时间：2023-09-19 18:52:08
导语：在公共艺术美术的撰写旅程中，学习并吸收他人佳作的精髓是一条宝贵的路径，好期刊汇集了九篇优秀范文，愿这些内容能够启发您的创作灵感，引领您探索更多的创作可能。
1陶瓷工艺
唐代陶瓷生产高度发展，出现了瓷器“至唐而始有名”的工艺新趋势。浙江绍兴东部一带以白瓷著称的越窑及河北一带以青瓷著称的刑窑均为唐代陶瓷的重要品种。宋代由于科学技术和社会经济的进步和繁荣，对文化和艺术的重视，使陶瓷工艺在唐代基础上有了突飞猛进的发展，成为宋代工艺美术中最为突出的一个品种。宋代名窑遍布全国南北各地，呈现出了百花争艳的繁缛局面，是古代陶瓷发展的鼎盛时期。在各地名窑中，青瓷占绝对优势。早在唐代，越窑的青瓷技艺就十分精湛考究，釉色温莹滋润，明丽鲜亮，器壁细腻匀薄，质地坚硬，叩之音响清脆。陆羽在比较刑窑白瓷和越窑青瓷时就称道“刑瓷类银，越瓷类玉，刑不如越一也；若刑瓷类雪，越瓷类冰，刑不如越二也；刑瓷白而茶色丹，越瓷青而茶色绿，刑不如越三也。”可见当时的人们喜欢青瓷似玉以及它更适宜于品茶。这种时尚在宋代表现的更加充分。汝窑是宋代北方第一个著名的青瓷窑，最为人称道的是其釉色，其呈现出天空的淡淡青色，就如雨过天晴般，幽雅、纯正，给人富有理性的美感，与宋代崇尚自然含蓄，淡泊质朴的审美追求相一致。白瓷的烧制大大晚于青瓷，这一技术自六朝出现白瓷以来至唐代的刑窑已得到根本的解决并开始盛行。刑窑烧的白瓷胎骨要比青瓷厚些，因而比较坚硬，釉色白皙润泽，造型装饰也很优美多变。唐代晚期刑窑开始消沉，代之而起的是定窑的白瓷，定窑白瓷的艺术风格与唐代刑窑已完全不同，其胎体轻薄，质细而坚，釉色中微微闪黄，给人以柔和、恬润的美感。此外，与唐代刑窑的素净有别，定窑的瓷多刻花、印花等装饰工艺，由于定窑是薄胎器物，使得它不宜深刻，而精细的浅刻花要求纹样特别细致。总的来看，唐代陶瓷风格华丽，宋代陶瓷造型简洁、优美，追求内在的意蕴，体现了清新、典雅的艺术特色。
2丝织工艺
唐代的丝织工艺发展迅速，遍及全国，并形成了各地特色。到了宋代，其丝织工艺无论是在生产规模、经销地域，还是花色品种、质地纹样上，都比前代有了较大的发展，由于丝织工艺不仅有一定的实用性，也有相应的欣赏性，因而拥有广大的消费市场，同时也成为重要的工艺出口品。正是在这种情况下，丝织工艺的发展获得了社会、经济、文化上的有利条件。就锦而言，唐代以前的锦称为经锦，而唐锦的制作由于技术的革新，取得了纬锦的新创造，发展了经纬线互相配合起花的新技术，这样的织法不仅可以织出更为复杂的花纹及宽幅的织物，而且颜色极为华丽，形成唐锦华丽优美的时代风格。宋代丝织物较唐代有了更大的发展与创新，由于织造技术的提高以及受到工笔写生花鸟画的影响，宋锦大量出现了介于写实和图案之间的新纹样，纹样组织有四方连续缠织花卉，大团花、小团花等，构图严谨，变化丰富。宋锦的色彩多用中间偏冷色，以暗紫、浅茶、深浅绿、蓝、绛色为主，极少使用红绿黄等呈色鲜明的原色，不同于唐锦艳丽明快的色彩，并以多层次的退晕方法来处理，文静典雅，调和沉着，和唐锦的富丽鲜明形成对比。
3金属工艺
宋代的铜镜，铸镜的规模和制作精巧均不如唐代。唐代铜镜摆脱了秦汉以来古朴、庄重的特点，而出现了健康活泼、流畅华美的唐代新风格，在中国青铜史上占有重要的地位。宋代的铜镜不如唐代厚重，镜胎轻薄，早期的装饰纹样还比较考究，但已改变了宋以前采用的离心式、求心式、对称式等图案组合，而流行旋转式。图样题材多为缠枝花草，与宋代定窑装饰相类似，由于镜体较薄，所以装饰花纹少有唐代的浮雕式而多为平刻。宋代镜式在极力翻新，在圆形、方形、凌花形、带柄镜之外，又出现了亚字形，钟形，鼎形、桃形等新样式。在金银器方面，由于唐代统治阶级崇金风尚很浓，各种日用器皿多用金银制成，这些金银器大都有精致的装饰花纹，特别是唐代中期多以鸟或花朵为中心组成团纹，四周缠绕枝，具有繁缛、富丽的风格，反映出盛唐时期的华丽及丰满。宋代的金银器也甚发达，但由于金银器比较昂贵且产量减少，于是出现了很多瓷器仿制金银器的现象。很多瓷器造型便是从金银器中脱胎出来，例如部分瓷器的口部一改传统的圆形，做成了葵花形、凌花形等。
