时间：2023-11-14 10:25:36
导语：在美术平面设计的撰写旅程中，学习并吸收他人佳作的精髓是一条宝贵的路径，好期刊汇集了九篇优秀范文，愿这些内容能够启发您的创作灵感，引领您探索更多的创作可能。
中国传统工艺美术拥有悠久的发展历史，发展相对成熟，很多种类在视觉效果上贴面效果，如剪纸、版画、刺绣、皮影等。现代平面设计可以把不同种类、不同效果的传统工艺美术结合到一起。在设计商标或进行平面宣传时，为了凸显企业机构的中国特色，设计师可根据客户的需求和性质进行平面设计。如，在春节、中秋节等传统节日，各公司的宣传海报可把与之相关的中国传统工艺美术图案融入其中，包括编织类图案中国结、与中国神话结合的图案素材龙形剪纸、玉器与鞭炮的结合玉质鞭炮素材等。针对生产中国传统工艺品的公司，如雕刻公司、日用品公司等，在商标设计中，设计师可以把中国传统的工艺文化与现代文化相结合。如，画面内容是以玉或青铜为材质雕刻而成的机器人、钢琴、计算机等。建筑企业为了让自身的产品凸显高贵，也可以把中国象征尊贵的传统工艺应用到自身的宣传海报中，如石狮子、玉如意、青铜鼎等与古代皇家相关的素材。目前，平面设计应用最广泛的是在宣传上，而由于宣传的内容多样化，所以宣传类的平面设计风格繁多且各不相同。将中国传统工艺美术应用于平面设计，将吸引更多不同喜好、不同年龄层的受众。相对于西方文化，很多客户更喜欢中国传统文化，如以女性为主要客户的美容行业，除了欣赏西方美外，还特别喜欢凸显东方女性的美丽。所以，在进行美容行业的平面设计时，可以加入中国传统工艺美术的视觉效果。如，在平面设计的背景上，可以加入丝绸质感的效果，把光滑、柔软、尊贵和安静融为一体，让平面设计整体效果可以最大限度地贴合以东方古典女性美为目标的客户的需求。
二、传统工艺美术与平面设计的融合
经过多年的发展，平面设计涉及的领域、行业越来越多，技术也越来越成熟，为传统工艺美术提供了更加便捷和具体的体现方式。以前的版画内容，一方面是靠创作者的想象获得的，一方面是靠复制、模仿获得的。想象是创新、创意的体现，现代的计算机制图软件可以令一个人想象力更加丰富和具有创意，并且让制图更加省时省力。在用计算机制图软件完成制图后，可以把图案复印在版画的材料上，方便雕刻。而对于固有的风景、人物进行版画创作，也只需要先使用照相机等数码设备进行拍照，然后把照片传入计算机，最后再复印在木板上，这样版画的内容就可以更加形象和生动，版画效果可以真实，也可以夸张，改变中国传统工艺美术的形象。通过平面设计，运用夸张的方法，还可以让中国传统版画的内容更加丰富和独特，更具有吸引人眼球的效果。现代计算机和网络技术发展速度非常快，特别是各种计算机游戏（单机与联网）更是层出不穷，而智能手机的出现，让手机游戏也得到了迅猛的发展，传统工艺美术可与手机游戏相结合。我国民间美术种类的多样性，为民间美术与游戏的结合提供了广阔的空间。如，以中国传统工艺美术中剪纸和皮影为素材的手机游戏已经出现并流行开来。所以，与游戏、动漫相关的平面设计应充分利用中国传统工艺美术资源。如，在设计人物或角色形象时，可以加入中国传统工艺元素，包括不同质感的中国神话动物。目前，一些商品包装或宣传海报、传单所表现的视觉效果给人以模仿西方设计的感觉。而在具有中国特色的商品包装平面设计中应用中国传统工艺美术，更加符合该商品的特色，能够吸引更多消费者的注意。如，茶、白酒类的饮品包装设计中可加入茶壶、酒坛、酒壶或各种酒樽等；水饺类的食品包装和宣传页设计中则可加入让人联想到春节的传统工艺美术元素；糖果类包装则可根据糖果形状和本身代表的含义，选择相应的中国传统工艺美术元素加入平面设计。
三、结语
关键词：美术教学；平面设计；有效整合
在传统的美术教学中，一些教师都是采用理论教课的方式进行美术的教学，这样不仅不利于教学质量的提高，而且会逐渐消磨学生的积极性，影响学习效率的提高。美术的教学不仅重在教给学生绘画的技巧，也要赋予学生创造的能力，只有具备良好的创作能力能力，这样有助于学生创作出更加完美的作品。而平面设计技术在美术教学的应用，可以很好地改善学生的上课体验，很好的提高学生参与学习的积极性，对于学生的创作能力的开发也有很好的促进作用，因此，先关美术教师需要重视平面设计的优越性，采取有效的方式整合美术教学与平面设计技术。
1传统美术教学存在的不足
1．1教学内容缺乏综合性：大多教师都是采用固定的教学方式进行美术的教学，在课堂中仅通过教材进行美术的教学，这样很难提高学生课堂的参与积极性，导致学生被动地进行知识的吸收，这会直接影响学生学习效率的提高。在教学中一些教师将教学重点都着重于对学生的绘画技巧的教学，而忽略了对学生进行创作能力的提高，阻碍了学生绘画能力的提高。而且教材中内容有限，仅通过教材的教学在一定程度上限制了学生的学习视野，从而导致学生对知识的理解出现角度单一性，而对于绘画作品的欣赏需要欣赏者从不同的角度对美术作品进行观察，所以教学内容的局限性对学生的美术能力与审美水平也产生了一定的影响。
