时间：2023-11-17 11:24:13
导语：在艺术的审美认识功能的撰写旅程中，学习并吸收他人佳作的精髓是一条宝贵的路径，好期刊汇集了九篇优秀范文，愿这些内容能够启发您的创作灵感，引领您探索更多的创作可能。
一般认为，艺术是人们把握现实世界的一种方式，艺术活动是人们以直觉的、整体的方式把握客观对象，并在此基础上以象征性符号形式创造某种艺术形象的精神性实践活动。它最终以艺术品的形式出现，这种艺术品既有艺术家对客观世界的认识和反映，也有艺术家本人的情感、理想和价值观等主体性因素，它是一种精神产品。
艺术与其它意识形态的区别在于它的审美价值，这是它的最主要、最基本的特征。艺术家通过艺术创作来表现和传达自己的审美感受和审美理想，欣赏者通过艺术欣赏来获得美感，并满足自己的审美需要。除审美价值外，艺术还具有其它社会功能，如认识功能，教育和陶冶功能，娱乐功能等。其中艺术的社会功能是人们通过艺术活动而认识自然、认识社会、认识历史、了解人生，它不同于科学的认识功能。艺术的教育功能是人们通过艺术活动，受到真、善、美的熏陶和感染，而潜移默化地引起思想感情、人生态度、价值观念等的深刻变化，它不同于道德教育。艺术的娱乐观念是人们通过艺术活动而满足审美需要，获得精神享受和审美愉悦，它不同于生理。
艺术的种类繁多，根据不同的分类标准，可将艺术分为以下一些类型：
依据艺术形象的存在方式，艺术可分为时间艺术、空间艺术和时空艺术。美术是一种空间艺术。依据艺术形象的审美方式，艺术可分为听觉艺术、视觉艺术和视听艺术。美术是一种视觉艺术。依据艺术的物化形式，艺术可分为动态艺术和静态艺术。美术主要是一种静态艺术。依据艺术分类的美学原则，艺术可分为实用艺术、造型艺术、表演艺术、语言艺术和综合艺术。美术是一种造型艺术。
依据艺术形象的表现方式，艺术可分为表现艺术和再现艺术。美术中既有表现性的，也有再现性的。
需要指出的是，关于"艺术"与"美术"的含义和适用范围，在东西方是存在着一定的差异的。了解这些差异，有助于我们更好地把握它们的概念和使用它们。
在西方，"艺术"与"美术"都源于古罗马的拉丁文"art"，原义是指相对于"自然造化"的"人工技艺"，泛指各种用手工制作的艺术品以及音乐、文学、戏剧等，当时广义的art甚至还包括制衣、栽培、拳术、医术等方面的技艺。到了古希腊时期，艺术的概念仍是与技艺、技术等同的，但古希腊的绘画与雕塑在公元前五世纪发展到成熟阶段时，已基本确立了一套古典美的标准，为日后艺术涵义的演变埋下了伏笔。直到文艺复兴时期，艺术逐渐与"美的"等同起来，18世纪中期，基于美的艺术概念体系方才正式建立，艺术成了审美的主要对象。今天，英语中的"art"一词仍然既作"艺术"解，又作"美术"解，它既可以用来指音乐、舞蹈、文学、戏剧、电影等其它各种艺术门类，有时又专门用来要指称包括绘画、雕塑、工艺、建筑在内的视觉艺术。在很多西方著作中我们甚至还会看到，作者所说的"art"其实仅仅就是指我们中国人所认为的美术的一部分：绘画。而他们的"the fine arts"（我们直接译作"美术"），也仍然是指诗歌、音乐、绘画、雕塑、建筑等。
【关键词】教学 艺术 深化 教学 水平
教学艺术是一门古老而年轻的学科。说它古老主要是指教学艺术具有深厚的历史渊源，在很长的历史时期，教育者就开始重视教学技能在学生培养过程中的作用。说它年轻主要是指把教学艺术作为一门学科来加以系统化和理论化的研究，那是现代教育发展的结果，而且教学艺术还会随着现代教学实践的进步而不断丰富和完善。要对教学艺术进行研究，首先就面临着如何论证教学艺术立论的问题。对教学艺术进行理论论证，有利于为教学艺术的构建奠定坚实的根基。对于思想政治课教学艺术而言，我们也必须首先对这门学科进行充分的理论论证。