4服饰工艺
宋代的服饰由于受了儒家思想的影响，反映在服饰上由为明显，主张不应过分豪华，应当崇尚简朴，色彩也不如以前服饰鲜艳，给人以质朴、洁净和自然之感，与唐代华丽丰美的服饰成对比。宋代男子的主要首服，上至帝王，下至百官，除了祭祀典礼外，隆重朝会需服冠冕外，一般都带幞头，幞头的形制和唐代已有明显不同，已完全脱离了巾帕的形式，纯粹成了一种帽子，并且，色彩已不局限于唐代的黑色纱罗制成，而是可以用一些色彩鲜艳的纱罗，有的还以金色丝绒在幞头上盘制成各种花纹，而一般的文人，则带方顶重檐的桶形帽子，名曰“东坡巾”。除了祭祀朝会以外，宋代男子的服装，仍以袍衫为主，样式一般用圆领大袖，下施横裥，腰间束以革带。宋代妇女的服饰更是要求“惟物净洁，不可异重”。一般上衣多是“背子”，即小袖对襟，盖在下裙之外，颜色一般都比较清淡，下裳多穿裙，裙子的颜色往往比上衣要鲜艳，裙幅多在六幅以上，中间施裥，裙身修长，腰间束以绸带。从张择端的《清明上河图》上可以看到各行各业的人物，为研究北宋的社会生活，风土人情和衣冠服饰提供了珍贵资料。
5结语
2014年4月，“在此”中国生活艺术展在中国国家大剧院展览厅拉开序幕。该展以中国传统文人之九大雅事为主题，展出了几十件精美的传统手工艺陈设艺术作品，以此来展现陈设艺术的学术方向，提升全民审美情趣，推动人居空间文化发展。现场设计师通过对空间的营造，把“物”（空间陈设的物件）置入“境”中，构建一个启发性的悟境，比如“香”，有香器、香具、香等这些物，通过这些物境的展现，特别是对中国传统的人文和工艺美术有了新的认识和参悟。这九大雅事就是通过对传统工艺美术生活形式的艺术化行为，转换参与者之心境及精神意趣。高濂在《遵生八笺•燕闲清赏笺》中道：“故余自闲日，遍考钟鼎卣彝，书画法帖，窑玉古玩，文房器具，……时乎坐陈钟鼎，几列琴书，帖拓松窗之下，图展兰室之中，帘拢香霭，栏槛花研，虽咽水餐云，亦足以忘饥永日，冰玉吾斋，一洗人间氛垢矣。”古代文人的书房是个极富文化气息和品位的场所，所陈置之家具、器物，其丰富和讲究，令人难以想象。书房家具之多就不提了，光说陈置器物中，就有书画、瓶、古琴、棋具、鼎彝器、宋瓷、古铜花尊、香事炉瓶、石盆蒲石、金石如意、拂尘棕帚等；书案上有文房用品和清供把玩，笔墨纸砚必不可少，笔格、笔床、笔屏、笔洗、水中丞、水注、镇纸、压尺、糊斗、裁刀、印盒及随身佛、数珠、羽扇或折扇等，这些都是我们传统的工艺美术品。这些工艺美术品也就是文人用品是以雅为准则，满足实用与审美的双重需要，以达到精神上的雅逸愉悦。明末清初的文人雅士，理想的家居环境很大层面上是满足精神上的需求，功能与审美相一致，崇尚天然、以雅为重，追求天人合一的意境。笔者的设计中有大量的中国传统元素，也是以中国文人传统生活态度为理念，结合当代设计观点通过一种中式传统的物境来贴切合适的销售情境，重新诠释中国本源的新文人生活。
二、陈设艺术融入生活是其发展的必然趋势陈设艺术的载体
往往是与传统生活紧密关联的工具，如陶盆、瓷器、羽扇、文房四宝等器具，大多是当时人们经常使用的物件。工具物的诞生既是源于生活的创造发明，又是原始审美的创造行为。我们往往把早期的工具当作现代艺术品，而陈设艺术的回归本质上就是逐步融入生活的过程。如果把一栋建筑比作人的话，陈设便宛若空间的五官。好的陈设，能够与建筑、室内相得益彰、相映成趣，起到画龙点睛的作用。现阶段，很多设计公司的陈设水平并不高，仍处于风格化的阶段，也就是我们所说的情境，比如中式风格，就会摆设这种风格的饰品，做到和室内设计的协调，达到中式的一种生活情境。但能达到《遵生八笺•燕闲清赏笺》中描述的“虽咽水餐云，亦足以忘饥永日，冰玉吾斋，一洗人间氛垢矣”这种情境的估计很少。实际上，陈设发展到了成熟的阶段，屋子里摆的每一件好看的东西都具有实用性，那才说明陈设艺术真正成熟了、进步了。可以这样来区分，风格化的陈设存在于样板间；艺术化的陈设存在于小众范围内，所占的市场份额较小，只有生活化的陈设是适用于大众层面的，能够普遍提高人们的生活质素。