1．2学生不能表达出积极的学习兴趣：学生在美术的学习过程中很难表现充足的学习兴趣，学生的主动学习意识较弱，使学生自身很难主动地参与到美术的教学中。其次，大多教师的都是通过教材进行美术内容的讲解，学生仅通过教材中少量的图片和文字很难对美术与语言有一定的了解，学生不能掌握美术的语言艺术，那么学生很那通过绘画进行自己的情感或者想象等的表达，这样学生的作品就会很难达到理想的效果，学生可能因此失去学习美术的兴趣。而且美术中也有许多较为抽象、深奥的图画，对学生的理解也会产生阻碍。
2美术教学中融入平面设计的一些建议
2．1教师需要改进自己原有的教学观念：在传统的美术教学中，学生都是围绕教材书本进行学习，仅通过教材的学习，在一定程度上阻碍了学生的学习视野，使学生无法全面的理解相关的知识，从而无法很好地掌握这些知识点，而且这样的学习方式还会导致学生在思考问题时总是站在单一的角度思考，这样会造成思想的局限性。因此教师需要改进自己的教学理念，认识到计算机技术在教学应用的优越性，认识到平面设计技术融入美术教学的优越性。在教学中教师需要认识到传统教学的不足，改进自己的教学观念，引导学生主动通过网络去寻找合适的网络资源，在对网络资源进行研究和学习，吸收其中的知识，丰富学生的知识量，利用平面设计逐渐提高学生的创作能力。
2．2在课堂中展示一些精美的平面设计作品：刚接触平面设计这一门技术，一些学生会感觉很为难，不知道从哪一方面开始学习，或者就没有认识到平面设计对于美术教学的重要性。因此，教师可以采取一些有效的方式改进学生对于平面设计的认知，让学生意识到平面设计技术的精妙与作用。教师可以在课堂中展示一些平面设计的精妙作品，通过精妙的作品的展示，让学生认识到通过平面设计技术将对象经过有效的排版与制作，可以将这些对象以不同的完美姿态呈现出来。通过作品的展示可以很好地提高学生对于平面设计的兴趣，有助于学生更好的主动参与到美术的学习中，对于学习效率的提高有很好的促进作用。
2．3让学生留心与生活一些美好的事物的布局：学生所创作的美术作品大多来自学生生活中的记忆与想象，而在实际生活中大多学生都没有留意身边一些美好的事物，缺乏善于发现美的眼睛，这就会导致学生在进行创作时缺乏有效的素材，没有亲身经历，就无法掌握其中的情感表达，就会导致自己的作品给人一种空洞的感觉。在生活中一些建筑、广告都有一定的很好地布局，都是经过一定的设计，因此让学生去留心观察这些经过有效思考后的设计座屏，有助于发散学生的思维，有助于学生创造能力的提高。因此教师需要采取有效的途径培养学生的观察能力，使学生有善于发现生活中美好事物的意识。这样有利于学生素材的积累，在进行绘画时有利于情感的表达，使自己的作品具有一定的思维性。
3结语
在传统的美术教学中，一些教师都是将教学的重心着重于绘画技巧与理论知识的教学，而忽略了地学生进行有效的创造意识到培养，这样限制了学生创作思维的开发，影响了美术能力的提高。平面设计艺术具有一定的视觉性效果，很好的提高观察者的专注，学生通过平面设计技术可以展示自己的创作作品，这样对自身创新能力的提高有很好的促进作用。因此，教师需要重视平面技术在美术教学的应用，教师需要采取有效的方式将美术教学与平面设计技术有效的整合。
作者:陈秀巧 单位:江苏省建湖中等专业学校
参考文献:
现代平面设计在面对观众的时候，利用的是一种形象化的表现语言进行传情达意，目的是为了加深观众的印象，让观众明确设计的目的。而民间美术和现代平面设计虽然归类于不同的文化范畴，却在色彩以及造型等方面存在千丝万缕的联系，因此，对于现代平面设计来说，民间美术有很多地方值得借鉴和学习。
1.民间美术造型在现代平面设计中的应用
我国的民间美术艺术家在进行创作时，能够抛开一切外形的束缚，借助于二维空间中的轮廓造型，通过恰当的角度进行夸张、概括，延伸想象，升华客观事物的形象，最终给人一种强烈的视觉张力。例如，我国汉代的戈射收割图，正是借助于剪影，通过高度的概括，将拙朴之美、力度之美都体现在了情态、动势以及轮廓之间，彰显出了独特的艺术魅力。此外，还有民间剪纸、民间年画、皮影等都是在二维空间内所进行的美术创作，这些民间美术造型不仅能够表现出所要表现事物的特征，还被赋予了一定的象征寓意。而这一点正是现代平面设计所需的，现代平面设计可以利用民间美术夸张的角度概括、典型的动态表现，形成强烈的视觉张力，达到雅俗共赏的效果。在进行平面设计造型设计时，设计师就可以借助于我国民间美术元素的造型特征来设计。例如，以庆祝60周年的公益海报“CHUINA牛”为例，该海报在进行设计的时候就以民间剪纸为主要的设计元素，并与英文的中国“CHINA”一词相融合，从而构成了一只充满动力和强烈的视觉冲击力的“牛”的形象，表达出了中华儿女对祖国美好前景的向往。
2.民间美术色彩在现代平面设计中的应用