教学是一门艺术，这主要从教学与艺术的内在关系来说明。这两者的关系主要表现在教学与艺术具有相似的对象，教学中有艺术的内容。教学与艺术的功能相通，教学与艺术的过程相似，教学体现着艺术的特点，教师具有艺术家的素质等。
一、对象的相似性
艺术的对象是以人为中心的社会生活，艺术既反映客观世界，又反映主观世界。但它不管反映主客观世界的哪一方面，都是以人为中心进行的，都是直接或间接地表现着人的命运、感情、内心世界和人与人之间的关系。因此，艺术常常被人们称为“人学”。教学的对象也是人，而且是处于发展中的活生生的具有极大可塑性的青少年学生。所以，教学也是名副其实的“人学”，教学和艺术都受其对象的制约，深入了解对象的生活及其特点是从事这两项活动的共同前提。从终结目的来说，艺术的作用是培养知、情、意全面和谐发展的人。艺术的最高目的就是为了使人的知识、感情和意志和谐地发展，使人们的感觉和感情成为合乎理性的，使理性、道德的认识体现在感觉和感情中的东西。而教学的目的也是为了培养德、智、体全面发展的人。由此可见，教学与艺术都是以人为对象的。
二、功能的相通性
艺术因其自身的性质，决定了它在社会中起着巨大作用，这具体表现为三大功能：认识功能、教育功能和审美功能。认识功能是指艺术帮助人们认识社会生活、历史风貌，扩大知识领域，加深对社会生活规律的理解，提高认识能力；教育功能是指艺术能够改善人们的思想感情、端正人们的世界观、树立祟高的道德品质、增进改进客观世界和主观世界的勇气。审美功能是指艺术能通过艺术形象的感染力打动人们心灵而引起审美愉悦和精神乐趣，从而获得精神上的享受和满足。三者之间各有区别，又相互渗透，教学也具有这三种功能，但功能发挥的方式和领域有所不同。通过教学，可以使学生逐步掌握各种科学文化知识，从不知到知，从知之不多到知之甚多，掌握认识世界的先进方法，提高它们认识客观世界的水平，这完全可以讲是教学的认识功能；通过教学，可以有效地发展学生的智力和体力，帮助学生树立辩证唯物主义世界观和培养高尚的道德品质，形成良好的心理品质和行为习惯，这可以讲是教学的教育功能；通过教学，还可以使学生受到美的熏陶，产生愉悦的情绪体验，达到情感上的升华和心灵的净化，从而培养学生感受美、理解美、表达创造美的能力，这可以讲是教学的审美功能。当然，教学的三大功能也是既有区别又有联系的。
三、过程的相似性
5.2.集体无意识说
5.3.模仿说
5.4.表现说
5.5.有意味的形式说
5.6.符号说
5.7.载道说
5.8.娱乐说
5.9.意象世界层
5.10.兴象
5.11.喻象
5.12.意象的物态化
5.13.艺术的审美功能
参考答案
5.1.游戏说首先由德国古典美学的奠基者康德提出，后由席勒、斯宾塞等人发展加以完善的。游戏说的倡导者认为，艺术本质上是一种游戏，是由游戏发展而来的。一方面，艺术和游戏具有虚构的力量，富有拓展性和能动性，另一方面，它们所引起的是消除了一切主观偏见和现实差异的，是忘我的。席勒更认为，游戏是消除人性分裂的一种特有的理想活动。从心理学上看，艺术与游戏的确有相通之处，这是“游戏说”的合理之处;但两者又有本质区别：游戏给予人们的是纯粹的虚幻性，艺术则提供给我们深刻的真实性;游戏可以使我们沉浸在单纯的悠闲的中，艺术却能以其深邃而广阔的思想内涵，给我们以审美以外的人生启迪。