三、人的修养和陈设艺术的交互影响
陈设艺术是空间环境中个人修养的重要体现，往往通过装饰细节和整体意境的营造产生区别。我们可以从对材质搭配、图案选择、器物陈列、色彩关系等角度进行思考。另外，陈设艺术品具有可移动性，居住者可根据空间的结构进行选择性摆设，所以更加考验个体的审美功力。空间中的陈设意境是个体修养的视觉表象。反过来，环境也对人的精神状态产生了重要影响。如“以华为贵”的陈设现象，把价格昂贵的象牙雕、贴金的雕塑等摆在空间中最显眼的地方，以示华贵富有，是人对物质欲的心理需求。日本茶道千利休以“和敬清寂”四字为宗旨，评价一间茶室是否有品位，只看在空无一物至简、至纯的空间里摆什么壶，会插一支什么花，这些物品的意境就是主人细微情感的体现，甚至对进入空间的人都产生了重要的心理暗示——宁静平淡，满足精神上的愉悦，这也是东方的陈设艺术所追求的意境。所以说，在陈设设计上需要调整对家居陈设的心态，家居中的陈设都是用来把玩和享用的，而且是我们生活中沉默的“亲友”，其会陪伴发现并安顿我们内心里那些细微的情感需求。近年来，花间堂酒店系列、广州的四季酒店就通过对传统工艺美术文化的保存和弘扬，在西方的形式里透露出的东方高雅的气质，也就是对生活形式的艺术化行为，在市场上已经取得较好评价。因此，陈设设计师应该随着设计的深入更加注重陈设的设计内涵，为人类创造真、善、美一体化理想的意境追求。结语近年来，房地产行业的快速发展带来了陈设艺术的短期繁荣，但粗放型的行业发展现状不符合可持续性发展的需求，需要对自身命运和未来发展有主动的思考。
四、总结
关键词：公共艺术品媒介
材料作为一种表现媒介，不仅是人们生活和生产的物质基础，从艺术表现来说，更是一种“艺术语言”，是艺术的载体。这里所说的“艺术语言”是指其在被艺术家或设计师放进了某种由它们自己或与别的材料共同组成的艺术环境中，构成某种艺术语境时，它便具有了语言的因素，材料便成为艺术语言，成了艺术家思想及意志的代言者。
在材料的发展过程中，从使用纯天然的材料制造器皿的初级阶段到人们利用火制造材料的阶段，从材料的复合阶段到材料的智能化阶段，艺术家及设计师实现了从意识到观念、从使用到审美意义上的转变，即材料作为一种装饰语言、一种造型要素出现在艺术设计领域。
从材料自身角度来说，纯粹意义上的材料媒介往往会使公共艺术品显得单薄，只有找到公共艺术品的语境与材质美的结合点，才能彰显作品的艺术感染力，体现材质所附加的精神内涵。如何将材料媒介的这种“物质性”转变为具有精神内涵的“文化属性”，真正体现材料媒介的自然美、生态美及带给公众视觉上与心理上的愉悦感，是我们研究材料作为公共装饰艺术品的表现媒介的出发点；如何借助媒介语言来表达公共艺术品的语境与大环境的融合、艺术家或设计师与公众在思想上的交流与碰撞，这是理性与神秘的交织，是我们需置身其中探求的领域。
从材料媒介的发展历史出发，笔者将作为公共艺术品表现媒介的材料分为传统型媒介、新型媒介和超媒介。这种分类有其相对性。依其作为语言要素来分析它的语境意义及与大环境的关系。这种关系是清晰与模糊、是确定与不确定、感性与理性的综合。
传统媒介——感官与直觉的延伸与交融
我们生活在各种媒介交织的世界里，被各种形式及媒介的公共艺术品所影响、所感染。不同材料的公共艺术品带给我们的信息及其所表达的思想内涵千差万别，这不仅是因为不同审美公众的感觉有别，更是他们的感觉与直觉相交融的复杂性的表现。就传统媒介来说，通常情况下软质材料传达给人一种随意、温馨、浪漫等感受；而硬质材料则表达一种庄严、力量等；木质材料传达一种自然、原创；金属材料传达的是冷竣、威严……但这些材料所传递的信息也不是唯一的，要根据具体材料的造型、具体纹理及色彩表现来诠释自身的“内涵”。
传统意义上的材料媒介，是自古以来所运用的如木材、金属、石质、泥料等等，这些材料的使用由来已久并还会继续发挥重要作用。故在公共艺术品的创作设计中，研究如何利用传统材料结合新的观念，把传统材料转化成现代装饰设计语言，将传统材料与技术含量较高的现代材料很好地融合在一件作品中，是公共艺术品设计运用中的重要一环。如何把传统材料成功地运用到公共艺术作品的创作中，借以完成对传统材料所蕴含的文化与社会意义的反思与批判，完成与现代思想的结合，是公共艺术品设计创作领域值得研究的一项内容。