经过几千年的历史发展，我国形成了自己的宇宙观——阴阳五行法，而民间美术色彩也是不断发展，经过“单一崇拜”，发展为了现在的“五色观”。在《考工记》上有记载曰，“画缋之事，杂五色。”我国古代把五色作为正色，其他的称为间色。五色即是青、赤、黄、白、黑。其中，青代表万物生长，象征着和平、希望；赤代表温暖、热情、吉祥，是民间最喜爱的一种颜色；黄色是我国古代帝王的专属颜色，代表权力和地位；黑色代表严肃、沉默，代表神秘；白色则代表朴素淡雅。其强烈鲜明的视觉效果、井然有序的色彩形式，都表现了民间美术的强大生命力和强烈的震撼力，这一点在现代平面设计上同样适用。在进行现代平面设计的时候，设计师也比较倾向于选用五色，以吸引受众眼球，并借助其强烈的视觉感受来传达信息。例如，某白酒的广告在进行设计的时候就以五色中的白色作为主色调，其画面表现的是在一个月色朦胧的晚上，一杯斟满白酒的酒杯静静地矗立在木纹的长桌子上，杯中的白酒在银白色月光的照射下愈发的透明温润，而一只萤火虫微微的光亮恰好投射在白色的酒的泡沫上，从而更加映衬出了白酒雪白的颜色，能使人感受到此酒纯正的品质和优质的口感。这则广告对白色的运用可谓是到了炉火纯青的地步。又如，某可乐公司所推出的“舞龙篇”的广告，连续若干年来都以传统的中国红作为画面的主色调。红色在中国带有特别的意义，其象征着吉祥喜庆，代表着财富和繁荣。红色配以我国传统的泥娃娃的造型特征，再辅以中国传统节日的氛围，从而迎合了中国人的心理需求，为商品赢得了广泛的消费群体。
3.民间美术图案在现代平面设计中的应用
民间美术中有许多具有超自然装饰性的吉祥图案，艺术家在潜移默化中利用了装饰变形手法，借助于意象或者象征来处理或者创造一些装饰模式，有组合纹样、二方连续以及四方连续等，这些装饰性的追求正是体现了人们对美的追求，对于超越自然的渴望。如我国历史传说中的龙、麒麟等，都是一种超自然、科学的形态模式，属于超自然装饰性的吉祥图案。它们是借助不同事物的元素，进行任意组合而形成的新的形象。现代平面设计中也运用了许多这种图案。例如，我国著名的设计大师靳棣强所设计的“汉字”系列的招贴设计就是采用了民间美术中的拼接图案，真实的云纹砚台与写意的水墨云纹通过拼贴组合的形式结合在一起，既形成了对比，实现了平面与立体的结合，又使整幅招贴设计极具现代感，水墨元素的应用也表现出了云纹的飘逸与变化，同时也展现出了浓郁的中国文化气息。又如，靳棣强设计的太极图案招贴设计，他将中国传统图案中的太极图案经过简化后运用到设计当中去，将由水墨和蜡笔质感的两个部分进行组合，形成了红与黑、现代与传统的对比，但是这种矛盾并不突出，且画面中由点、线、面所构成的中西方合体的太极图形又恰恰契合了太极图一动一静、阴阳互生的哲理。
二、结语
我国佛家注重温和、平静，在宗教艺术色彩的运用上，致力于“空、无、和、化”的理想之境。在盛唐时期，佛教文化盛行，壁画多以青绿色彩为基础，加以朱砂形成冷暖视觉对比，整个艺术充满绚丽辉煌之感；在中唐时期，佛教文化艺术不断加入土红、土黄等色，画风渐趋平和、静谧；至后世，佛教文化艺术不断增加了金、黑、白等色彩，体现了佛教的包容、和谐，形成了独有的艺术特色。
二、中国传统美术色彩的象征性及其在平面设计中的应用
1.色彩成为身份地位、性格、品质的象征
中国的古代社会深受五行观的影响，多为皇权贵族所重视，对色彩的使用有着严格的规范。就黄色来说，其在封建社会象征着中央集权和国土之义，是权威和尊严的代表，平民百姓是不能随便使用黄色的。
2.色彩在不同哲学思想的影响下，具有不同的象征意义
儒家文化将黑白两种颜色视为不吉祥的代表，尤其是对于黑色的解读，常常赋予其死的意义；在儒家文化长期的影响和宣扬下，黑色和白色常常给人一种无比悲凉的氛围感。而在另一种哲学思想下，色彩的象征意义将会大不一样。如随着佛教文化的发扬，白色逐渐被人们解读为纯洁和吉祥。因此，只有对传统色彩的象征意义进行深入分析，才能实现色彩在继承中发展。
三、中国传统美术色彩的装饰性及其在平面设计中的应用
1.色彩鲜明，纯度较高
我国古代正色在传统色彩体系中有着很高的地位，最早在商周时期就已经形成了崇尚纯色的基本传统，而且色彩随着时代的发展，意义也逐渐丰富起来。传统美术的色彩装饰主要体现为色彩鲜明亮丽，能够形成鲜明的对比。
2.色彩丰富，对比统一
中国传统美术中，在作品色彩搭配方面不但追求对比性还要有和谐性。在后期的发展中受到佛教文化的影响，传统美术将黑色、白色、金色和银色作为间隔颜色，用于调和对比强烈的色彩。
3.简练概括，以少胜多
在现代人眼中，作品的色彩搭配要比作品的形象表达更容易被人感知和接受，而色彩的设计就是为了使作品能够在第一时间引起观者的重视，并与其产生共鸣。将传统美术色彩的装饰应用在现代的平面设计当中，不但可以增加作品的装饰性，更体现出一种深厚的文化底蕴。
关键词：平面设计；传统美术；色彩体系
中国历史上，色彩的搭配很有讲究，主要的理论依据在于各自信仰的不同。色彩的搭配种类还可以按照使用的方向划分，主要用作标志、装扮和进行层次凸显，文章主要介绍古老的色彩搭配在中国绘画艺术的历史上出现的样式，还有被应用到现代平面设计上的重要意义。
1中国古代美术色彩体系
1.1儒家世界中的五色体系