5.2.集体无意识说由瑞士心理学家荣格提出，他认为“集体无意识”是由遗传保存下来的一种具有人类普遍性的潜藏于意识深层的朦胧精神。艺术家正是在“集体无意识”的驱动下进行艺术创作的，艺术起源于集体无意识。从这个意义上讲，艺术不是以某个人为代表的，而是体现在人类群体的超越了时空界限的心灵。其合理之处在于，揭示了艺术与人类集体无意识的某种内在联系。然而“集体无意识”只是一种心理学的假设，并没有足够的生理学和神经科学的根据;同时，这种理论抹煞了艺术家的个性，也是不符合艺术创造的实际的。
5.3.模仿说是古希腊时界定艺术的普遍观点。柏拉图认为世界的本质是理念，现实世界是对理念世界的模仿，艺术又是对现实世界的模仿，艺术的本质因而是模仿的模仿，这种模仿也就是不真实的、虚幻的。亚里士多德则肯定了现实世界的真实性，也肯定了模仿它的艺术的真实性。后来艺术家还提出“艺术模仿自然”的原则。以再现现实为宗旨的现实主义文学是模仿说的发展阶段。模仿说的合理在于，始终把艺术与现实世界紧密联系在一起，把艺术看成是再现和认识世界的一种特殊方式，因而把握到了艺术产生的根源。其根本缺陷在于，一方面它把艺术本质局限于“模仿”世界的认识论范围，而忽视了艺术自身的审美特质;另一方面它忽视了艺术创造的主体性和表现性，因而未能全面揭示艺术的本质。
5.4.西方18、19世纪浪漫主义思潮，标榜“自我表现”，冲破了“模仿说”的罗网，表现说于是兴起。康德最早提出“天才论”，强调艺术是天才的创造和表现。表现说批评模仿说机械复制，强调艺术必须以表现主体情感为主。在中国，言志说、心生说和缘情说大体可划入表现说。表现说把艺术本质和艺术家主体情感的表现联系起来，突破了把艺术仅归结为模仿、认识外在世界的局限性，突出了艺术的审美特性，比模仿说更接近真理，在美学是一大进步。但表现说完全回避艺术与现实世界的区别，无视主体情感的客观根源，因而依然是片面的。
5.5.英国美学家克莱夫贝尔认为，艺术的本质在于“有意味的形式”。所谓“形式”，就视觉艺术而言，指由线条和色彩以某种特定方式排列而组合起来的纯粹的关系，它把通过形式组成的画面所可能有的指示、意义、记录的信息、传达的思想以及教化的作用等现实生活的内容全部排除在外;所谓“意味”，贝尔认为乃是这种纯形式背后表现或隐藏着的艺术家的独特的审美情感，审美情感是意味的来源。艺术就是艺术家创造的、能激发观赏者审美情感的纯形式，是美的结构，也即“有意味的形式”。“有意味的形式”说突出了艺术的审美本质方面，比表现说更进一步。但它把“意味”及“审美纯形式”与一切现实(包括主体的现实情感)的联系完全切断，完全脱离了人类的具体实践，脱离社会的历史发展，脱离人类本身文化——心理结构的历史演进，抽象地谈论审美情感和有意味的形式。则陷入了形式主义和神秘主义。
5.6.符号说由当代美国哲学家苏珊o朗格提出，艺术是人类情感的符号形式，是一种非逻辑非抽象的符号，具有表现情感的功能;艺术符号所表现的情感不应是个人瞬间的情绪，而应该表现一种人类的普遍情感或情感概念，它能展示人的经验的、情感的、内心生活的动态过程，即人的“生命形式”，能表现出人类的情感和“生命形式”的内在本质。朗格的符号说，综合了表现说和有意味形式说，把艺术的本质与人的符号本质联系起来，理论上达到了的层次;但也因而把艺术本质非社会化、非历史化了，由于将人的社会、历史本质降低为自然性、生物性的“生命运动”所以仍不能正确的解决艺术本质问题。
5.7.载道说(或教化说)较早可追溯到孔子，韩愈则加以完善。他认为古文是为了宣传儒道而存在的，并非为了缘情。柳宗元亦认为，文章因道而贵，文章家因道而尊。将文置于道的约束之下，先道而后文，批判矫情为文的风气，在当时有其积极意义。但完全摒弃文的缘情作用，仅仅突出文的政治教化功能，显然不符合艺术的发展规律。
