时间：2023-03-27 16:38:26
导语：在设计艺术论文的撰写旅程中，学习并吸收他人佳作的精髓是一条宝贵的路径，好期刊汇集了九篇优秀范文，愿这些内容能够启发您的创作灵感，引领您探索更多的创作可能。
（一）结合当地办学优势在艺术教育教学的设置过程中，可以结合当地的办学优势，这是实现创新艺术设计的途径之一。结合当地的办学特色就是有针对性的培养学生，根据当地的实际情况合理的安排学生边学习边进行艺术创作，先创作和设计一些符合本地地方特色的东西;在课程的组织上，就是在组织课堂上突出本地的文化，在办学的理念上也定位在文化本源，在教育的定位上，可以根据当地的经济发展状况，培养有独特文化气质的人才，在毕业生的就业上，也会有相当的优势，在学科的教育上，以传统文化作为教育的重点。也就是说把创新放在本土，要把教育与当地的特色结合起来。
（二）深入挖掘区域文化我国传统文化博大精深，从传统文化的角度来看创新有着很大的困难，区域文化作为传统文化的一个重要作用，区域文化在教育创新上可以充分的利用起来，从区域文化进行艺术设计教育的创新。这样既可以彰显艺术特色就可以为创新做很大的贡献。
二、探索跨学科的培养模式
（一）综合纳入边缘学科综合学科课程的学习，有利于帮助艺术设计教育的学生拓展思路，设计教育出更多更新颖的作品。艺术设计教育是一门很广的学科，覆盖了很多的领域，与其他的学科有很大的交叉性，在与其他学科的交叉学习中不仅可以让学生掌握基本的专业知识，还可以拓展其他方面的知识，让学生们得到综合的发展，这对于艺术创造有着巨大的推动作用，对于学生思路的发展有着举足轻重的作用。
（二）开展社会实践活动在艺术创造的过程中，学生不仅要有丰富的专业知识和创新的思路，社会实践也是创造力发展的一个重要的方面，在社会实践的过程中，学生们的灵感来源于实践，取材来源于实践，创作也在实践当中，这就在很大程度上做到了理论与实践的结合，发挥了学生的创新创作的积极性。在社会实践过程中，强调学生的分析问题和解决问题的能力，有开阔的思路，在实践中是最容易找到灵感，当然也是发现问题最多的，在实践中，就能通过自己实践解决这些问题，加强与同学之间的交流与合作，培养学生的合作能力和创作能力。
三、加强整体师资队伍建设
（一）完善教师招聘制度在现代设计教育中，教师的水平是培养学生创新能力的一个重要途径。师资力量的高低直接决定学生创新能力的高低，质量较高的师资队伍在课程设置，课程完成的目标上都略高于一般水平的教师，因此，学校要对创新能力方面的教师进行严格的教师聘请制度，在教师的聘用上进行严格的考核。与此同时，对教师还要进行定期的考核制度，对于一些质量较差的教师拒之门外，使教师时刻保持警惕，不断的完善自我。另外，在薪资的待遇上也有所侧重，对于表现好的教师要有学术上和艺术创新的奖励。
中国的传统思想对人们的思想、行为有着相当重要的影响。受传统思想的影响，过去的建筑设计在空间上讲究长幼有序、尊卑有序，布局上讲究中轴对称。发展到现在，仍受这种思想的影响，所以在设计、布局中像书画一样安排，把艺术的韵律感带到空间结构中，写字赏画、陶冶情操，为平淡的日子增添了一丝乐趣。书画讲究谋篇布局，需要注意留头留尾、字与字、行与行等不同部分之间的关系，所以在建筑设计中也要注意各个建筑物之间的位置、空间大小的安排等，整个设计要自然、柔和、完美。书画艺术采用虚实结合的手法，同样在建筑设计中也采用了虚实结合的办法。一般在主建筑之前都会有壁的设计，只有穿过障壁才会看到建筑物，这样做的目的在于营造一种神秘感，使人们眼前一亮，豁然开朗。在室内的设计通常使用屏风或是书柜或是家具的摆设来隔断空间，形成一种虚虚实实的效果，增强空间的层次感。
二、书画艺术中的建筑设计
我国著名的建筑师与水彩画家张易生，以其独有的风格，运用清雅笔墨，将写实美景与巧妙的建筑构图完美的结合在了一起。其代表作之一的《冰雪覆盖的教堂》，描述的是冬季北欧的雪景，在银装素裹的大地上，被冰雪覆盖的欧式教堂，屹立在白色的世界中，给人一种肃然起敬的感觉。厚厚的冰雪覆盖了一切，目光所及之处，仅仅是一点点出入的门面。北欧的教堂建筑，极具特色，极富有北欧浓重的风土人情，在白雪皑皑的世界中，尽显宁静，冰冻与庄重。教堂，承载着人们虔诚的信仰与希望，在晨光的照耀下，给这静谧与冰冻的画面中，平添了许多温暖，祥和的基调。整幅画中最中间的一个人，背着简单的行囊，在教堂门前的站立与仰望，更为画面增添了不少肃静，使整个画面显得不十分单调。张易生的作品中，将建筑设计的构图完美的展现在了书画艺术中，将书画艺术与建筑设计巧妙地结合在一起，使建筑的风土人情完美展现，又为绘画作品增添了不少的庄重与敬仰。
三、建筑设计中的书画艺术
建筑设计，追求的崇高理想就是要与自然合二为一。而书画艺术对大自然的完美解析使得它与建筑设计紧密联系。中国画是讲究“写意”的，对真实性没有刻意的追求，而以建筑为主体的中国古代园林的安排，布局处处体现着中国传统书画艺术，往往运用写意的手法，以少概多，以简胜繁，以偏概全，在布局安排上错落有致，既体现了书法的对称、平衡之美，又通过有限的园林空间，表现着无限的人生遐想、乐趣，将中国文化的书画艺术，活灵活现的展现在了建筑上，实现了人与自然合二为一的理想。园林中，山、石、花、木、建筑的有序安排，每个部分看似分开，实际又紧密联系，就如同中国书画一样，虚实相间，相隔相通，与小中见大，大中看小，从不同的角度，不同的方位看，都可以产生不同的心境，达到“以管窥豹”的效果。建筑设计同中国书画一样，都要讲究一定的秩序，“无规矩不成方圆”，不管做出怎样的创新，都不能违背自然科学，与自然背道而驰，要追求“天人合一”，与自然相辅相成，顺应自然规律，与自然和谐共处。
四、结语
尽管我们不能十分清楚，艺术究竟是什么?但我们依然承认艺术是存在的，且是人类的重要活动之一。大多数的人不能肯定地自谓懂得「艺术，但又不稍迟疑的认为自己或多或少也能欣赏一些「艺术或「伟大的艺术品。那么，先不论不懂艺术的人到底可不可能欣赏艺术，或他们欣赏的到底是什么；艺术之包含主观成份是没有问题了。它既没有数学的准确性，也缺乏物理学的验证性；它容许某些「误差，容许独特的个性，并以此为其基本的质素。如果「艺术不为「独特，那便容许被取代，则其似乎只能算是一种技术；也可以被完全的分析，亦即我们全然的掌握它的构成，或者可以控制它的效果、影响；如此，则「艺术是可以预期的，可以被精密计划的，且有理由为求取群众间最广大的感动而制作；这样说来，艺术并不需要独立个性，而是以群众心理为依皈。那么，便只能说是一门实用科学。
但则，艺术容或是一种主观的认知，却又绝非如此单纯。当我们承认某作品为「艺术品时，艺术已经具备了客观的普遍性了。如果说，艺术是全然独特的，绝对的不与人同，则艺术不单背离了文化，也并非人「类活动，这样，它便消失于人群之中，而我们竟无法承认艺术是存在的了。因此，尽管我们不认为完全取决于大众口味的作品可以构得艺术的资格，也赞同「独特才是艺术所在，但这种「独特是必须他人可以，或可能感知的；这毋宁说是对于所见、所感的一种不落俗套的见解。
不过，这里出现了一个问题，既然「独立个性是所谓「艺术的基本质素，这就是说，艺术虽然不能脱离人类文化，但它的精义正在于能(无论我们是否为此目的)超脱并提升人类文化，它的地位必得处于高过「普遍性之上的境界；那么，我们当研究的，是否应该仅是其价值所在的此种「独特，而非它的客观原则?这却是一种含混的意解，「独特并非就不能具有客观原则，如果我们从它的相对面来探讨的话，将可更容易明白，而不致为词意所误。「概念并不是一个单独的存在，如果我们有了一个概念，那必是因为它不同于其它概念；如果我们要辨明什么是「独特的，至少要对什么是「一般的，求得一个明确的概念。「独特不能舍「一般成立，假使「一般并不存在，则所有的造型、符号皆为「独特，亦皆可称为「艺术，则我们实在并不需要「艺术这个词汇，但这显然是荒谬的。而我所说的艺术的「客观原则并非在说明它的「一般性；相反的，正在基于「一般性来探讨艺术所以「独特的原理，把「其所以为独特从我们所见的表象由概念中抽离出来，看看它们的性质维何。在「不外于所见的表象中「为什么这是艺术?，「为什么那是艺术?，如果这些的「为什么具有相类或呼应?睦砺?所谓「客观原则)，则「什么是艺术?就并非不可以概念化。
我们已经知道，「独特，是可以用来区别艺术与非艺术的，但是我们还是不明白，「艺术指的是什么?