在颜色搭配的历史上，搭配的方式极易受到当时的文化风潮、思想风潮的影响，除此之外，国人的个人主义也会直接关乎到色彩搭配的特色。绘画艺术的关键环节在于颜色的搭配，颜色搭配的形式表现出中国人民内心的颜色和思想追求。要是追溯对于颜色搭配的研究，最早开始于历史的尽头：殷商时期。在这期间就有相关的书籍记录色彩搭配的要点，书中写到把白色、黑色、红色和黄色作为事物的基本底色，任何的搭配都要从这四个方面出发。除此之外，还讲述了颜色之间的差异、颜色在不同场合和时间的选择方案等，这几种颜色最简单，也最普遍，更不可缺少。因为它们的存在将整个社会变得丰富多彩，将社会变得更有层次感、更有美观性、更有标志性。因此在古老的中国，平面设计都被这几种颜色贯穿和覆盖，还受到社会形态、规模、理念和资金的影响。中国的居民就给颜色搭配定性为这几种表现形式，生成了中国自由的颜色概念。
1.2道家世界中的无色理念
以老子为核心的道家思想追求“淡泊名利，独断我心”的做法，所以对于颜色的搭配只追求简单化，认为这世间无非就是两种好与坏、善与恶、黑与白。在老子看来，这世间的万事万物都不是一成不变的，当你觉得你再失去某些事物时，冥冥之中必定会有所收获，就如时间不断地流走，此时非彼时。所以这种思想的存在引发对于颜色的选择，有与无就像黑与白总是对立和相反的存在形式。在很久之前，这种黑白两色构图的形式就已出现，最早出现在水墨画当中。
1.3佛家的美术色彩
佛教的房屋建设工程和经典雕塑采用的颜色，大多是比较深沉的，主要包括两种颜色：墨绿和暗红。红色是暖色系的代表，绿色则是冷色系的代表，中国的色彩搭配主要是追求对称性，冷暖相对的颜色搭配，致使整个感官很触动，感觉到眼中的景象给人的印象是十分深刻的。唐朝发展的中期，佛教将绘制在墙壁上的图画改变了风格，采用温婉型的泥土色为主，将画风推向融合。这些都改变了唐代时期绘画艺术的风格，使得整个绘画领域的主色调趋于佛教。
2传统美术色彩的象征性及其应用
每个人对于颜色的选取，都表达内心的一种思想，是人心灵深处最直白的表现，因此颜色间不同的搭配模式体现出人们的精神世界和个人内涵。如果用颜色来表现中国文化的特色，还要根据具体的情况去分析。因为中国地大物博，文化形式多种多样，一种颜色只能是片面的特色，并不能真正体现中国的传统。
2.1色彩是身份、性格、品质的象征
在最古老的中国帝制主义时期，每一种颜色都代表着一种地位的人员，是最早被用为象征意义的事情。因为当时制度的要求，这种封建的高低明显的位分划分是极其必要的。当然颜色的象征意义并不是一成不变的，根据当时统治者的管理制度。中国有个流传千百年的传统，中华人民共和国的子民都是炎黄子孙，黄河是泱泱大国的起点，黄颜色被誉为最核心的颜色，极其具有皇亲国戚的意味，在历史的长河中，黄颜色也逐渐成为每个时期统治者的特色。
2.2不同的哲学思想影响色彩的意义
道家所追求的是黑色和白色简单的搭配，这种颜色的搭配被赋予了最至尊的韵味。然而儒家思想并不同意这一观点，在他们认为黑色和白色是生人和死人的区别，黑色并不是吉祥的意味，而是人生的一种痛苦。黑色本身就是极其空洞的，加上白色的点缀更显出几分凄凉的意味，让人觉得很是悲惨和严肃。就像社会在不断进步，中国在绘画领域的色彩追求也不是一沉不变的。
3传统美术色彩的装饰性及其应用
传统的色彩搭配极易受到思想风潮和统治制度的影响。不仅如此，颜色的选取也体现出当时居民的精神世界，心灵美的一种表现形式。久而久之，在历史时间的记载下，不管颜色搭配以何种形式出现，都表现为以下三种特点：
3.1色彩鲜明、颜色的纯度较高
中国古老时期，只认准一种颜色的艺术设计，只追求简单单纯地美，虽然过去了千年万年，事物的色彩出现了一种又一种，但是人们对于只用一种颜色的观点一直不曾改变。因此，绘画领域的创造者就想出了一种新型的艺术，利用纯色作画，其他颜色进行点缀和搭配，将艺术作品的表达更加柔和和自然。
3.2颜色多种多样、对比同一
不仅是古代，现代的平面艺术也将求颜色选择，无论是在产品的封面，还是各种图书的装订都使用比较普通的色彩。比如一直流传至今的五种颜色：黑色、白色、金色、红色和黄色，这几种颜色都变现出稳重和端庄的韵味。因此用此来结合鲜艳的色彩会使绘画的布局更协调和内容更完整。
3.3简练概括、以少胜多
绘画艺术本身就是给人用眼睛去体会、去感悟的，因此对于颜色的搭配要做到给人视力上的冲击作用，剧烈的视觉冲击会激发人们对于作品的印象加深。
4传统美术色彩的程式化及其应用
说完了历史信仰和统治制度对于颜色搭配的影响，现在来说一下文化作品给绘画领域带来的价值。那么最值得一提的便是作品《红与黑》，经典的纯色配置，给人一种美感和强烈的印象感。接着就是对于点缀的设计，红配绿的理念就好似红花在绿叶的衬托下，更显鲜艳。自然地色彩搭配让人觉得更加舒适。
5结束语
现如今的平面设计已不仅是国家内部最关注的问题，整个世界都在进行彩色得追求，寻找更具美感和深厚内涵的搭配理念。中国要做的就是留住传统理念的同时，发展更加持久和创新的设计。
参考文献：
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[3]宫晨.中国平面设计中的传统美术色彩研究[J].青春岁月,2012,(23):77.
