践感受，将“自然”与“我的精神”的这种融入过程，在《用儿童的眼光看生活》一文里予以具体描述：“美术家同外部世界联合、进而渐渐地使自我与外部世界同化，直到素描表现的客观对象变成他生命的一部分，直到他把它溶入自身中，能把它作为自己的创造物表现在油画上”，“当美术家画的对象出现在其构图中时，直接或类推地，他从周围的环境中捕捉一切能滋养他内心所看到的东西”。
透过“进而”、“渐渐”、“直到”、“从而”等一系列时间副词，我们发现马蒂斯所认为的艺术创作中的“主客同构”过程含有了与实际创作本身相似的特点，同样充满了分明的层次感和时间的动态感。从周围世界获得的绘画“材料”与美术家脑中的“构图”，外在环境与自我，按照时间顺序，互不干涉、有条不紊地配合，共同完成作品的创作。这里，主客体的统一是主体与客体作为单独个体的同时存在，是两个个体的统一。马蒂斯的这一观点与英国心理学家布洛在对“经验的某种特殊态度和看法”[10]即“心理距离”进行系统论述时，所提出的关于创作主体与外界环境之间前后关系、因果关系的理论颇为类似。
相比之下，朱光潜审美过程中的“主客同一”则因审美主观因素的存在而使得主客双方真正具有了“交流”与“融合”之意。仍以“赏松”为例，朱光潜在《谈美》中这样谈道：“……因为我忘记古松和我是两件事，我就于无意之中把这种清风亮节的气概移置到古松上面去，仿佛古松原来就有这种性格。同时我又不知不觉地受古松的这种性格影响，自己也振作起来，模仿它那一副苍老劲拔的姿态。所以古松俨然变成一个人，人也俨然变成一棵古松。我们根本就不分辨所生的情感到底是属于我还是属于物的。”[11]朱老的“移情作用”不仅把审美主体的性格和情感移注于审美客体，同时也将审美客体的姿态吸收于审美主体。所谓“物我同一”的境界“不单是由我及物，同时也是由物及我的，是我的情趣和物的情趣往复回流而已”。[12]
针对“主客同一”状态下的艺术主客体，马蒂斯所主张的“前后”、“因果”关系在朱光潜这里转变为关于主客两者并列、甚至是相互依存、相互转化关系的观点阐发。朱光潜这种将广义上的两个独立事件转变为一个事件两个方面的理论方法，某种程度上含有了唯物辩证法的色彩。
尽管美学家朱光潜和画家马蒂斯分别就“欣赏”和“创造”两方面谈论“主客同构”的立足点不同，但以接受美学理论家伊泽尔提出的更广泛意义上的“艺术与美”来论，在艺术主体凝神创作或是见到意境的一刹那中，“创造便成了欣赏”，“欣赏也就是在创造”。[13]于是，儿童“聚精会神”所至的“凝神之境”就为我们对读马蒂斯、朱光潜的理论学说带来可能性和意义性。而马蒂斯、朱光潜对“主客同构”具体涵义的阐释也因中西文化土壤和社会话语的差异为探索艺术领域的“凝神之境”提供了不同的思考维度和发现空间。
朱光潜关于主客体“融合”、“转化”的观点生成，一方面鉴于“审美”的“移情”特点，一方面也受当时中国社会唯物辩证法广泛流传的影响。其所采取的由浅入深、从具体到抽象的论述方法，在符合东方人思维习惯的同时，更有利于国内读者的理解及作品思想的交流与传播。
马蒂斯在绘画创作时提及的主客“层次”、“顺序”关系，也具有其特定的语境义和文化义。作为画家，除了保持审美之心还需要具备实际创作时的清醒与理性，否则艺术作品便只存在于主体意识活跃的“构图”里而缺少现于纸上的井然和清晰。此外，马蒂斯“观点先行、论述从约”的西式思维也与中国传统的具象化表达方式颇为不同。西方文化的另一产物——基督教同样给马蒂斯的绘画创作带来启示。画家曾在《画家笔记》中对“洞察客观实体和重建时空”的艺术创作过程产生“虔诚”、“投入”等“宗教状态”和“宗教意义”的联想。