所谓「艺术(Art)一语，源自拉丁文Ars，原意近于「技艺之属。大凡意指手工、冶铁、外科手术、雕塑、制器等等的技术。亚理斯多德(Aristotle)说:「艺术是自然的模仿，这里面含有一种「根据规则(Rules)的意思。在希腊、罗马时代，人们还没有与技艺不同而我们所称之为艺术的观念。
到了中古拉丁语的Ars，则类似早期英语的Art，指任何型式的书本学问。例如莎士比亚(WilliamShakespeare)剧作“TheTempest”(或译「暴风雨)中，潘鲁庇罗(Prbspero)，脱下法衣时，说道“Liethere，myart”(躺下吧，我的法术)；到了十八世纪，兰姆姊弟(MaryLamb与CharlesLamb)作「莎士比亚故事集时，也还把Art这个字当作「学问来使用(如:theknowledgeofthisart)。可见当时，艺术只是隐藏、寄托在其它的学问之中，并未被充分的认知、探讨。迟至十八、九世纪，「实用艺术与「优美艺术的分野愈趋明朗，最后，艺术在理论上，终于完全从技艺中分离出来了。
所以，我们当清楚，「艺术的意义，不在它原来是什么，因为它原来也并不是什么。「艺术不像花、草、树等，经由观察、归纳而赋予的名称。它是纯然人为的，我们用它特指一种我们所要指称的意态；然而，它虽然可以是一种「概念，我们又无法分析它的构成(如前所言)，则我们竟无法说明「艺术是什么么?亦不至于此，诚然我们不能解剖「艺术的内蕴，但且让我们像伟大的达芬奇(LeonadoDaVenci)所做的，微笑的蒙娜丽莎是可描摹的；至于她的微笑，让画中的蒙娜丽莎自己表述罢!
艺术与艺术媒介
当一件作品发生「非艺术与「是艺术的争议时，通常我们是在说，这个形象或意象的建构，只是一种技艺的完成；或是它并不代表技艺本身，而是另有所指。我们认为精良的技艺绝非艺术，但我们又为何常常须要在这当中将之区别开来呢?可见技艺与艺术间确有某种重要的连系。
艺术为何总是不能摆脱与技艺的纠葛呢?或许是我们误解了，其实它与技艺之间的关系不如我们想见的暧昧。
克洛齐(BenedettoCroce)在其著作「美学原理中提到:
审美的全程可以分成四个阶段:一，诸印像；二，表现，即心灵审美的综合作用；三，的陪伴，即美的，或审美的；四，由审美的事实见到物质的现象翻译(声音，音调，动向，线纹与颜色的组合之类)。任何人都可以看出真正可以算得审美的，真正实在的，那首要点是在第二阶段…。
------第十三章
审美的事实在诸印像的表现工夫之中就已完成。我们在心中作成文字，明确地构思一个图形或雕像，或是找到一个乐调，这时候表现就已产生而且完成了，……艺术作品(审美的作品)都是「内在的，所谓「外在的已不复是艺术作品。---------第六章
这个看法是实在的，但只说明了部分的事实，我们承认艺术本身是「内在的，但不能同意「艺术作品也是「内在的。「作品的本身就是外在行为，是一种传达艺术的媒介。
丰子恺谓:「艺术品尚潜伏在艺术家心中而未曾表现于外部时，叫做『内术品。表现于外部，称为『外术品。是。
「艺术是独立的意象，如果不经传达，虽不为人所知，却也不能就说它是没有的。而「艺术品并不等于「艺术，敷于造型，它只是石块、泥团或铁堆而已；敷于音乐，它只是具有某些规律的一串声响而已；敷于文学，它只不过是一些纸张、墨水而已；敷于戏剧，又不外是一群活动的人偶。它们的价值全在忠实的模仿或传达艺术，所以它们的价值可上拟艺术，但终究不是艺术本身。
如果米开兰基罗(Michelangelo)已然断臂，或贝多芬(Beethoven)在失聪之后，并不将他的感受再度化为具体形质(这里是说声响)表现出来，亦不因此就说他们已经失却了「艺术，这是极容易明白的。
因此，艺术是艺术，要将艺术近于真实的传导出来，就得依赖精湛的技艺为之，藉由一个技艺的表象--我们所制造的艺术媒介，来传达艺术。
英人科林伍德(RobinGeorgeCollingwood)曾对技艺与艺术之关系作过一番明白的剖析，他认为:
称一幅肖像是艺术品时，我们所指的东西比这幅肖像更多。我们除了指画家屈从于描绘逼真任务的艺术技巧之外，还指高于逼真任务的进一步的艺术性。
---------艺术原理.第三章.第二节
这就是说，技艺与艺术是全然不同的两回事，然而技艺却可以为艺术服务。经由艺术的主导，借着技艺的表象完成艺术创作。因此，技艺是达成实用目的的手段，且我们将「艺术的传达看做一种实用目的，并由技艺负责执行。
这里，我节录罗丹(AugusteRodin)的遗嘱来阐明技艺对艺术所做的供献:
艺术就是感情。如果没有体积、比例、色彩的学问，没有灵敏的手，最强烈的感情也是瘫痪的。最伟大的诗人，如果他在国外，不通其语言，他能做什么呢?不幸在新一代的艺术家里面，有不少拒绝学习怎样说话的诗人，所以他们只能含糊其词了。
要有耐心!不要依靠灵感。灵感是不存在的。艺术家的优良品质，无非是智慧、专心、真挚、意志。像诚实的工人一样完成你们的工作吧。
你们要真实，青年们；但这并不是说，要平板的精确。世间有一种低级的精确那就是照相和翻模的精确。有了内在的真理，才开始有艺术。希望你们用所有的形体，所有的颜色来表达这种情感吧。
------------------PaulGsell笔记
在这段话里，罗丹把艺术叫做「情感、「内在的真理，而「体积、比例、色彩的学问、「灵敏的手、「学习怎样说话、「像诚实的工人，这不是在说「技艺么?这不正在说明技艺的重要，与技艺及艺术之间的关系么?且「最强烈的感情也是瘫痪的(只是瘫痪，不是没有)、「他能做什么呢?、「来表达这种情感吧，又不正表示艺术的传导正是一种实用目的么?至于「平板的精确、「低级的精确，实在就在说技艺之所以为技艺，技艺之所以不为艺术。
但是，我们应当注意，所谓的「技艺、「实用目的等，只发生在「传达之过程--即艺术的创造过程与艺术欣赏的实现。例如作诗，我们已经有了一个意象，甫一构思，便流入理性，亦开始了传导的过程，直至得句、推敲、完句(此时亦可能得到更多意象)，乃至他人吟哦讽诵，这些都包含在艺术活动当中；但自从「甫一构思开始，到「他人吟哦讽诵的这一串内、外行为，都应算是传达的过程，它们不是艺术，而是技艺。至于被传达物--「艺术则非如此。艺术的位置在本初的意象，衍生的意象，及「吟哦讽诵后产生的意象。
现在，我们已经清楚「艺术、「艺术品与「非艺术(技艺)的区别及关系，将这些经常混迹于艺术概念中的杂质廓除后，便可对于「艺术是什么?好好的探索去。
托尔斯泰(LeoTolstoy)在他的「艺术论里说道:
祇要视者听者能感到创作者同样的情感，这就是艺术。
艺术行为是引出自己所受的情感，而借着行动、线、颜色、声音以及语言所显出的样式，来传达情感于他人。艺术是一种人类行为，其中一人以一定的外部标准传达所受的情感于他人，他人对这种情感也同样的感受起来。
-----------第五章
艺术真是这样的吗?果是如此，则艺术可以「感同身受一语括尽。托尔斯泰认为，艺术不但与「美无关，也并非人类疲劳余暇的游戏、情绪的发散、快乐等，而是「为人类生命及趋向幸福宜有的一种交际方法，使人类得以相联于同样的情感之下。
这的确是艺术的一个重要特质，但这只能说明艺术之可以传达与艺术传达的目的；重要的是，他厘清了其余心理活动对于艺术涵义的不必要联系；不过，这犹不足以描摹艺术的形貌，且立论也嫌粗略。让我们来考察一下，这段话的意思即「艺术是感情的精确传达，并引发相同感受。他又说道:「区分艺术真伪的唯一标准是它的传染性。(「艺术论，第十五章)然而，有时我们有些简单的情绪或浮浅的感受，未始不能透过既有的、俗套的型式清楚传达。例如「你是我见过最美的女人，设使这句话真是一名男子的心声，同时，作为对像的女子也感到「我真是他见过最美的女人，此时是否就构成了艺术?如果这对男女的心意都是真诚的，我们可以承认这当中的确带有某些类似艺术的成份，但真正的艺术则远较为深刻。我们在前面说过，艺术必须是独特的、不可取代的，否则便落入现实生活的实用性，而非较高的精神层面。在这一方面，叔本华(ArthurSchopenhauer)有比较深入的发挥:
艺术家当作描写的目标的艺术对象，从柏拉图的立意来讲，说穿了就是一个理念，再不是别的了。对艺术对象的认识，必须在艺术家的作品以前，而形成为它的根本、它的来源；这个对象不是特殊的事物，不是普通体会的对象，也不是概念--那科学与理性思考的对象。……概念是抽象的、反省的，在概念的领域内它自己完全不能被决定，……理念，或许可以当作概念适切的代表来定义，它是绝对属于知觉方面的，……只有那把自己超然高举越过了一切意志活动、一切独立个体性而达到了纯粹认知主体的人，才把它认知(理念)。……艺术作品中体会出来重复出来的理念，只按照每个人自己智能高低的水准，而对他有或多或少的吸引力。
-----------意志与表象的世界--49节
艺术是「理念，但他所说的「理念究竟是什么意思呢?据他自己的解释，「概念是综合的思维及判断，像个死板的容器，除了你放进去的，再也不能产生其它什么。「理念则像有机的生命，自己发展，并孕含创造力。模仿者、讲究形式的人，从概念来制造他的作品，他们注意到什么是讨喜的、感人的，并将之固定在概念中，故其作品是没有生命的，且无法消化，其杂质总是存在，只能是时代的产物。「天才正为相反，他透过知觉的印像(理念)来转化所吸收的东西，创造新的出来；最高度的文化熏陶也不致干扰他的创造性、原始性，这样的艺术可长可久，永远保有新鲜的吸引力。
例如我们常言的「空、有义。设若杯为「空器，水为「有物；当「空、「有为「概念时，它只是一种相为对待的关系，即空则不有，有不为空；我们以为这已经明朗清楚了，就「概念(这是「物象)而言，是的。「理念(此为「物情)却不从此见；「杯中无水是「空的「物象，但其「物情则同时包含「空、有；杯中无水固成其「空，但因此「空恰为盛水之因(空才有盛水的可能性)，故已具「有性，而若执此「空不令为「有，其与「有同，失去「空性，亦落「有；亦即执「空不使水入，此与「水满不复得入同，皆为「水并不入，故称「已有。「有性亦是，如水旋入旋倾，则此杯等如空杯，因其保持「可令水入的状态；若执「有不令水入，其性又与「空同，「空为水不入，「有则水不得入，二者水皆不入，为同一「物情。是故，以理念而言，「空、有的概念只是对「现象的一种浅薄认识而已，且所有的概念亦都是一种浮浅的「计执。
我们当明白，「概念是死的，是「执着的，它是一种「理性的了别，尽管工夫做到极端的细密，至多能让我们组织一个「物理式的心理结构，它能助我们初步的掌握物象，但也就是如此了。「理念的看待世界则是「了然对境，可以无入而不自得；可以终日随缘，终日不动。因为「理念是对物的一种超脱「自我意志的观察及觉知，它用「世界的意志来看世界，所以能够尽得其情而无所偏颇；也唯有心灵的「自我意志泯灭净尽，才得一见「纯然的理念。
定论艺术
因此，艺术是一种心灵高度的、纯净的发挥；它是一种对事物超然的感受，一种完全脱离社会观点、理性思维的观照；它之所以「独特，在于断然去除一切人类习性的沾染，它只是把事物本身，干净的还给我们而已；它既不在意既成的概念，也不屈从于普遍的误解。如果我们能感受到纯然的艺术(无论是原创或被传导。就另一个角度来看，感知只能是相类的；在这个意义之下，「感受事实上也正在创作。)，这个时刻，我们是清净无瑕的，是卸去「原罪的；道家的「能婴儿乎与佛教的「直观可说是相类的境界。正如华格纳(RichardWagner)所言贝多芬的「第九号交响曲是「通往天国之钥。然而，这样的陈义，是否太高，而自绝于群众?纵使真是这样，也是无可奈何的。堪称「艺术的，原本不多，能达到艺术顶峰的，更是难得一见；这是为什么绝顶的艺术总是不被了解，甚至不能为其时代所认同。只是，我们要说，艺术其实是有程度等差的，绝对纯然的艺术可说是绝无仅有，若不是相攘的心灵也无从判断起；且艺术也不应被赋予「难、易的概念，只能说是心灵如何，便感受如何。一个心灵高渺的人，当他接触到较近于通俗的艺术时，通常感知到较多的杂质干扰，便不易感动起来；这是因为此艺术纯化的程度原本较少。而凡夫日日浸于此类杂质之中，亦不能觉其不妥处，对于其中偶有的数笔超脱处反能认真的咀嚼一番，领略一番，而觉其颇堪玩味。反过来说，一个俗子不意进入艺术殿堂，由于彼此心灵相距太远，至于完全不能契合，便得入宝山空手回而不自知；这中间的信道是截然不通的，并没有难易之别。而具此心灵的人则自能领受不尽，亦没有难易。
事实是这样的，我们的心灵越能纯化、净化，则达到的艺术境地也就越高；我们的心灵越明澈，我们的直觉就越不受到杂质的干扰，越能让事物的本相不经扭曲的照入，即是，不受「自我意识的扰乱，例如我们以为玻璃是完全透明的，不知它正造成折射而我们并不自觉，这就是「观的障碍；此时，我们与外界其实是隔绝的，观察不清的；当我们越能打破这层层障碍，就越能认清世界；果能彻底破尽此种障蔽，便与万物打成一片，水融。所以，艺术是什么?艺术就是我们摆脱固有的或被形成的个性(意志)的一种成就。是以，我们且不要过度注意艺术作品的外在面貌，如梵谷(VincentVanGogh)的炽烈，拉斐尔(Rapheal)的静谧，这当然是感人的或可喜的，且这是他们为人们揭示艺术秘奥与自然真理的方法，我们固然赞叹这些方法运用得如此高妙，但这还只是意志的一种表象，柏拉图(Plato)说:「人们应该观察的，并不是那些被称之为美的个别对象；而是美。艺术也一样，一幅画作，就是一个画家的心血所寄；就像一个学者的文凭，文凭或许是我们评判的标准，但重点是，所以造成文凭的学识究是那些?这才是价值所在，我们能够追究出来么?「艺术作品是我们观察的对象，我们要是能够观察到它的「艺术所在，也就是对于我们的心灵做一番洗涤了。