【关键词】蒙古族；民间美术色彩；文化内涵；平面设计
1. 引言
1.1研究背景
目前，设计的趋势是民族化、国际化，不同的民族和国家都用现代设计来完善自己的民族。中华民族具有五千年悠久历史，各民族的民间美术是传统文化的基石，而蒙古族民间美术具有丰厚的文化内涵。它体现了蒙古民族的审美意识，饱含着民族情感。
1.2研究意义
传统民族文化是现代设计的创意基础，蒙古族民间美术色彩在平面设计中的应用，是现代设计的发展趋势，将平面设计应用于蒙古族民间美术色彩，有利于促进平面设计的发展。
1.3研究概况
目前，蒙古族民间美术的研究己经有了一定的成果。如阿木尔巴图教授的《蒙古族民间美术》、《内蒙古剪纸集》、等专著，盖山林先生的《蒙古族文物与考古研究》。从这些研究的情况来看，平面设计中对蒙古族民间美术色彩元素的研究则比较少。
2. 蒙古族民间美术色彩概述
2.1蒙古族民间美术色彩范畴
色彩是蒙古族美术的重要组成部分之一，想要了解蒙古族色彩的范畴，就得先知晓蒙古族的民间美术。“蒙古族民间美术是广大牧民群众创作的、用以美化环境、丰富民间风俗活动和在口常生活中应用及流行的美术。
2.2蒙古族传统的色彩观
蒙古族对色彩有独特的理解，白、蓝、绿、黄、红等颜色为蒙古族人民的喜爱，这些构成蒙古族民间美术色彩基本的元素，组成了蒙古族民间美术五彩缤纷的色彩世界。蒙古族这种色彩观是在宗教思想的影响下形成的，随着社会的发展，蒙古族色彩观也在不段的改变。
2.3蒙古族民间美术色彩的特征
2.3.1 民族性
民间美术表现出不同民族的明显差异，蒙古族民间美术显示了蒙古族的性格，使蒙古族民间美术色彩具有了鲜明的本民族特征。色彩是一种情感的表达方式，可以传递人的各种心情，蒙古族民间美术色彩在运用中体现出了民族心理的，可以看出蒙古人对现实生活的态度，深刻的反映着草原牧民们的物质和精神生活。
探讨蒙古族民间美术色彩的民族性是为了发扬民间美术色彩的特色，我们应该重视这种传统的民族文化，将这种文化加以保护、继承和发扬。
2.3.2 象征性
象征是用视觉可感知的事物表达抽象的一种手段，为了使抽象的意念得以表现就要借助象征，但是抽象用言语难以完整的表达，所以色彩通常被当作一种象征手法加以诠释。伴随着社会发展，蒙古族人民对生活的热爱使民间美术的内容和形式更加完美，它所代表物象也更多，色彩也具有了更加丰富的文化内涵。
蒙古族民间美术色彩的文化涵义是由对生活环境的视觉认知变成的一种文化反思。蒙古族的色彩观念影响了蒙古人的审美，导致了民间美术不是纯粹视觉的，这种色彩是传统民族文化影响的结果，与蒙古族的道德观念和价值观念交融互渗，使民间美术色彩的内涵变得更加丰富。
3.蒙古族民间美术色彩的艺术表现
3.1蒙古族图案的色彩
蒙古族图案用色大胆，通常采用单色平涂、勾线等着色的方法，显示出了蒙古人的色彩喜好和文化习俗。蓝与白、蓝与红及黄与绿经常被相互搭配在一起使用，蒙古族图案的色调通常来说是明亮艳丽的，多使用蓝色，它可以是深蓝色或浅蓝色，红色则是纯猩红，黄色一般为金黄色，绿色则是草绿色或中绿色。
3.2召庙壁画与彩画的色彩
蒙古族墓室壁画、召庙壁画与彩画都属于民间绘画。其中蒙古族墓室壁画现存并不多，具有强烈的民族风格的更少，召庙壁画和彩画则在17世纪以来，伴随着佛教文化的广泛传播成为蒙古族民间绘画的代表。然而，随着朝代的更迭召庙建筑历经劫难目前也所剩无几。现存下来的主要有美岱召和鸟素图召庆缘寺这些艺术佳作，虽然数量较少，但是也为我们了解当时内蒙古地区的壁画提供了宝贵的资料。
3.3蒙古包的色彩
色彩是形成建筑物差异性的主要因素，蒙古族的气候特点决定了蒙古族建筑艳丽的色彩特征。蒙古包这种蒙古族特有的建筑，是在游牧生活的条件下而产生。蒙古人称它为“毡帐”，以材料轻便、搬迁拆装省时省力而闻名。蒙古人很早以前就有装饰自己住所的习俗，当时毡帐多用白色的毛毡，并且帐顶和围毡大多饰以云纹。这样蒙古包与蓝天和白云相互照应，构成一幅美丽的画面，令人心驰向往。
4. 蒙古族民间美术色彩在平面设计中的应用
4.1与蒙古族民间美术色彩对比美相结合
在蒙古族民间美术色彩中，反映出民间用色相对自由的特点，往往主观性比较强，而且原色使用的频率比较高。在充满强烈对比的色彩中，反映出蒙古族民间美术色彩的阳刚之气。现代平面设计追求“先声夺人”的视觉效果，也使设计者的设色不必拘泥于客观物象的具象色彩。
4.2与蒙古族民间美术色彩协调美相结合
蒙古族民间美术色彩注重色彩对比中的协调。在民间图案召庙壁画和建筑彩画等艺术形态中，经常运用退晕、沥粉堆金等装饰手法，用间隔，缓冲和过渡手法，将对比十分强烈的颜色中和，使整个色调在对比中有调和。现代平面设计的色彩要求在变化中有统一，通过增强作品的视觉冲击力来获得观者的注意。蒙古族民间美术色彩与现代平面设计用色需要相一致，这种艺术气质所产生亲和力也正是现代设计的追求。
5.蒙古族民间美术色彩在平面设计中应用的思考
5.1应用现状
我国现代设计经过三十多年的发展己取得一定的成效。平面设计经历了从认知到重视、从感性到理性的文化表现，中国的平面设计事业正在一步步走向成熟，取得的成绩也是有目共睹的。然而，这一历程经历的时间毕竟比较短暂，是一个值得骄傲同样也值得反思的过程。
5.2传承与发展