传统媒介作为材料表现在公共艺术品中的运用是较为广泛的，这与传统媒介所具有的性质特点是分不开的，是作为永久性的艺术品而置于城市环境中。传统的材料多种多样，不可能一一罗列，笔者将其归纳为土属类、金属类、综合类三类，来分析说明传统媒介作为装饰语言的特质与表现。土属类包括所有从土地而来的物料如泥质、石质、木质等，土属材料让人感受到自然界的包容、和谐的特质，具有强烈的亲切感。例如朱乐耕教授的环境陶艺作品，即他在麦粒美术馆前的大厅里制作的一幅七米高，十七米长的杰作——“生命之光”，以瓷材质的美感来追求一种凹凸的光影效果，其视觉上的冲击力使人感到一种生命内在力量的勃发和颤动。他利用火和土的语言，不仅巧妙地表现出了具有音乐节奏般的陶瓷肌理的美感、陶瓷材质特有的色泽美感，同时让人通过这犹如土地、岩石般的肌理得到了人和自然的某种亲密感，使人仿佛置身于大自然的怀抱中。而金属包括不锈钢、铜、铁等，具有经久耐用的特征，与建筑环境相得益彰。这也是传统媒介一直以来被看好的原因。综合类材料包括所有化纤合成、塑料、硅胶等，基本取自工业应用。
21世纪的今天，公共艺术品在材质的选择上已进入了全新的时代，新媒介、超媒介的出现，使人们驾驭媒介表现的能力愈来愈强，而在公共装饰艺术品表现媒介的选择上，艺术家趋向于传统媒介表现的主要原因，是它既能满足公众的视感又能满足公众的触感。
新媒介——表现介质的多元化
由于现代艺术的蓬勃兴起，引发了材料世界的大变革，艺术家、设计师们开始认识到材料不仅是可视的、可触摸的，而且还是可嗅的。从有形的材料到无形的材料，从客观的具象到主观的抽象表现，个性化、个人化语言的追求，促使艺术家找出与个人独特语言相适应的材料和技术手段，而形成多元化的格局。
当我们面对一种新材料，也许我们会发现其本身就包含的独特意义，我们可以从中解读出不同的艺术信息和文化内涵。比如说设计师为满足公众亲水的心理要求，通过各种设计手法和不同的组合方式，如静水、动水、落水、喷水等不同的设计做出了水的精神，给人以良好的视觉享受。以水为媒介构成的景观小品如景观喷泉（包括与声、光、雾、电巧妙结合音乐喷泉）、景观瀑布（以建筑物、山体等为背景的瀑布）、水池、叠水等，多是利用水的流动直接设计水景，用自然元素作为造型要素，给城市人营造了一种自然和谐的环境。当下新媒介公共艺术呈现出非常良好的态势，其创作领域兼容了声、光、水、电以及多媒体技术，它们在表达上的自由完全打破了陈旧的格局。我们可以理解为这是新媒介艺术对架上艺术最大的贡献，是尝试在传统媒介的基础上与新的媒介之间建立的一种对话。以声、光、水、雾等媒介作为造型语言的出现，给城市增添了丝丝灵气，也丰富了我们的视域。以光为媒介构成的公共装饰艺术品是利用光作为造型的主要要素，这类艺术品有两种效果：一种是普通光；一种是各种色灯光。它们都是通过光影对比造成的光影效果、光色对比所产生的不同光色效果来营造一种内外不同的空间光环境，丰富的光的色彩及层次给公众一种温馨、浪漫之感。光与传统媒介的巧妙结合，产生了更加丰富的视觉效果。像著名导演张艺谋的《印象刘三姐》，是新媒介综合运用巧妙的典型。《印象刘三姐》可以说是最具魅力的山水实景剧场，他利用晴、烟、雨、雾、水、光、声等作为造型艺术语言，给作品增添了无穷的神奇魅力。作为一部大型的公共艺术作品，它集艺术性、民族性、视觉性、震撼性于一身，是一次视觉上的革新。
相对于传统意义上的新媒介，如声、光、电、水、雾等，利用这些媒介所创作的公共艺术品的一大特点是其暂时性，所以具有大的灵活性，可以随着时间的变化呈现不同的形态、色彩。这种新媒介的产生符合了现代都市人求新、求异、求变的心理。当下设计师与艺术家利用新媒介所创作的公共艺术品呈现给我们的多数是一种形式的表达，而缺少文化内涵及思想性。
超媒介——寻找个性表现语言