摒弃覆盖在理论表面的社会文化、思维模式因素，我们发现两位大师有关艺术“凝神之境”的共同关注。在对创作和欣赏两个领域“主客同构”的不同阐释中，他们之于认真、专注的“儿童眼光”的渴求和呼喊同样急切而真诚。
三.儿童“创造”的眼光：练习“观看”与“想象”的“心理距离”
在《用儿童的眼光看生活》文末，生命即将枯竭的画家马蒂斯发出对“一切创造本源”的“爱”的呼唤：“需要一种能够激起并保持对真理不懈追求的爱、一种能够激起并保持对伴随一件美术品诞生的强烈热情和分析的深刻的爱”。这种“不懈”、“强烈”、“深刻”的“爱”再次指向文章开头便开宗明义的“创造”主题：创造是美术家真正的职责，没有创造就没有美术。
然而此时的“创造”已穿透儿童“无功利”、“凝神”的眼光，超越“破旧”之义，近于“立新”之旨。对此，画家马蒂斯一改之前的“惜字如金”，结合自身绘画实践具体阐释这一新的“创造”之义：
当我画一幅肖像时，我一次次回到草图上，每次我都是在画一幅新的肖像：这不是一幅修改的肖像，而是重新开始的完全不同的一幅肖像；每次我都从同一人物中提取出一个不同的生命。
为了使我的研究更圆满，我时常借助于同一人物不同年龄时的照片：最终使肖像可能会显示出一个更年轻或有一种不同神态动作的人物，这个人物形象同他或她当模特儿时显示的样子不太相同，原因是我觉得这种神态动作最真实，最好地揭示了模特儿真正的个性。
在第一阶段儿童眼光& ldquo;无功利性”的基础上，马蒂斯借助“一次次回到草图”、“重新开始”、“根据不同年龄”、“不同神态动作”的阐释，给凝神的“观看”融入方法论的指导。他强调在不厌其烦的方法尝试与反复练习中见出“创造”的新意。这样的“观看”理论，早在拉斐尔《西斯廷圣母》，达·芬奇《微笑的蒙娜丽莎》等一系列名画的诞生过程中已产生积极作用。幼年达·芬奇画鸡蛋的有趣故事里也颇有这种练习式“观看”的影子。正是经过一次次的尝试和练习，达·芬奇才画出富于新意的各式“鸡蛋”，创作出一系列别具一格的艺术精品。
同是强调“创造”的重要意义，朱光潜美学中的审美创造在结合心理学之后，已脱离马蒂斯的“创作实践”，更多地显出主观“想象力”的成分。
《谈美》第二章开篇，朱光潜以“心理距离”的提出，解释了 “家花不比野花香”、“新奇的地方都比熟悉的地方美”[14]等日常生活现象。朱光潜认为，欣赏过程中产生的美和新意，在于欣赏者的“心理距离”。此处的“心理距离”，某种程度上可与儿童观看事物时所具有的想象力、联想力相联系。但是，心理距离又不完全等同于想象力，心理距离之“距离”是“适当”的。只有在创作者既摆脱了实用的目的性，又未远离凝神之境时，在两者的中间地带，想象力才会获得大展身手的机会。因而，朱光潜此处的“创造”虽然脱离了马蒂斯“观看”的实践和操作性，却也有“戴着镣铐跳舞”的意味。尽管如此，在创作者的梦境和幻境下，仍多有不俗的音乐、文学作品问世。弗洛伊德在其著作《作家与白日梦》中对此亦多有提及。这些以想象力为最初源头的作品，同样以一种梦幻的方式展现了艺术的“创造”力量。