尽管艺术外显的形貌依着人文发展而时时变动，它却始终是人类对于洗净不绝沾染、累积的尘垢所做的努力。
余渖附笔
艺术不同于试图将人性「类化的伦理学，也不是准备开启「上帝之门的形上学，更不是操作情绪反应的心理学。我们不否认这些形形的哲学(或科学)体系对艺术心灵的探究多少有些帮助，但艺术只是一种独立的现象，不当与其它科目混同才好。
传统文化包含丰富的内容，不仅有儒家文化，还有道家文化、佛教文化等等，这些文化经过继承和发展，形成具有自身鲜明特征的文化，也是人类智慧的结晶。而环境艺术设计是一项系统复杂、综合性很强的工作，包括环境与设施规划、造型设计、材料选择、使用功能与审美功能等等，其设计手法多种多样，通过设计工作，能够为人们现代生活创造良好的环境。同时，设计也不同程度受到传统文化的影响，主要表现为设计理念、设计艺术特征、设计水平等方面。(一)创新环境艺术设计理念。现代环境艺术设计是一项系统复杂的工作，集中了环境、空间于一体。在设计中，要综合考虑传统文化因素，结合时展特征和要求，通过采取相应的措施，促进设计水平提高。有效传承优秀文化因素，设计中融入现代设计理念，传承优秀文化。开展现代环境艺术设计时，首先结合当地自然地理环境，做好景观设计、风格设计、材料选购等工作，然后结合传统文化因素，增强设计现代气息，实现设计工作的创新，促进设计水平提高。(二)增强人文环境艺术特征。现代环境艺术设计，不仅要注重功能方面的因素，满足人们使用要求，还要注重满足人们更高层次的需要，为人们营造良好的环境氛围。通过合理利用传统文化因素，能够增强人文环境艺术特征，为人们生活创造良好的环境氛围。传统文化注重人与自然的和谐，促进设计水平提高，增强人文气息，提高环境文化氛围，为人们生活创造良好的环境。(三)提升环境艺术设计水平。设计过程中通过合理利用传统文化因素，并结合新时代、新特征，将文化因素巧妙地融入设计中，进而增强了设计的文化底蕴，对传统文化进行凝练和继承，满足人们审美心理需求，推动环境艺术设计工作的创新，也有利于提高现代环境艺术设计水平。
二、传统文化在现代环境艺术设计的具体运用
传统文化满足现代环境艺术设计的需要，在设计中有着广泛的运用，渗透到设计工作的各个领域。主要体现在以下几个方面。(一)用形。传统文化对现代环境艺术设计图形有着重要影响。其中比较突出的表现是将传统图形直接运用到设计工作中。在设计过程中，通过将传统文化元素重新依附在一个新的载体上，为其重新设计视觉环境，发挥原图信息。通过这种直接使用，并结合现代环境艺术设计工作需要，对其进行设计创新，同时考虑周围环境、设计工艺、产品材质等内容。对这些因素进行合理组合，满足设计工作需要，展示其独特的设计韵味。例如，上海经贸大厦设计中，其结构独特，让人感到亲切，设计过程中受到传统文化的影响，其造型受到唐代大雁塔的启发，因其独特的造型不仅使整座建筑显得美观，还为人们生活与工作设计出舒适的环境，得到人们的一致好评。(二)用意。在中国古代建筑设计和室内装潢中，人们习惯运用含蓄的手法传情表意，不仅注重外观设计工作，还注重通过外观设计来表达思想感情。因此，从建筑的外部形态设计到室内外空间布局，都注重考虑审美和功能要求，选择恰当的文化图案和陈设，注重引入传统文化元素，从而让这些环境承载着独特的文化内涵。在现代环境艺术设计过程中，这种方法叫做隐喻。也就是在设计过程中，注重通过合理运用环境构成元素，来表达环境本体以外的内涵、意蕴和价值，从而体现设计者的设计思想。(三)形神并举。在设计过程中，需要运用现代审美观念去审视传统文化，将传统文化合理融入设计过程中。同时还要在充分理解传统文化基础之上，感受其外形特征，并深刻领悟设计所表达的意蕴，让传统文化更好地融入现代环境艺术设计，并推动设计工作的创新发展。在中国传统环境艺术设计过程中，都十分注重对线条的运用，线条具有长度、宽度、方向、厚重感，还注重通过线条表现出速度和力量。其中最为恰当的描述是形神并举，使环境艺术设计不仅满足人们使用的需要，还能够体现出诗情画意，促进设计水平提高。例如，在苏州博物馆设计过程中，十分注重对传统文化元素的运用，同时也在设计中注入现代设计理念和审美观念。从外形结构来看，苏州博物馆具有现代气息，而其内部组合包含传统文化元素，富有传统文化情调。例如，比较具有代表性的结构设计是利用石板做成山水组合，不仅外形漂亮，还充满人文气息，赢得人们的一致好评，也为人们营造出舒适的环境。
三、促进传统文化在现代环境艺术设计中运用的策略
(一)环境艺术设计中注重吸收传统文化。传统文化对现代环境艺术设计具有重要影响，设计中不能忽视其重要作用，应该结合设计工作的需要，将传统文化元素恰当地融入设计工作中。我国传统文化内涵丰富，集中了儒家、道家、佛家等内容，对环境艺术设计具有重要作用。因而在设计过程中，要考虑传统文化的内涵，结合人们的审美观念、审美特点，吸取传统文化的精髓，将其合理有效地运用到现代环境艺术设计工作中，从而促进设计水平提高。只有这样，才能设计出具有浓厚民族精神、深邃意境的作品，更好满足人们需要，提高人们审美情趣。(二)继承和发展传统文化并推动设计创新。注重环境艺术设计的创新，传统文化并不是一成不变的，在设计中运用需要结合时代特征，推动传统文化的创新发展。设计师在设计过程中，一方面要接受传统文化知识，另一方面要合理吸收和利用传统文化，促进设计工作不断优化与发展。环境艺术设计既要有传统文化特点，又要充满时代气息，在对传统文化进行继承的前提下，推动设计工作创新，促进现代环境艺术设计工作不断发展与进步。
四、结语
艺术设计作为人类创造活动的一种重要形式，在当今社会经济高度发展的时代，已与国家的经济命运、资源的开发、国家建设发展、社会的物质文明与精神文明建设密切相关，是一项重大的战略问题。从艺术设计本身的发展来看，设计的起源有两个显著特征，其一是劳动的分工，其二是生产工艺的改进使得大规模生产和低消耗成为可能。设计的每一次飞跃和进步，都处在因社会分工而造成的社会经济高度发达的时期。首先，因为社会经济发达，社会需求加大、人类文明和审美情趣的提高，为艺术设计提出了更高的要求并提供了雄厚的物质基础。其次，社会经济高度发达时期也是社会观念大变革、大解放时期，为艺术设计的应用和发展提供了广阔的思想和思维空间。