超媒介是在传统媒介、新媒介的基础上，借助于多媒体、网络来接受和传播信息，它是非物质性的表现媒介。公众在接受以超媒介为表现介质的公共艺术品所传递的信息时，所表现出来的是一种模糊的、不确定的、复杂的关系。与公众的互动关系上一方面表现为真实的呈现，而另一方面又表现为虚幻的，是真实与虚幻的交织。
与传统媒介、新媒介的公共艺术品相比，超媒介更多的是强调自身语境的重要性，与环境的关系表现得较为模糊。比如城市广场的信息牌、指示牌等，设计者考虑得更多的是画面的广告性、信息量以及画面的装饰性。而在大的环境上、在公众的心理需求上又做了多少努力呢？画面形式、颜色等信息语言与环境的关系如何？画面的造型语言与所处环境的和谐情况怎样？这应是设计师及策划者多多思考的。
今天，我国城市的面貌发生了翻天覆地的变化，正在缩短与国外先进国家城市发展的距离，城市公共艺术亦然。但在网络技术等多媒体作为超媒介在公共艺术的运用上，在规划的整体性、设计观念的更新等方面尚存在一些不尽如人意的地方。比如说一个城市、一个小区的规划可以说很经典，却缺少具有形象性、象征性的标志；一条街道风景亮丽、极具特色，却唯独不见指示牌，让人难以理解。有人说城市公共艺术是一个城市的名片，它不仅反映了城市的精神，更是一种文化的象征。所以我们的设计师要综合利用网络、摄像、多媒体等媒介语言来展现我们悠久的民族文化。
总之，不管是传统媒介、新媒介，还是超媒介，媒介本身所带来的信息与表现公共艺术品语境传递给公众的信息是不同的。在公共艺术品的表现上，它融合创作者的思想观念而传达出文化信息。这种信息随着不同创作者的不同观念、不同文化素养、不同阅历、不同表现方法而呈现出不同的语境。故从不同的角度、不同的层面及用不同的方法去挖掘、发现公共艺术品表现媒介的意义、审美价值以及在作品中传达出的思想，对公共艺术品的创作是非常重要的。
参考文献：
[1]翁剑青.城市公共艺术.南京：东南大学出版社，2004.
[2]费菁.超媒介.北京：中国建筑工业出版社，2005.
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美国的工艺美术运动受到了英国的影响直至持续到二十世纪初。
美国工艺美术运动设计的宗旨和基本思想和英国工艺美术运动相似，但是他们也有他们自己的特色，具有了新大陆视野的美国艺术家也毫不犹豫地在其中添加了社会和自然的因素，形成了自己的风格：比较少强调中世纪哥特风格；更讲究设计上的典雅，特别是明显的东方风格，如对日本建筑模数体系的强调。
再比如，格林兄弟设计了大量的家具，从中国明代家具中吸收了多样的参考，大部分家具都是以硬木制作的，强调木材本身的色彩和肌理，造型简朴，装饰典雅，是非常杰出的作品。
在美国工艺美术运动中，美国工艺美术艺术家们一方面在作品中表达出了强烈的美国式的爱国热情，刻意追求一种新大陆新兴强国的自我身份认同；另一方面，也在积极追寻自己独立的个人特性。
（来源：文章屋网 ）
少数民族的工艺美术教学是工艺美术教育中的一个重要组成部分，属于原生态艺术的一个分支，代表的是我国少数民族的传统文化。从教育的目标上看，其主要是为了民族工艺美术文化的延续，而从宏观的角度看，其可以被认为是民族特色文化与审美的寄托，并借此独特的方式来丰富人们的精神生活，在浮夸社会中完善人的修养，提升社会精神文明风气建设。现行的少数民族工艺美术教学现状依然延续着有史以来的教学模式，使人才的能力与实际需求相背离，很多学生的就业前景堪忧[1]。所谓的工作室制教学，是传统封闭式教学的一次巨大革新，其开放性与自由化的特点在当前的教育背景下更加突出了对学生能力的培养。现代化的时代是知识经济时代，民族的发展需要依赖于创新，因此，传统的高等教育急需转型为知识的创新教育。民族工艺美术作为一门艺术学科，创新成为了学科的灵魂，与此同时，对学生就业能力的培养也不容忽视。工作室制正是基于实践的创新教学模式，有利于提升学生对社会与市场的适应力，为就业打下坚实的基础。
二、基于工作室制的少数民族工艺美术教学模式探究
1、创设良好的教学环境