内蒙古地区的现代平面设计在借鉴蒙古族民间美术色彩时，应本着传承与发展的态度。现代平面设计对传统文化的继承，也是传统文化自身发展的结果，现代平面设计己成为传统文化的传承方式，并不断地赋予其新的内涵，以期待新文化的产生。
6.结论
蒙古族民间美术色彩经过长期的历史积淀，在我国民族艺术中绽放着绚丽的光芒。文章通过在平面设计中对蒙古族民间美术色彩的研究，丰富了平面设计的内涵和视觉，促进一种新的设计文化的产生。在应用的方法上，总结出色彩提取的设色方法。蒙古族民间美术色彩蕴含的内涵需要我们更加深入研究，因为蒙古族民间美术色彩对现代平面设计的影响存在于很多方面，它是一个值得长期探讨的课题。
总而言之，对蒙古族民间美术色彩在平面设计中的研究，能够建立一个既有民族性又有时代性的设计体系，也是时展的要求，这是我国平面设计跻身于世界先进的关键所在。
参考文献：
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关键词：民问美术；寓意性；夸张性；时空跨越与综合性；平面设计
一、民间美术的特征
中国民间美术由广大劳动人民所创造，是中华民族集体智慧的结晶，以实用、经济为直接目的，并丰富、美化着人们的生产与生活。中华民族地大物博、人口众多，各个地区的风土人情也有所不同，这为形成繁多种类的民间美术奠定了基础。按照运用材料和制作技巧的不同民间美术可大致分为：绘画、雕塑、剪纸、编织、刺绣染织等。虽然这些美术制品的材质不同、用途各异，但它们都富含深刻的寓意，跨越时间与空间的界限以大胆夸张的手法进行创作。
1.表现的寓意性
民间美术与人们的生活息息相关，凝聚了深厚的历史文化情感，我国早期的民间美术形式可追溯到新石器时代的陶器，其中作为陶瓷珍品的人面鱼纹彩陶盆是半坡文化代表，盆内壁所绘的人面鱼纹图案线条简洁生动，人面概括成圆形，头顶有三角形的发髻，耳部各有一条小鱼，人嘴左右两旁置有变形鱼纹且鱼头部分与人嘴轮廓相重合，人鱼合体的构成形式奇特而神秘。从陶盆上所绘的人面鱼纹图案使我们对当时人们的生活方式、宗教活动形式可见一斑。古时期的半坡人在河谷阶地营建聚落定居生活，以农业生产为主，兼营采集和渔猎，这种鱼纹装饰是他们生活的写照。同时展现了当时图腾崇拜的宗教活动形式，其中人面与鱼纹的相互结合被当做祈求生殖繁衍族丁兴旺的象征。
中国古时的人们为了表达自己对福、寿、康、宁、喜的美好愿望和追求，常常将代表和美寓意的图形运用于工艺制品中并祖祖辈辈流传下来，在剪纸、刺绣、年画等民间美术作品中我们能够看到许多这样的图案。其中谐音的应用最为广泛，如“鱼”同“余”音，因此其形象常被用于民间美术中象征“连年有余”，又如“五福捧寿”中的“蝙蝠”；“富贵平安”中的“牡丹”“桂花”与“花瓶”；鹿同“禄”等等。
2.造型的夸张性
中国文人士族绘画崇尚对物象之“神韵”的刻画，舍去“繁枝冗叶”只留得“精华”所在，而与其同源的民间美术更是深得这一精髓，并将其淋漓尽致地表现出来。民间美术作品常常用线造型，以线代面，造型简洁而生动、言简而意赅，虽寥寥数笔却“意”“境”全在，这与“夸张”手法的应用有密切关联。
虎被尊为“百兽之王”，在人们的心中它是勇猛、威严、力量的象征，因此人们将其形象绘于多种饰物中，如剪纸窗花、木板年画，还有小孩子穿戴的虎头鞋、虎头帽等。人们从老虎的形态中选择那些最能体现其凶猛威武特征的元素加以概括、夸张与强化，运用在虎的造型中，如对眼与口的夸张放大，双眼如铜铃且张着血盆大口使老虎看起来更加凶猛威武，四肢变得短而粗壮，身体饱满圆实使其更加雄壮有力。夸张的造型使之成为驱邪避灾并且负载人们精神希求的象征物。饕餮也常被用于民间美术作品中，它是在虎形象基础上夸张变形得来的，一般表现为横眉裂口，宽鼻瞪眼，形象怪异：也有的双眉直立，有的眉作兽形，有的像正面的牛头形。构成多数以鼻为中心，作对称形。
3.时空的跨越与综合性
民间美术因创作技法和使用的材料的特殊性问题，所以常采用二维的形式造型，为能够更完整地将所绘制的形象表现出来，而常采用散点透视的方法进行处理。民间美术作品在绘制人、家畜等的侧面形象时，会将眼与口处理成正面所见的样子，但观看者并不会觉得有任何不妥，相反这种跨越空间的处理方法更加突显出民间美术的拙朴与纯粹，体现其夸张性、戏剧性、趣味性的特点。如剪纸“赶牛拉磨”是民间美术具有时空的跨越与综合性特点的典型代表，画中的“人”与“牛”为侧面造型，而人眼与牛眼为正面。不仅如此，为了使画面形象更加饱满；装饰性更强，将“磨”造型成正面俯视的形状并以环状花纹装饰，作品整体不仅呈现出戏剧性的特点还充满趣味。
二、民间美术的特征对平面设计的影响
1.丰富了平面设计的民族文化内涵
民间美术是中华民族悠久历史文化的重要组成部分；承载了中华民族深厚的情感。鲁迅先生说过：
“只有民族的才是世界的”，中国许多杰出的平面设计师都是在不断地探索将中国民间美术与现代平面设计相融合的过程中取得了成功。民间美术与人民生活的密切相关性决定了它所描绘的人、物形象具有特殊的意义和内涵，如淮阳县泥泥狗是一种原始图腾文化下产生的独特民间艺术。在人们的心目中它不仅是繁衍生育的象征，也是老百姓安居乐业的“守护神”，更传说用其身上的泥土泡茶喝，能够医治离乡人的“思乡之情”。