当代社会设计已渗透到经济生活的方方面面，艺术设计也已成为提高经济效益和市场竞争的根本战略和有效途径，作为经济的载体，设计是国家和企业发展最有效的手段。重视与推进设计产业和设计教育，已成为关系一个国家发展的重要任务，因此许多经济发达国家都把发展设计产业和设计教育作为一项基本国策，放在国家发展战略的高度上来把握。以人为本的智能化生存方式已经逐渐改变了我们以往习惯的学习和工作模式，人性化设计是对这种生存意义的物化诠释。好的艺术设计往往体现了科技人性的一种外化与内涵，因此，科学与艺术的合作与对话就有其更重要的意义。充分认识设计的重要社会价值，从艺术设计是生产力的角度予以关注和扶植，艺术设计就能够推动国家经济的发展。
艺术设计的经济价值
艺术设计的价值必须投入到社会经济活动中得以实现，社会经济是基础，艺术设计要为发展社会经济服务。21世纪是一个“知识经济”也是一个“循环经济”时代，所谓的“循环经济”是一种以资源高效率利用和循环利用为核心，以“减量化，再利用、资源化”为原则；以低消耗、低排放，高效率为基本特征，符合可持续发展理念的经济增长模式，其中资源高效利用除物质方面的还有知识方面的资源的整合与利用，而不断地创新设计正是企业可持续发展的重要组成部分，也是新的经济增长方式内容之一。
设计是科学与应用、技术与生活、企业与市场、生产与消费之间的桥梁，是促进经济增长的工具。在当今世界经济中，制造业和服务业占有重要的地位，而在这两个部门的市场竞争中，需要生产、设计和销售三个环节的紧密配合，而设计便是平衡、协调各种制约因素，使消费者与生产者的利益达到一个均衡的整体，将我们生活环境按照美和机能的统一进行造物的活动。市场经济的建立及发展和科学技术水平的巨大进步，提供了批量化生产的可能性和必要性，与之相适应的社会结构也发生了很大的变化。商品的制造者是生产厂家，它们的目的很明确：产品必须具有市场竞争力，对于新商品而言还必须有巨大的市场，不管是设计的还是制造者，驱动他们开发新产品、提高设计质量的最终目的都是经济效益，而实现经济效益的惟一途径，就是市场。
艺术设计发展的原动力在于人们对美的不懈追求。这种追求是自发的、与生俱来的。正是这种对美好事物的向往与追求，成为推动社会经济发展的强大动力。我们说科学技术是生产力，就在于它能推动社会经济的发展。艺术设计能够促进社会经济的发展，主要表现在它不仅满足了人们不断增长的物质需求，也满足了人们的精神需求。艺术设计是把预期目的和观念具体化、实体化的手段，是人们进行经济建设活动的先期过程。它的本质是人们对将要进行的经济建设活动做出艺术化的设想和筹划。总体来看，这种设想和筹划是进步的，发展的，甚至是超前的，从这个角度来说，“艺术设计也是一种生产力”、“设计就是经济效益”的说法明确了艺术设计是一种推动社会发展的动力。
艺术设计作为生产力与市场的关系
科学技术是第一生产力，生产工具的改进和创新，新的劳动对象的发现和利用，新的工艺流程的设计以及生产管理水平的提高等，均须依赖科学技术的发展。生产力的发展是生产力的各个要素相互作用的结果，艺术设计具有科学的属性，作为生产力的内在要素，渗透在生产力的其他要素之中，它的变化必然引发其他要素的变化，从而引起生产力整体的变化，推动生产力水平的提高。
艺术设计，是随着市场经济在中国的兴起而兴起的，是为了适应市场经济的需要而产生的。应该说，在中国，艺术设计从诞生的那天起，就与市场经济发生了割不断的联系。艺术设计的发展是伴随着现代市场的增大则发展的。艺术设计作为一门融技术学科、美学、经济学、环境学、人文科学、销售学、市场学、人体工程学、创造学以及社会学、社会心理学、人类学等为一体的综合性边缘学科，艺术设计的主要功能和使命决定了艺术设计同社会与市场紧密联系，艺术设计必须面向市场需求，科技、艺术和市场的结合点在设计。
市场原理认为，市场是商品经济的范畴。哪里有商品生产，哪里就有市场。市场是人类社会劳动商品生产发展到一定阶段的产物，艺术设计与商品的生产一直是密切联系在一起的。商品的设计质量、生产质量的好坏都可以通过市场得到检验；市场及市场需求在一定意义上成为了艺术设计的一处重要基础和衡量设计成功与否的尺度；艺术设计与市场的关系实际上是设计与消费者的关系。艺术设计推动市场竞争，联结技术和市场，创造好的商品和媒介，拉开商品的差别，创造高附加值，创造新市场，促进市场的细分，降低成本。现在意义上的产品创新是全方位全层次的，不再局限在技术创新，形象创新上，而是进入了设计创新的时代。谁把握住了设计潮流，谁就掌握了市场，市场的竞争也就是设计的竞争，设计力就是竞争力，是一种新型的社会生产力。
艺术设计满足消费者不断增长的物质需求和精神需求
艺术设计是高新技术与日常生活的桥梁，是企业与消费者联系的纽带。在全球化经济日益激烈的竞争中，设计正在成为企业经营的重要资源。未来的发展趋势是设计人员将越来越成为构成利润链不可缺的一部分，好的设计工作越来越被认为是市场中产品的区分者。市场竞争中单单凭借质量取胜已经不够，还要加上出色的设计，设计能够成为企业重要的资源，促进社会经济的发展，主要表现在它满足了消费者不断增长的物质需求和精神需求。
（一）对纤维艺术风格的影响
自21世纪以来，蒸汽机的发明给人们带来很大的工作效率，机器造就出来的物质往往以工业化的方式呈现在人们的眼中，继而融入到生活当中。但这种方式质量没有手工精致，对艺术家的创作风格也受到了限制，但却给艺术家带来新的机会，能够让艺术家在艺术风格上和材质上有了更多选择和可能性。例如麦秆、绳带、玻璃、纱网、衣服，皮草，亮片、芦苇等都被当代艺术家巧妙灵活运动到艺术作品中。
（二）对创作艺术素材的影响
如今科技的发展迅速，为了扩大纤维艺术素材的应用范围，不断地研究，使其在应用过程中能够达到人们的需求。传统的纤维素材很古老，当代已经能够在取材中得到很大帮助。现在的高科技、网络、信息、3D技术等都有着高速的发展，此类科技均可以运用到纤维艺术的创造中。然而随着科技的发展，纤维艺术的创作已经从二维空间到三维空间以及更多立体。
（三）纺织科技进步对纤维的影响