基于工作室制的教学，有别于传统教学模式的重要因素就是其实践性，项目化工作实验场地的构建，对于真实工作环境的模拟极其有利。通过各种设计元素的辅助，学生在真实的工作环境当中不仅能够有效巩固专业的理论知识，对于创新思维的培养，更是有着积极的影响。在此过程中，应当确保教师能够具有相应的实践技能，才能使其教学能力满足民族工艺美术的设计需求。
2、积极承揽相关专业的市场项目
项目的市场化开展是决定工作室制的教学成败的决定性因素，对此，教师应当在工艺美术市场中积极寻找合作项目。比如通过与装饰公司的合作，来掌握民族工艺美术设计最为前沿的动态，更好地发现问题以便于更好地解决问题，这样才能使学生对当前的工艺设计市场有着最直接的了解，通过不断地积累经验来拓展设计思路，提升综合能力。
3、完善考核评价标准
基于工作室制教学项目的实施，是一个系统化的过程，教师应当充分发挥主导作用，对学生的一切工作进行及时的监督指导。与此同时要保证做到将考核评价标准最大程度予以完善。工作室制教学的重要意义就在于其对学生创新思维的培养，因此，考核评价标准也应当脱离传统模式的束缚，以启发性为主，最大程度激活学生的创造性思维。
4、创新教学模式
民族工艺美术专业的就业能力重在设计能力，不仅需要制定多元化的考核评价标准，同时还应当对教学模式进行创新，多多采用激励竞技方式来提升学生的设计能力。比如在进行《设计创意与表达》课程教学时，可以借助工作室所承接的简单工艺设计订单项目，开展计时考核，全程对学生的操作步骤、设计细节等等进行记录，并在项目结束时征询客户对于每款设计成果的满意度，以此来对学生进行综合性评价。既能够有效提高学生的学习兴趣，同时还能提升学生的综合实践能力。
三、结论
关键词：建筑 设计 工艺 美术 应用
引言
很多的专业人士认为，建筑从某种意义上来说可以算是一种古老的艺术。我们可以通过建筑来推测历史的进程与变迁，可以通过这些建筑寻找到不同时期的民风民俗。但随着我国建筑业的不断发展和人们日期需求的不同，我国在建筑设计方面也大有改进，从单一走向了多元化。比如说在现代的建筑设计中，工艺美术的设计就逐渐运用到建筑中来，从而为现在的建筑增添了一抹不一样的色彩。因此，笔者将从以下几个方面，来具体谈一下在建筑设计中工艺美术设计的应用分析，并在浅谈的过程中，提出一些自己的看法，以及相对应的对策。
一、建筑设计中的工艺美术设计概述
随着我们国家经济的快速发展，人们在住房质量方面越来越高，不仅如此，对于公共场所的建筑也有了自己的看法。很多时候，他们不再仅仅的关注于建筑的质量，也关注建筑是否美观。所以说，工艺美术在建筑设计中的运用就正好满足了这种要求，运用工艺美术设计，可以为建筑设计各种各样的造型，从而也能解决人们在建筑时所遇到的不能根据实际情况而变换造型的瓶颈。
就笔者观察，近些年来我们国家的建筑行业发展很快，很多的建筑在美观上面，都下足了功夫。但在这过程中，工艺美术的的功劳是不容忽视的。其实严格意义上来讲，将工艺美术的设计用到建筑设计中去，是对于人真实生活的一种体现，也为工艺美术很多时候是根据人们的意愿而进行构造的。所以说，运用工艺美术的设计方法，有助于提高建筑设计的水平，从而提高建筑的美观性。
除此之外，笔者认为，不同时期，对于工艺美术在建筑方面的运用也是不同的。你比如说我们国家的一些古老建筑，比如说故宫、颐和园等等[1]。当然在现代很多建筑中，运用这种技术，大多也会用到庄园建设方面。在大多数情况下，艺术就来源于生活，我们现在对建筑设计进行创新，将技术和工艺美术很好的融合在一起，能够更好地为建筑也带来好处，从而促使建筑业的繁荣。
二、建筑设计中的工艺美术设计应用创新