无论是马蒂斯的“勤学苦练”，还是朱光潜的“天马行空”，作为艺术生命力的源泉，“创造”均被两位大师置于各自理论的重要位置，起着统摄全局的作用，其核心意义可见一斑。事实上，在笔者看来，艺术欣赏和创作实践两种语境下的“创造”之义并不相悖，二者具备融为一体的共通性，可共同服务于艺术世界。创作者在创作前的准备阶段，借助适当的心理距离进入一定的审美之境，继而发挥想象力，达到艺术内容上的创造；在具体创作实践中，又通过反复练习，寻得适当之法，再次达到形式之再造。由此完成的艺术作品便具有了真正意义上形神兼具、“美”“新”双收的创造之义。
四.人生的艺术化：“用儿童的眼光看生活”与“慢慢走，欣赏啊！”
“人生本来就是一种较广义的艺术。”[15]在《谈美》完结之前，朱光潜以一则“车行阿尔卑斯山谷”的故事，将其对艺术理论的阐发推及生活态度、人生哲理领域，将美学中“无目的的目的性”、“物我两忘”的“凝神之境”以及适当的“心理距离”等抽象理论，浓缩为一句启示人们简单生活、认真生活、享受生活的人生箴言“慢慢走，欣赏啊！”充满了诗性韵味和浓厚的人文关怀。这种“人生的艺术化”之美，同样见于马蒂斯《用儿童的眼光看生活》一文。画家不仅以自身多年的创作经验，更是以生命的最后呼声，呼唤人们：用孩童的眼光看待生活，追寻“伟大的爱”、“对真理不懈的爱”。
五.结语
法国画家马蒂斯和中国美学家朱光潜，尽管来自不同国家，涉足不同领域，两位人文大师关于创作和欣赏、艺术和美学两大领域的理论作品《用儿童的眼光看生活》和《谈美》却为我们带来了同样的震撼和感动。
画家马蒂斯立足绘画实践，从专业的角度，以漫谈却不失严谨的笔调阐释自己关于艺术创作的独到见解，美学家朱光潜则结合心理学，以更为详细、更具系统性的理论著述展现“朱式”美学里的审美之义。在马蒂斯富有个性的语言风格，朱光潜循循善诱、沉稳大气的理论论述中，读者既感受到西方民主氛围下艺术家的智慧之光，又领略到特殊时期中国学者的辽远之思。
当然，《用儿童的眼光看生活》和《谈美》这两部作品也因社会历史与文化因素在今天的读者看来仍存在不足之处。如前者对于中国读者而言，其过于抽象的思维方式和翻译后的语言文字，某种程度上造成了读者阅读和理解的障碍；而《谈美》在第一章中论及“实用态度”时对于“政治”因素的敏感和隐晦，整部作品中间“调和折中”[16]的论述方法以及凌空而起、“天马行空”的理论建构也让受众颇有“如鲠在喉”之感。
透过理论文字及其背后的诸多外在因素，我们却能够发现在艺术理想和人生追求上，马蒂斯和朱光潜这两位人文大师存在着难得的精神“共鸣”。他们均珍视艺术领域中“纯净”、“专注”、“创造”等类似儿童眼光般的可贵品质，他们同样对“简单”、“认真”、“诗意”的人生充满了亲近和向往之情。
而这些，正指向艺术与美学的共通性，指向对读与比较《用儿童的眼光看世界》和《谈美》这两部理论作品的可能性。在对马蒂斯艺术创作观和朱光潜美学主张的互观中，我们领略了朱光潜先生的学贯中西、马蒂斯先生关于绘画创作的“理论与实践相结合”。更为重要的是，在两位大师对于“人生艺术化”的论述中，我们进一步领略了人生艺术与人生美学的迷人魅力。
注释：
[1][8]朱光潜.《朱光潜全集·第二卷·谈美》[M].安徽：安徽教育出版社，1987年10月第1版，第9页。
[2][3]朱光潜.《朱光潜全集·第二卷·谈美》[M].安徽：安徽教育出版社，1987年10月第1版，第10页。
[4]朱光潜.《朱光潜全集·第一卷·文艺心理学》[M].安徽：安徽教育出版社，1987年10月第1版，第197页。