“纺织”在中国历史上有着悠久的历史，近几年来科技技术的发展非常瞩目，绿色纤维、再生纤维和再生涤纶，都是纺织工业的技术衍生品，在石油紧缺的情况下，可以使用工业科技创造艺术品。如今大家比较熟悉的聚酯纤维，亚麻纤维，聚酯纤维和亚麻纤维的面料越来越多，纺织科技的进步与技术为当今的艺术家们提供了更多的想象和创作空间。
二、当代纤维艺术色彩运用的多元化特点
（一）材质的多元化
现如今，人们对纤维艺术有着很高的标准，对材质方面要求也很高。让人们在材质的选择上了有更多新的突破。例如皮革、毛线、布匹、塑料、金属等都可以被人们利用，运用到自己的作品当中。在当代纤维艺术设计品中，装置艺术、策划艺术、舞台灯光效果、摄影艺术等现在艺术都在努力加强，这些工业文明的痕迹都是纤维艺术的主要取材对象。
（二）编制方法的色彩多元化
材质的色彩在纤维艺术当中占有重要的位置，材质的色彩在编织过程中并非一成不变。纤维艺术方法的编织色彩都可以运用到平纹组织、斜纹组织，编织出的效果色彩丰富，根据艺术品的不同编织手法，会给人带来多种的感受。因此纤维艺术的编织方法可以让多元化色彩的发展成为可能。在编制方面，选择的不同颜色能够为作品带来不同的反响，让人们也多了几分选择。纤维艺术家在同一件作品中使用不同的编织手法以及色泽上的使用，就可以在原有的基础上达到更好的创新视觉效果。
三、当代纤维艺术设计理念的多元化
（一）“去中心化”格局理念的多元化
“去中心化”的理念在纤维艺术中有很明显特点，这种特点非常显著。随着西方文化水平提高，思想活跃，人们观念也逐渐变得开放，能够突破传统思维理念，对“去中心化”有着独到的见解。“去中心化”的格局理念逐渐面向社会，转向多元化理念，这种“去中心化”在当代纤维艺术理念中的应用居多，并且也得到了广大创作者和消费者的喜爱。
（二）审美形态理念多元化
随着科技水平的不断提高，人们在科技方面有了较高的成就，其中，全新的设计理念是能够在自己的艺术品中融入多种的科技方法。例如：印刷、复制、染色等都会被艺术家所采用。但也有不少纤维创作者在创造中反对使用科技，更注重传统的设计方法，在设计中更注重包括工艺、材料、色彩等方面的因素。当代纤维创作者接收的不同讯息，使其在创作中也加入了多元化设计理念，所以，当代纤维设计创作能够更加繁荣。
（三）情感多元化
情感多元化是指在纤维艺术品的创作中融入设计师的个人情感，通常，设计师喜欢在自己的艺术作品中加入自身的感彩。例如韩国著名的纤维艺术家刘贞惠，她在写作的时候对“爱”情有独钟，在其作品中有很强的表现，至今一直围绕着这一主题来创作。她的作品中既体现了她对人生的认识与理解，也体现了艺术家自己的情感因素。而她的作品当中不仅仅是对“爱”的表现，还有用垂直状来强调女性的身份特征，她用隐含的方式在她的作品中体现出她的生活质量。她将各种方式尽可能地在作品中能够体现到“爱”。
四、结语
一、现代基本设计课程与传统教学艺术设计教学的区别
电脑艺术设计课程是现代设计艺术的重要组成部分，是视觉传达的重要手段。其教学内容包括编排设计原则、编排设计原理、编排的视觉流程、编排设计的形式法则、编排的基本类型、文字的编排构成、图形的编排构成及现代编排设计的发展趋势等。通过在版面上对空间层次、主从关系、视觉秩序及彼此间的逻辑条理性的把握与运用，将有限的视觉元素进行有机的排列组合，将理性思维个性化地表现出来，使版面编排获得良好的诱导力，更好地突出主题，在传达信息的同时，产生感官上的美感，达成最佳的诉求效果。
1.教学内容外在形式的变化
传统的编排设计教学的最大弊病在于信息传递媒体单一，教师靠口述和板书及有限的范围在一定时间内，往往只能传授给学生知识的结论，难以让学生直观感知、欣赏国内外众多的优秀设计作品，更无法从多角度、多环境立体而全面地分析其创意形成的过程。学生经自己观察、思考、抽象后形成的知识少，实际上不自觉地扼杀了学生全面探索以及创造性思维的能力，从而限制了学生素质的全面提高和能力的培养。多媒体技术的介入，无疑为电脑艺术设计教学注入了新的内容，在同样的时间内，课件以文字、图像、声音等有机结合的方式运用于教学，为学生创造了良好的知识情境，引导学生自己去探索、发现、归纳、总结知识的结论，从而有利于学生把握知识的整体和各个侧面，增强了教学的系统性、深入性。
2.教学内容内在结构的变化
教学内容的内在结构就是学科知识结构的组织设计。知识结构是学科知识间的逻辑关系，是学科内含智力因素的信息源。传统的编排设计教材都是以教为主，以线性结构来组织学科知识结构，学生利用它学习自由度不大，灵活性不强，而且难以促使学生已有的知识结构向新知识结构的有效迁移。多媒体是一种以接近人类认知特点的方式来组织、展示教学内容及构建知识结构的，它的信息组织方式是一种非线性结构——把信息的组织形式与信息内容呈现的多样性、复杂性结合起来，为学生提供一种动态的、开放的结构化认知空间，既注重学科的基本内容，又包括学科内容之间的逻辑关系；既注重知识的形成过程，又注重知识的结构，使教学内容的统一性与灵活性得到了完善的结合。这种采用网络化结构来组织的教学内容，把相互关联的知识点有层次的构成一种网络系统，系统由节点和链组成，节点表示教学内容的知识点，链是知识点之间的层级逻辑关系，教学内容在结构的变化使学习的知识着眼于不同的侧面，使学生对知识形成了多角度、丰富的理解，从而使他们在面对各种设计问题时，能更容易地激活这种知识，灵活地利用它们进行设计，形成解决问题的程序。
二、电脑艺术设计色彩构成教学
在电脑艺术设计色彩学习中，对呈现知识的框面艺术设计尽可能追求新颖独特。色彩对于人们的重要性，犹如阳光，空气和水一样必不可少，作为美术设计者，更应该自觉地认识色彩、创造色彩，一件设计作品的美感是综合了形态、色彩、质感而产生的。然而，看到作品的瞬间。首先诉诸于观者眼睛的是色彩的组合效果，也就是色彩美的问题。在设计中，不同的色彩搭配组合会给人的视觉和心理上形成诸如温暖、寒冷、华丽、朴素、强烈、柔弱、明亮、阴暗等不同的环境气氛，表现各种不同的感情效果。传统的课堂教学模式在讲授色彩原理时，教师往往以字代色，两种或多种色彩的对比及调和效果，学生只能通过联想加以比较，尤其对一些色彩感觉较弱，对色彩知识了解也较少的学生，这一点表现得尤为明显，学生在后期的实际应用中，很难把构成中的色彩知识自觉地应用于创作中，出现了临摹不成问题，创作却难上加难的情况，有的学生甚至要求在重新讲解相关的色彩知识，这些都说明前期的教学模式存在着一些问题。AdobePhotoshop软件作为影像处理软件，在色彩的使用及调控方面有着较强的优势，快捷的填充，灵活的色彩更换方式，每一项都简便易学，把Photoshop应用于色彩构成教学中，教师可以通过屏幕对色彩间的复杂关系进行形象地讲解，学生通过真实的色彩表现，轻松掌握色彩搭配规律，在作业的制作上，可免去学生手工操作过程中所出现的涂色不均等问题，并可衍生出多个方案，便于比较，扩大练习范围。作为设计专业的学生，除了教师的课堂讲授外，更多的需要借助大量深入而又系统的色彩作业练习去理解色彩原理，磨炼色彩感觉，精纯表现技巧，提高自身的色彩修养，为以后与色彩相关的设计课程打下良好的基础。