在现代建筑设计构想中，想在工艺关术设计中实现对建筑设计思想的创新，需通过独特的审关文化来体现。但如何更好地去体现呢？笔者认为，可以从形象思维、抽象思维、发散思维和逆向思维等方面入手，因为这些方面有助于建筑和外部空间产生一种逻辑性。当然从一定意义上来讲，如果能够很好的创新工艺美术的思想，那么就会在建筑技术中呈现出一种非常和谐的状态。从而体现出一种独特的艺术美。另外，笔者一直认为，对于建筑的设计创作，它从来都不是一个个体，因为它包含着很多的因素，它需要和现实生活紧密的联系在一起，因为只有这样才能够捕捉到那些有重要意义的东西。让建筑看起来不仅仅是建筑，而是能够体现出人文情怀的建筑。在建筑设计的过程中，有效地添加工艺美术的设计，并且结合当地的人文因素进行合理的配置，从而达到设计的完美融合，又能满足人们的心理需求，又能满足人们的审美需求，既有独特性，又有一种包容性的美。当然，在实际的建筑设计中，也要考虑到设计造型的表现力以及冲击力。可以适当的添加一些其他的元素，使其看起来更加的饱满。之后再运用工艺美术的设计使其更加的简单大方以及和谐。从而给人们更好地视觉效果。
三、建筑设计中的工艺美术设计应用分析
如果想要我们国家的建筑事业能够发扬光大，就必须不断地去满足现代建筑设计的要求。而想要提高设计水平，就必须在设计的过程中，深入学习工艺美术的内涵。还需要立足于现在的建筑现况，不断地汲取新的设计技巧以及构思方法，因为只有这样，才能实现现代建筑设计的创新。在这里，笔者要着重强调的就是要认真对待工艺美术设计，因为它在建设设计方面，有着不可替代的作用。
建筑设计师在进行建筑设计的过程中，要充分运用工艺关术的思想[2]。作为设计者，应该在设计的过程中，让整个的设计空间充满灵性，准确的说让它无时无刻都存着一种美态。也正是因为工艺美术这种独特的设计手法，使其在现代建筑中发挥着不可替代的作用。
虽然说现在的科学在不断地进步，但是在建筑设计方面，也不能忽视掉传承之美。倘若要在建筑上体现出传承之美，就不得不使用工艺美术设计。运用它，能够很好的找到建筑的平衡点，而且能够在整体的建造中，找出适合体现年代感的角度，再结合当地的风俗，加入一定的要素，通过大胆的想象和设计，就会构造出不一样的造型，从而形式一种“艺术品”。
四、结论
总而言之，伴随着我们国家经济的快速发展，人们的生活水平也有了一定的提高。人们不再仅仅满足“质”的现状，他们希望自己的生活处处充满造型感以及美态感。从根本上来说，人们这种需求讲究推动了工艺美术在建筑方面运用，因为无论何时工艺美术所带来的造型都会值得人们好好欣赏一番，专业点来说，也即为工业美术的运用，是我国在建筑设计方面形成了一种新的设计美学，也正是因为工艺美术设计的运用，使得我们国家的建筑越来越有中国味，使得我们国家在建筑方面取得了更大的突破，有助于我国建筑业的大发展大繁荣。
参考文献：
与2011年的上榜名单相比，美术馆、公共艺术机构和艺术学院呈现了一片“刷新”之势。虽然上榜率和2011年相比下降了5%，但是14家中有5家是在 2012年新成立或正式投入运营的机构，并在成立伊始就受到外界广泛关注。2012年，公共美术馆和艺术学院依然在展览、学术和公共教育方面承担着重任;而龙美术馆的成立则又一次掀起了私立美术馆的热潮，民营美术馆纷纷凭借自身的特色和优势为中国艺术机构的发展注入一股活力;同时，地方美术馆的活跃极大地推动了当地文化事业的发展。
2012年，龙美术馆的成立绝对算得上艺术圈的大事件，其影响力和重要性也让它当之无愧地占据了权力榜第一把交椅。这次，王薇刘益谦夫妇不再以收藏家的身份登场，取而代之的则是由二人创立的斥资3亿元打造的私人美术馆—龙美术馆。而龙美术馆既是一个标杆也是一个开始，接下来多家由收藏家创办的私人美术馆会接连正式投入运营。除此之外，民生现代美术馆、上海外滩美术馆等民营美术馆依旧在当代艺术、青年艺术家和国际交流等方面推出不少精彩的展览。同样是在上海，中华艺术宫也于2012年10月正式开馆，在李磊的统筹下，中华艺术宫举办了凭借“海派”绘画和现当代美术方面丰富的馆藏举办了“海上生明月—中国近现代美术之源”等开幕大展并和法国奥德赛美术馆等世界知名美术馆合作开展馆藏展。热闹的不仅是上海，西安美术馆、武汉美术馆和广东时代美术馆等地区性美术馆在大力支持本土艺术的同时，也为当地民众更多地接触艺术提供了便利。华侨城美术馆群也将OCT当代艺术中心、华美术馆等10家美术馆整合，这标志着国内最大的美术馆连锁品牌形成。