民间美术造型的文化内涵在月饼包装设计中得到了充分的体现。中秋节为我国的传统节日，在这一天家家户户都要吃月饼以示“团圆”，最初月饼是用来祭拜月神的祭品，后来人们逐渐把中秋赏月与品尝月饼作为家人团聚的象征，发展到现在月饼成为了精美的节日礼品。为突显节日氛围：体现月饼作为传统美食所承载的历史文化，其包装设计常会采用民间美术中的云纹、花卉图案为装饰造型。运用云纹首先是为突出中秋佳节的主题，中秋圆月以浮云相饰更体现其明亮、皎洁；另一个重要原因，云纹是我国丰富多彩的民间艺术装饰纹样中典型的一种，被广泛用于我国古代的服饰、雕刻、建筑、器具及各种工艺品上代表着吉祥如意，其流转蜿蜒的造型更为包装整体增添了一份华丽。花卉图案多为牡丹、荷花以流线造型或作剪纸镂空状，富贵中又不失典雅。
又如著名设计师靳埭强先生设计的乙卯年生肖纪念邮票，他把兔子描绘成蹲在地上，微微昂首，双耳垂背的形象。再模仿剪纸的风格造型成有机的面的形象，表现中国新年的主题。因为剪纸是中国民间在节日或喜庆期间，用来装饰家庭，增加欢乐气氛的工艺品。邮票整体造型生动，阴刻表现手法使兔子的形象给人以灵动的感觉和艺术享受，充满了节日喜庆祥和的气氛。
关键词：现代美术；平面设计；传统文化；结合
在平面设计中，我国起步晚于西方，在社会发展以及经济全球化的浪潮下，设计的理论方面更要向着西方的脚步迈进。目前情况下，许多作者依然停留在盲目模仿西方，缺乏创新、缺乏特色的程度上，其并没有对我国传统文化进行深入了解，一味地认为西方的就是比我国的要好。我国是有着五千年历史的文明古国，中华文化博大精深，是一代又一代人积累成长得出来的积淀，其每一个时期都有自身所独特的性格特点。艺术无国界，想要让美术作品焕发生机就应该找到其中的亮点，将其结合起来，只有这样作品才会具有强大的生命力。
1传统文化在平面设计中的应用
1.1平面设计中书法的表现形式
文字是一种“物化的观念”，书法也是一种新型的书写形式，其也是中国文化的精髓。在平面设计中，书法也是一个相对重要的部分，科学、合理地加以运用，可以让平面设计散发魅力。例如，2008年奥运会中“中国印•舞动的北京”就是典型的平面设计和书法相结合的作品，在这样一个重大的场合，将书法、设计、印章结合起来给世界展示了一个多样的中国。再比如中国传统的汾酒，其“汾”字的设计不仅仅是酒的产地的体现，其所描述的形态、醉态也象征着一种洒脱的、率性的人生态度，让人浮想联翩。
1.2平面设计中文化符号的表现形式
作为一种文明的承载，设计中通常包括一些物化的元素以及意识的元素，作为中国古代的建筑，长城、故宫、天坛等建筑都体现着中国的传统文化，年画、剪纸等又具有自身的本土气息，有着非常强烈的中国印记。传统的中国人非常信奉“龙”，将其作为民族文化的图腾。所以，在设计当中我们经常可以发现龙的身影。华夏银行的设计就是以此作为灵感，华夏与龙的结合，也预示着中国人是华夏子孙。长城汽车的设计则生动地借鉴了长城的元素，这也是中华文化和设计结合的表现。这一标志不仅仅是汽车企业文化的体现，而且也拉近了人们之间的距离，促使企业发展成功。
1.3平面设计中传统色彩的运用
色彩是一种具有张力的表现形式，其可以较为直接地表达出设计的最终情感，中华传统文化中，色彩也是一个非常重要的组成部分，就比如陶瓷中色彩的运用，唐三彩的影响力超越了国界。我们在设计当中融合一部分民族文化，这样可以使情感的表达更加顺畅，更加容易引起共鸣。每一个民族都有自身独特的文化，每一种文化都有自身的色彩，这种色彩是经过时间洗礼后形成的，是民族文化生动的体现。传统的五行中的色彩，黄、青、黑、白、赤都有着自身的寓意。在设计中，青色包括了蓝色以及绿色，象征着智慧以及冷静，而在现代化的设计当中则象征着智慧以及冷静。绿色在设计中是和平、希望的意思，但是在传统文化中则是朴素的表现。黑色主要象征着沉稳、庄重，白色则是纯洁的表现，黄色象征着权威、地位；赤色，也是红色，其象征着热烈、热闹、奔放等等。这些简简单单的颜色，表现出来了整个华夏子孙的性格特点。
2现代美术设计与传统文化相结合的关键部分
相比较于西方的平面设计，我国的平面设计在理论方面要薄弱得多，而且有很多的作品依然处于一种盲目的模仿阶段。所以，我国的设计师在进行方案设计的时候，需要把眼光看向内部，对传统文化的精神品质进行深度挖掘。国家的发展、社会的进步对传统文化的需求是巨大的。古往今来无数事实都证明了设计应该从传统文化中汲取灵感，这样才能够增强作品的归属感。所以，我们需要做好如下的工作：
2.1在形式上进行创新
外在的表现就是事物的“形”，传统的中国图案不仅仅需要扎根在深厚的民族性、区域性当中，而且需要对其事物的完整性、装饰性进行完善，多多关注形与形之间的礼让以及穿插关系。所以，在设计当中更加需要遵循完整、对称的原则，在掌握了传统文化、造型以后再加以利用，站在现代审美的角度进行分析以及提炼，最终表现出来民族的个性。
2.2在意蕴方面深入挖掘
中国传统的造型非常注重“意”，这也是其关键所在。在传统中，中国古代对一些已经成形的图案进行深入描摹，这些是因为其内在的深层意义，并且随着时代的发展，其已经在人们内心留下了深刻的烙印。这些图案不仅仅外形美观，其审美意义丰富，用中国的古话来说就是“以意生象，以象表意”。但是，如果我们想要突破，就不能够对“意”进行简单的陈述，而是对其进行提炼以及升华。例如，我国2008年申奥的标志上，其整个设计是对于传统文化的借鉴，是对于相似以及不似之间，寻找到了一个恰到好处的平衡点，所以被世界所认可，表现了中国所独有的文化色彩。
2.3在精神方面加以传承