三、艺术设计过程的变化
我们曾以客观物质材料来塑模型，召集我们已逐渐步入虚拟实境的时代。计算机自身是一个复杂的信息处理系统，同时它又与周围的环境、开发商及使用者构成另一个系统。这样的系统环境下的工作带来设计者的思维及工作方法的一系列变化：传统的设计程序是被化分为几个阶段，即分析—构思—制作—选择—评价—再修改制作—再选择定案的过程，设计者必须亲历每个部分，参与每个过程，自身的角色也随之不断变化，设计者不但要有良好的设计思维，同时也要具备过硬的多种制作方法与手段；而运用计算机进行辅助设计时，情形就大有改观：设计人员只需作好满意的一个或几个供选择的构思或创意，剩下的工作就是运用适当的软件，通过指尖点击鼠标传递设计人的意旨，就可获得形象色彩俱佳的设计稿来。免去了作者许多亲身制作之苦，也往往获得更为满意的效果。
在平面设计中，通过计算机辅助设计，作者可得到多种质感的表现效果。设计者运用计算机材质库中所提供的材料肌理，使它与制作的图形或文字结合，通过视觉产生软硬、粗细、明暗、透明模型等对比的变化效果，来确定并有效地进行形体、模块的重组构造，方便地改变开头色彩等，还可利用计算机内多种摄影特技技巧，造成特有的动感效果，达到精细的设计作品，使其层次感、丰富性移样化更为突出；而在立体的设计中，设计者更能得心应手，运用自如地表现出物体的各个侧面及细部，计算机强大的计算机功能可以将每一条曲线，徒刑模数精确计算出并能虚拟实境表现出来，显示出模型的最终效果。设计者亦可以加入动画设计，使物体处于运动之中，观察设计物体在运动中的各部分关系，及时调整设计构思，这样的设计过程生动而直观。无论是二维设计或是三维设计，图像或图形通过数字化后的高速传递，一切都变得那么轻松自如。在这当中设计者能体会到无穷的乐趣，也贪图到变化多端的设计手法。新的设计造型语言和思维理念，更能贴近于生活，融入于时代之中。计算机辅助设计也给设计者提供了另一种巨大的新鲜设计空间：设计者一方面，既可以取材于身边的或其它地方的现成材料通过扫描仪、数码相机等工具的输入加入设计，又可加入音乐，声响等情景资料丰富设计内容；另一方面，可在虚拟的实境中建立三维模型进行多媒体展示等等，按自己意念显示出个性和多样化。此时的设计者已成为设计元素融入设计作品当中，将在传统的以设计作品的静态表述变成了如今动态空间的多维设计表述，形成人机互动的局面。
四、电脑艺术设计教学构想
现代的教学方法变传统的课程讲授式为启发引导式，追求教与学的合作化，实现“教”与“学”的良性互动。基于多媒体计算机的联网，协作讨论成为多媒体辅助教学中最有特点的教学方法——不但师生之间可以交流，而且学生之间实现了交互协作——协作形式有可能是文件、数据、也有可能是语言、图形、图像，为启发引导式教学创造了共同讨论交流的条件。我们把这一新的教学形式运用于教学活动中，并作了一定尝试-针对电脑编排创意设计课程课题的提出，首先让学生去思考宣传手册的整体形象设计，要求每个学生拿出整体设计方案一套，通过竞标，点评学生的作品，挑选出最佳设计方案，经集体讨论评估使方案得以完善，在此基础上进行自选课题的设计。
镂空形式源自雕刻技术，最初是指在承载物体上雕刻出穿透材质的图形或文字。此技法后期被广泛地运用于各艺术设计领域，从二维的平面装饰画到三维的景观陈设装置，从小巧的包装结构创意到庞大的建筑外观设计，从传统手工艺品到现代设计日用品。镂空形式的审美价值，绝不仅仅在于对材质透空的表现技法，更在于其对形式美法则的遵循，对艺术品的形式美感的表现，对视觉审美高度的提升。图与底之间的关系是平面设计中最基本的内容，下面来探讨几种二维平面视觉造型中的图底镂空形式。
1.浮雕镂空在图与底的镂空造型表现中，第一种表现形式是对作品的背景即底的部分进行透雕处理。透雕后，图像呈现出“阳线镂空”的视觉效果，保留下来的画面图案元素在形状上表现出方与圆、大与小的对比，在排布上展现出疏与密、高与低、远与近的关系，各元素之间以及元素与整个画面之间亦即亦离。这种表现形式与传统的平面设计方式相比，独具特色，符合审美。对作品表面区域进行分割，使图底分离，保留下来的部分为图，被抠去的部分为底。图的部分向前突出，底的部分向后凹陷，从而产生一种浮雕式的美感。
2.层次镂空第二种表现形式是将镂空的部分设计成图，也就是通常所说的“阴线镂空”。其具体操作方法是将平面中的一些部分“裁切”掉，从而产生具有一定装饰性的图形与文字。图的部分向后凹陷，底的部分向前突出，层次上的叠加感与视觉上的纵深感带来的是一种二维层面上的空间美。
3.虚实镂空第三种手法就是图与底之间的虚实反转与共存。在共用轮廓线的影响下，“图”与“底”的明确性被弱化，它们之间的对比关系被减弱，甚至会相互转化。在这一转化过程中，极易产生视觉上的迷惑。“图”与“底”形成了对立而又统一的一对矛盾体，相依共存，最终形成一种虚实之美。
二、镂空的设计表现意义
1.视觉引导性人眼在观察时，视觉的特性决定了其习惯于在一定的范围内去关注图形的边缘，而镂空设计正是利用了人眼视觉的这一重要特性。在“镂”的处理完成之后，平面上产生了“空”的形象，既出现了“缺口”，也就是这个“缺口”形成了平面内部的边缘。关注边缘的视觉特性让“缺口”区域范围成为了平面设计页面中极为重要甚至是唯一的视觉聚焦点。例如在招贴设计中，基于人眼视觉的这种特性，设计师一般都会将所要重点表达的信息点安排在页面“缺口”的附近。此时，镂空已不只是一种简单的表现形式，其更具有吸引目光的功能，使得设计中所要传递的信息更具注目性。
2.心理趣味性这一点在书籍装帧设计中体现得尤为明显。镂空的工艺处理使书籍在翻阅时的趣味性更加强，让书籍与读者之间的沟通进行得更为顺畅。阅读时，读者好像寻宝者一般，通过页面上的镂空处去探寻下面的图文。好奇心理是人的天性，在寻找与被寻找的交替过程之中充满了发现的乐趣。