公共艺术机构方面，尤伦斯当代艺术中心一如既往地在文化教育和青年艺术家群展方面起着推动作用，同时其推出的限量版艺术品也证明了艺术衍生品有着良好的市场。山艺术基金会在中国美术馆举办的“山川蒙养20年：山艺术文教基金会川美艺术作品收藏展”收到热烈反响。还有亚洲文献库和2012年新成立的录像局也在艺术数据收集和整理上为艺术爱好者和学术研究提供了支持。
艺术学院方面，王璜生主持的中央美术学院美术馆除了举办多个重要的国际交流展，还自主策划了“首届CAFAM未来展：亚现象·中国青年艺术生态报告”，显示出这所最高美术学府对青年艺术现象的关注。而南京艺术学院美术馆也在南艺成立100周年之际成立，由李小山任馆长，并举办了如“闳约深美：南京艺术学院百年校庆师生美术作品展”等展览。
纵观2012年，美术馆、公共艺术机构、艺术学院各有各的精彩，由此可以看到中国的艺术机构呈现了多元化的发展趋势，在各方面的推动下，一系列高品质的展览和文化教育活动也更深入地走进公众的日常生活。
作为艺术领域的年度盛典，“AAC艺术中国·年度影响力”已走过了五年的历程，沉淀和积累过后，目前已成为艺术界推广中国优秀艺术家、艺术作品、艺术事件的重要平台。“第六届AAC艺术中国·年度影响力评选（2011）”组委会宣称，基于前几届艺术中国经验的积累，本届艺术中国年度评选范围更加广泛、评委阵容更加强大、活动内容更加丰富。
学术性是AAC艺术中国自创立以来就高度秉持的原则，自2009年以来，又将公益性纳入其中，这一特质在本届活动中将得到更好地贯彻和实行。
以学术精神为根基打造公平性和权威性
“学术建设”是艺术中国奖项评选的内核，这种学术精神不仅体现在评委邀请方面，也在奖项设置上有所体现。
强大的专业评审团是艺术中国奖项评选的学术后盾，本届艺术中国的评委团由26位当今国内文化艺术领域的权威评论家、专家学者组成，其中著名艺术批评家贾方舟担任本届艺术中国的轮值主席。他提出“在动荡中坚持，在争议中重建”的主题，其中不乏对过去一年中国当代艺术界状态的隐喻以及对于未来中国当代艺术发展前景的展望与信心。
据组委会介绍，除了专业领域的全面性之外，组委会在评委团的地域分布上也有所考量，将对北京地区、珠三角地区、长三角地区、西南地区和西北地区等不同区域的人数分布进行评估，以保证整个评选过程的全面性和公平性。
据悉，由评委团协同评选小组成员组成的45人建制的专家团队在3月11日举办艺术中国奖项终评会，按照装置多媒体、水墨、油画、雕塑、年度出版物、摄影、书法、年度年轻艺术家和年度艺术展览这九大类别进行终极评审。为保证终评资料的权威性和公信力，本届主席提出回避机制为：凡参与评委相关的参评奖项，采取相关评委离席回避措施。
另外，在奖项设置方面，本届活动与以往相比也有一些变化。本届艺术中国共设12个奖项，其中“年度艺术家”书法类奖项分为书画与水墨两个奖项，奖项的再次细化，在更深层面上印证了艺术中国的学术性。
艺术与公益的完美结合弘扬慈善理念
艺术与公益的高度结合是本届艺术中国的一大特色。艺术和公益本是一脉相承，雅昌作为艺术公益的发起者，自2009年起，联合全国公共艺术机构/公共收藏机构，对自1949年以来全球华人艺术家向中国公共艺术机构所捐赠作品信息进行全景式记录和公益榜单的盘点。截至2011年4月，艺术家公益榜统计，艺术家向公共机构捐赠作品24000余件，总人数280余人。
2010年雅昌艺术网又发起“收藏家公益榜”，沿袭艺术家公益榜单的操作模式，关注和褒扬在艺术公益方面成绩卓著的收藏家。艺术中国希望通过公益榜作为载体，传递慈善的真正力量。另外，从本届活动开始，艺术中国增加“公民收藏家”的评选，由权威媒体的资深媒体人推荐，再由大众通过网络选票评选出大众眼中的真正收藏家。
除此之外，本届艺术中国特制公益勋章，在艺术中国现场颁发给践行艺术与公益理念、成绩卓越的艺术家、收藏家、企业家、基金会等；同时组委会将联合新浪微博平台，共同打造并授予线上公益勋章，以“艺术公益我关注”为口号，借助网络传播的力量引导社会公众来关注艺术和公益。
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