[5]席勒.《审美教育书简》序言[M]. 冯至译.北京：北京大学出 版社，1985年
[6]邓晓芒.《康德〈判断力批判〉释义》[M].北京：生活·读书·新知三联书店，2008年7月版第293页。
[7]朱光潜.《朱光潜全集·第二卷·谈美》[M].安徽：安徽教育出版社，1987年10月第1版，第58页。
[9]朱光潜.《朱光潜全集·第二卷·谈美》[M].安徽：安徽教育出版社，1987年10月第1版，第21页。
[10] 布洛.《作为艺术因素与审美原则的“心理距离说”》中国社科院哲学研究所美学研究室主编《美学译文》第二辑，北京：中国社会科学出版社，1980年。
[11][12]朱光潜.《朱光潜全集·第二卷·谈美》[M].安徽：安徽教育出版社，1987年10月第1版，第22页。
[13]伊泽尔.《阅读活动·审美响应理论》[M].霍桂恒，李宝彦译.北京：中国人民大学出版社，1988年12月第1版第143页。
[14]朱光潜.《朱光潜全集·第二卷·谈美》[M].安徽：安徽教育出版社，1987年10月第1版，第15页 。
[15]朱光潜.《朱光潜全集·第二卷·谈美》[M].安徽：安徽教育出版社，1987年10月第1版，第91页。
关键词：笔墨，形式，线条，气韵，动静
石涛是中国绘画优秀传统的继承者，更是绘画史中一个敢于创造并善于创造的革新家。作品重视笔墨的运用、物象的组合、奇美的布局，传神而有诗意，富有时代气息。细观石涛的笔墨“纹理”，会发现其相对独立的非具象的形式美，但又不脱离具象，体现了石涛画作的美的奥妙。现从他笔墨的线条、气韵、动静之美并结合典型作品来探讨其笔墨的形式美和对后世的影响。
一、笔墨的线条美
石涛的笔墨具有相对独立的表现美与形式美，他那具有审美趣味的墨线具有强烈的刚性美， “书法入画”的线条具有 “笔势”与动感，有着强烈的生命力。所画山石，或用凝重而流畅的中锋线条，用笔转折明确，通过直、曲线的相互运用来增强画面的现代感，具有很强的形式感；或用侧锋线条先勾出山体的轮廓，然后用不同的皴法表现其体积感。
一幅作品具有艺术美并含有深意、表现形式与众不同，使人感到处处有新异、百看不厌，这是很难达到的艺术境界，石涛的《岩壑幽居图》就达到了，它是一曲线的交响乐。论文参考。画面描绘了一间座落在崖隙的小屋，用极其蜿蜒盘扭的线条来勾勒石壁，其意义绝不在山石形象本身，我们在观赏画中的山石线条时，就好像自己也加入了画家运笔造山的创造行动中，书法般的线条给人以跃动飞舞的感觉；大量淡褐色和少量浅青色的使用，与飞动的山石轮廓组合地恰到好处。
石涛画作中状物与布线的形式美还具有多样统一的规律。他的布线注重传神、达意、抒情，并在此基础上讲究形式本身相对独立的美，这从他描绘江淮水乡的芦苇便可看出：一是疏密得当。论文参考。用粗细不等的线条画杆与枝叶，用类似竹叶的画法画芦苇叶，把芦苇组织的疏密得当，做到了“疏可走马，密不通风”；二是不齐之齐三角觚。仔细观察画中芦苇叶相交叉后组合成的空白，会发现大多都是不等边三角形或“女”字形，这种千载不易的布线规律对后来的潘天寿、黄宾虹等画家的创作产生了深远的影响。
二、笔墨的气韵美
笔墨是中国画最重要的造型手段和表现手段，从艺术表现的角度看，它是绘画造型的艺术语言，具有一定的气韵美。石涛的作品就体现了笔墨的形式气韵。论文参考。