3.形象装饰性在页面上进行镂空处理之后，“镂”出来的图形的形状变得更柔美，层次感更丰富，形态的美感更强。镂空后的图形已经突破了规则几何形的限制，可以根据表现需要随心所欲地镂刻出丰富而精准的形状。直线与曲线相互交错，图形的边缘忽高忽低，形象不定，这种视觉上的参差之美，令人愉悦。
三、镂空设计的注意点
随着镂空表现技法及实现技术的不断发展，大多数平面设计师所提出的想法一般都能被满足。但我们必须认识到，镂空仅是一种设计形式、一项表现技术，它是手段而非目的，绝不能被滥用，该形式的运用必须自然，容不得丝毫勉强。技术的先进无法完全掩盖镂空图形与材料之间的矛盾。在进行镂空表现时，平面设计师要根据载体材料的特性，有针对性地对镂空的图形进行适当的调整。例如在包装设计中，在对比较薄的纸张在进行镂空时，镂空的面积就不能过大，否则会造成纸张的折断，而较厚的纸张一般不受此项限制。如果不可避免地要在较薄的纸张等载体上进行镂空处理，则必须对镂空的形式进行微调，常用的方法有三种：将复杂的形状进行简化；将过小的形状适当放大；将形状之间的连接间隙酌情加宽。
四、结语
设计构思，不仅要考虑本质功能，而且还要考虑视觉美的传达，是设计师全身心投入创造活动的结晶。一个设计师仅有熟练的制作技能，而缺乏设计构思能力，其艺术作品是不会有视觉感召力的，是不会成功的。那么设计的深理何在呢？其实它是在社会、在人生、在人性、在大千世界的千变万化之中的。设计需要灵感，这是谁也否认不了的，对于设计师而言，灵感是一种独特的思维活动，没有灵感也就没有创作。笔者认为，灵感实际上是设计师潜意识的直觉性顿悟，是一种突然发现的心理奇迹，它预示着创造的来临。灵感不是从天而降的，它来源于任何地方，也产生在任何时刻。
灵感来源于自然界的各种形态
从原始社会至今，从人类开始有设计起，自然界的人物、动物、植物、矿物、风景、天文、器物、文字等等便成为设计的对象且被当做主要的造型。在中国古代，除了龙、凤图案外，山、云、水、花、草及孔雀、仙鹤、燕子、鱼、鸳鸯、蝴蝶等等都被用在设计上；在古埃及的设计作品中尤喜使用纸草、莲花等植物和圣甲虫、眼镜蛇等动物图案；在古希腊、罗马的造型与艺术中，也常借用月桂树、常青藤、葡萄等植物。直至今天，不论是哪个艺术流派，自然界的各种形态仍是设计的重要元素并对之加以充分利用。
灵感来源于人类创造的物质和精神文明
伴随着工业化的进程，生产的集约化、组织形式的军事化以及生活方式的标准化，设计的商业性特质越来越浓厚，设计已不再局限于某一国度、某一民族、某一社会阶层之间的模仿现象，而是向更大规模、更广范围、更多速度、更短周期的方向加速发展。设计的灵感来源无限拓展。首先，古今中外的文化艺术，绘画、雕塑、建筑等人类文明的丰富宝藏常常带给设计师无穷的创作灵感。其次，传统文化的深远影响，传统色彩装饰的启示、传统造型艺术的精髓、传统纹样的千变万化都对设计者产生着潜移默化的影响，传统工艺的悠久与精湛是设计者灵感的来源。再次，各种物质材料的性能和肌理的奇异效应，比如说陶瓷、塑料、贝壳、金属、有机玻璃、铝、乙烯、合成树脂等材料，都给现代设计创作带来了新的灵感。
灵感往往产生于想象，而想象是一种不断创造出新形象的心理过程。伟大的科学家爱因斯坦说：“想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力概括着世界的一切，推动着进行，并且是知识进化的源泉。”构思作为创作性活动的最初阶段，对设计起着决定性的影响作用。在创作构思的过程中，一般要经过表象材料收集期、表象材料加工期、灵感念头闪动期和创造想象展开期四个阶段。
设计的构思多种多样，大体归纳有如下几种方式：
联想构思
联想是指由一事物想到另一事物的心理过程，不同联系的事物反映在头脑中，形成不同的联想。尽管事物千变万化，但都是由点、线、面、体、空间、色彩、明暗、位置、方向等要素所构成。接近联想是在空间或时间上相接近的一些事物形成的，比如看到蜜蜂会想到花蕊，看到飞机会想到天空；类似联想是由有相似特点的事物形成的，比如看到鸽子会想到和平，看到枪炮会想到战争；对比联想是由有对立关系的事物形成的，比如看到火联想到冰，看到冬天的枯树联想到春天的绿树芽；因果联想是由因果关系的事物形成的，比如看到一个人大汗淋漓会联想到天气炎热；看到森林中燃烧的烟头会联想到森林大火等。
理性构思
理性构思指按照一定的设计理念、逻辑思维按部就班地进行设计构想。它不是灵感的闪动，也不是情感的激荡，完全是一种冷静的理性思维过程。理性构思的步骤首先是提出问题，即根据设计对象、接受对象和竞争对象的不同情况提出问题；其次是根据以上问题和相关背景资料进行综合考虑，寻求问题点和解决点，确定设计表现的定位方向，才能展开有的放矢的构思设计。理性构思是一个纵向思考与横向思考相交叉相结合的过程，其构思的核心在于表现什么、如何表现这样两个问题。
情趣构思
情趣构思是以人们的审美感觉来进行的，这种设计构思使设计作品艺术化，画面更优美，色彩更抒情，气氛更宜人，视觉更刺激。情趣构思用象征性的、对比的或特异的造型语言来进行，也可以用新奇的、出人意料的、耐人寻味的图形视觉效果来引起人们的探求心理，从设计元素的关联性入手，运用人们熟悉的、关注的名人、名画以及人们熟悉的图形来引人注目。
传统构思
传统构思在遵循传统文化的基础上，立意于传统艺术、民间艺术所进行的创作性思维活动。传统构思同样要求把握时代的精神，并结合新工艺新材料的运用，力求在设计创新中保持和谐。现代设计虽然取材广泛，但大多数创意思想都起源于世界各民族艺术形式及民间艺术形式，取其精华，强调现代审美意识和功用性，使设计作品表现出一种新的传统与时代相融合的民族风貌，让传统的民族文化得以继承与创新，从而富有更强的艺术感染力。
总之，灵感来源于对生活的热爱，浩瀚的自然界和人类社会生活充满着艺术可以吸取的素材和灵感。设计师要培养训练一双独特的慧眼，从平凡的事物中发现别人没有发现的美，经过筛选、观察和体验，让艺术的灵感瞬间而来，并迅速抓住，以草图和文字的方式记录下来形成最初的构思，再进一步补充、完善，创作出完美的作品来。由生活中得到感受而触发灵感，由灵感转化为构思，然后把构思予以表现，这便是艺术设计中的灵感与构思。
内容摘要：灵感是指人们在创造活动中某种新形象、新观点和新思想突然进入思想领域时的心理状态。在艺术设计中,由灵感转化为构思，然后把构思予以表现，是设计的全过程。
关键词：设计灵感构思联想
参考文献：
[1]熊晓燕、江平编.服装专题设计，高等教育出版社，2003年8月.
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