由于中华文化所固有的神韵以及内涵的相对稳定，这使得中华文化得以流传下来，没有被时间的洪流所冲散。中华文化最看重神韵，最关心事物内部的精神传承。中华民族五千年的历史，其自身拥有深厚的审美意蕴以及情趣。这些虽然都是抽象的、意识形态的东西，但是通过书法、国画、五行八卦等又极其容易表现出来。例如，中国古代的剪纸、泥塑、年画等，我们几乎可以在任何一种形式中看到传统文化的身影。道家追求“天人合一”“道法自然”，儒家追求“仁”“和”，这些都是灵感的重要源泉。设计师在传承文化的时候需要注意，绝不可以仅仅将符号拿来使用，而是需要在形式、意蕴方面进行综合，从而得出独特的方法，实现形神结合。我们拿著名的设计师靳埭强来说，其成功的原因不仅仅是对于我国传统文化的深入理解，而且还有对古钱币、书法文化等理解，正是有着这样的传统积淀，从而在平面设计方面与传统文化进行了深入的融合，从而创造出来具有独特审美品位的作品。
3结语
设计师在创造作品的时候，不仅仅是将美术与设计结合起来，而且是在深入理解传统文化的基础上进行的再创造。把握了传统文化的神韵，才能理解作品中的“形”，才可以灵活贯通，从而设计出来更多具有特色的，具有旺盛生命力的作品。
参考文献：
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［5］石羽丰.论平面设计“现代感”与传统文化的融合［J］.长春教育学院学报，2014（1）：71-72.
一、认识绘画的平面性
自古以来虽然画家写实绘画的技艺曾经登峰造极,历代大师创作出了令人身临其境的视觉物象,但是这改变不了绘画本质上是平面物这一基本事实,改变不了作画是画家在一个有着特定边界的平面内运用特定的工具、材质、图形、色彩按某种特定的方式构筑成一种组合的过程这一基本事实,改变不了画中物是观看者调动了自我的视觉经验虚拟现实的幻象这一基本事实。教师在学生开始学画的第一天就要让他们建立起一个绘画“场”的概念:如果在一块岩壁上作画,那么这块岩壁就是一个有着心理边界的场;如果在一个陶罐的表面作画,那么这个曲面就是一个周而复始的场;如果在一组屏风上作画,那么这些屏风就是遥相呼应着的场;如果在画架上作画,那么这块绷在画框上的油画布就是一个方形的场;简而言之,所谓的绘画的场,就是图形得以展开的二维场地,意象得以延伸的物质基础,教师不能让学生一开始就无视这个场的存在,无视这个基本的原点。
二、感受图形的趣味性
有了舞台,当然要有演员,绘画的演员就是图形,所谓图形并不是几何数理概念上的抽象形,而是一个有着具体外部轮廓的形状,比如宣纸上的一滴墨、一根线条、一抹色块,它们是图像的基本单元,绘画的基本元素是一台戏里的众多角色。这些形从轮廓特征来看可分为点状、线状和面状,从轮廓的明晰程度来看可分为实边形和虚边形,从和场的关系来看可分为正形和负形。每个图形都是具体的,有其大小比例、空间位置、方向动势、明暗深浅、颜色质地等个性特征。教师在教学中可以设计一些课题让学生学习形的提炼和归纳,比如对一幅经典名作进行解读,或者对一组自然物象进行研究,这种练习中很重要的一点是要强调学生有意识地排除物象的实用意义去面对形状的趣味,玩味形状的意趣,能够超越具体的物象属性和使用功能来品味形状的美感。因为这是对一个人惯常的观看方式的彻底颠覆,而且对图形感受力的培养也不是一蹴而就的,所以,在这个练习中,教师需要足够的耐心,要循序渐进。同时,教师还要让学生认识到“看”的多重性,即基本形并不是绝对的,固定不变的。如果说对基本形的归纳其实是在一个平面里对图形区域的划分,那么当我们以不同的视角去观察,以不同的特性去划分画面时,画面上就会衍生出不同的基本形。例如同一幅画面,按色彩的明度所分割出来的色块与按色彩的冷暖所分割出来的色块就可能截然不同,这个现象与其说是一个困扰,还不如说是绘画的魅力所在,因为多样的认识方式带来了更多的可能性,有了不同的观看方式,才能有绘画语言的新发现。语意的多重性,形式的陌生感,不就是美的品质吗?
三、寻找画面的构成性
我们知道基本形都有各自的形状、比例、方位、颜色、材质、能量等特性,当一个对象由两个以上的基本形组成时,它们彼此就排列成一种组合,我们也称之为画面结构(即使是单个图形,它也与画面的边缘产生着结构关系),也就是说,一幅完整的画面正是由各具形态的基本图形有机地组合而成的,是不可分割的一个整体。我们观赏一幅画,所感受到的信息是由这一集合体传达出来的综合信息,每个局部都不是孤立的存在,而是共处在一种关系之内。正因为如此,教师在教学中必须设法引导学生逐步理解整体地看待画面的意义,提高整体把握画面的意识和能力。一幅画就是一个自足的生命体,有内在的生命系统,画家需要懂得什么是一件作品的结构,怎样去创造这个结构。大结构里蕴涵小结构,小秩序要服从大秩序,教师不但要让学生懂得整体,还要让学生学会整体,学会如何处理好画面里众多图形区域间的层次感,使一幅作品趋向和谐完整。当然,画面内的大层次和小层次也是相对的,流变的,这也造成了画面整体效果的多元开放性。随着我们着眼点的不同,物象的细节可以被不断省略,不断地整合,直至高度提炼,也可以被不断区分出细节,直至十分丰富,一切取决于画面节奏感的平衡和意象表达的需要。
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