石涛的笔墨不但有“气”而且有“韵”。从相对独立的形式美来看，其笔墨有“气势”，用他自己的话说：“先以气盛得之者，精神灿烂”，从画家的主体讲，画家自己首先要养气，具有蓬勃的生命力作画时才会“胸中勃勃”之欲出；“韵”从笔迹墨痕来看，主要指耐看的余味。石涛的笔线墨色让人看了想再看，过段时间再看仍觉得新鲜有趣味，这就是因为“韵”在其中的缘故。
石涛的《搜尽奇峰打草稿》充分体现了笔墨的气韵美。全卷笔墨浑厚苍劲，笔歌墨舞，气韵不凡。所绘的峰峦、树木、山石紧随笔迹，纵横驰骋、气脉连贯，犹如豁然长啸，具有郁勃昂扬之气，一并运于笔墨。皴法结构与点的形态都无定法，墨随笔变，笔情墨韵随意而生、随势而转，真乃笔锋下决出生活，墨韵中显见情彩。石涛的“我法”在本卷中得到充分发挥，全卷体现了饱满的创作精力，与众不同的精神气度，气绝灵变的笔墨运用，是石涛生平的杰作。细细品读此卷，可看出石涛那颗被压抑、冷落的心并没有沉沦，其内心那种昂扬激跃的气概支撑他完成此次创作，他似乎是在用绘画呐喊：“我自为我，自有我在！”耐人寻味的笔墨气韵得到了充分体现。
三、笔墨的动静美
石涛的绘画，有的笔动墨舞，苔点满目，其线条纵横驰骋，着力突出一个“动”字；有的空旷明净，意境幽远，既不点苔，也不皴笔，充分体现一个“静”字；有的动中有静、静中有动、动静结合。但都把意图和追求推到了极致，具有震撼人心的的视觉冲击力，形式感极强。从他画中的物象或笔墨线条的组合便可看出：漂浮或下垂的柳枝、飞流直下的瀑布、两山间盘绕前进的流泉及山石树木经皴擦形成的纹理、点苔，无不以气盛得之，具有相对独立的形式美，充分体现了其笔墨的动静美。
他的《庐山观瀑图》上部画香炉峰，群峰簇拥，有众山之主的气概，其下高悬的瀑布，如白练当空，使观者遐想它壮美的声音；下部是威严的山崖，崖上是一站一坐的两游山者在仰首观瀑。其间的流云散落各部，高峰、瀑布、山崖、流云的整体形象在眼前展开，与人物“观”的神态有机结合成一个整体，让人有种身临其境的感觉。全卷气势雄伟，动静结合，卷中的流云生动、突出，用游动的线纹勾勒，手法虚实相应，使得此卷静中有动、刚中有柔，充满生机。
四、结语
就地位之高、评价之隆和对后世影响之大而言，石涛无疑是清代美术史上的第一人。他以独特的笔墨描绘客观世界，进而对艺术形象加工创作，以主客观结合的新手法突破旧程式，对后来的画家影响颇深，为近现代中国绘画创作及理论发展奠定了基石：对“扬州画派”绘画风格的逐步建立和美学倾向的最终形成具有不容忽视的重要意义；对现当代山水画的创作也起到了很大的推动作用：张大千通过揣摩石涛绘画，从他的用色中得到启发创造了泼彩法；潘天寿的笔墨造型无不带有石涛的影子；何海霞、黄秋园的作品的构图和表现手法，都受了石涛很大的影响；对于今天从事艺术创作和艺术欣赏的我们来讲，其价值也是不可估量的。
参考文献
[1] 孙世昌：《石涛艺术世界》，辽宁美术出版社，2002.
[2] 杨成寅：《中国书画名家话语图解——石涛》，中国人民大学出版社，2003.
[3] 孙世昌：《石涛艺术思想演变的研究》，上海书画出版社，2002.
[4] 高居翰：《王原祁与石涛： 有法与无法的两极》，上海书画出版社，1993.
[5] 徐英槐：《中国山水画史略》，浙江大学出版社，2003.
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