5.8.娱乐说可分为“自娱”和“娱人”两个方面。艺术家是借助于创造中的想象，在幻想世界中实现自己虽向往但在现实中却不能实现的愿望、追求、希冀和理想，从而达到自娱。同样，“娱人”也很重要，一切艺术都能使人产生快乐，都有娱人的特性和功能。
5.9.意象世界层指建立在前两个层次基础上、非现实的、展现人类审美经验的、能转化为被感性把握的、富有意味的表象世界，这是艺术品结构中的核心层次。lO.兴象是主体以客观(对象)世界的物象为引导，给接受者提供借以触感、启动想象而完成意象世界的契机，物象使“感兴”得以发生，联想得以展开，在此基础上生成的“象”便是兴象。这个概念原出自中国古典美学，它的最主要的特点一是要“天然”，二是要“隐蔽”。
5.11.喻象是创作主体以“自我”为体，以“世界”为自我的延伸，并根据主体心灵来创造新的世界。主体在客观世界摄取象征物，赋予其一定的象征意义。以此种方式形成的意象便是喻象，它带有明显的人工痕迹。
关键词：小学语文 教学艺术 探究
教学艺术是中外教育家长期探讨的教学理论之一，教学艺术是随着教学的发展而发展的。古今中外的学者关于教学方法的研究都很重视，从某种意义上讲，这也是对教学艺术的研究。为了进一步揭示教学艺术的实质，在此对教学艺术的概念作较明确的界定。
有关专家学者称教学是一门艺术，教师是艺术家，那么教学艺术究竟指的是什么？教学艺术是指教师达到最佳教学效果的知识、方法、技巧和创造能力的综合表现，是教师运用教育学、哲学、社会学、心理学、美学、艺术以及语言艺术的体现。一方面表现在教师不仅传播知识，还通过自己的语言艺术和激情，激发学生的求知欲，学习兴趣和思维的积极性，把形与理、知与情结合起来，使学生的知识、能力、情感、意志和思想品德得到和谐发展；另一方面，表现在教师运用教学方法的灵活性和创造性上。在对教材的深刻领会和对学生观察了解的基础上，机智，灵活地选择不同教学形式、方法，形成不同的教学风格，全面顺利地实现教学的多方面目的。总之，教学艺术的实质，是教师本人独特的创造力和审美价值取向在教学领域中的具体体现。
广义上的教学艺术包括教学经验、教学技能、教学技艺等概念。教学经验是指教师在教学中积累起来的、有普遍意义的，并对今后的教学实践有一定指导意义和实用价值的知识体系。教学技能则是在教学经验的基础上，教师在教学中运用一定的知识、经验解决实际问题的能力，教学技艺又较教学技能递进了一个逻辑层次，它是指教师熟练地运用系统理论知识、成功的教学经验，并能综合运用各种教学方式、方法的才能；而教学艺术是教学技能、教学技艺发展的高级阶段，是教师具有独创性和审美性的才华。教学艺术是教师在长期的教学实践中不断积累、努力探索，从教学经验发展到教学技术后创造出的宝贵财富。
教学艺术有其独特的功能，教学艺术的功能对小学语文教学有着增进激励的功能、增大效果的功能和增强审美的功能。
一、增进激励的功能
教学艺术具有增进激励的功能，是因为教学艺术能极为有效地激励学生的学习动机和激发学生丰富的想象力，并能调动一切非智力因素参与学习过程，从而获得学习的高效率。
1．激励动机
学习动机是推动和维持学生学习的心理动因，是一种内驱力。学习动机是学习需要的具体表现。但是，并不是任何学习需要都能成为学习动机，只有当学习需要被引发起来，并指向某一目标，进而坚持追求这一目标时，才能形成学习动机，使之成为活动的动因。教学艺术便是激发学生积极情感的中介，具有激励学生学习动机的功能。
实践证明，教师深沉而含蓄的情感，更能激起学生积极的情感体验。教师的这种具有较高艺术修养的情感的形成，取决于教师教学艺术的水平，取决于教师的不断探索的创新精神。只有不断开拓进取，不断创新，才能迅速提高教师教学艺术的综合水平，才能使教师在教学过程中有效地激励学生学习的内在动机。
2．启迪智能
教学过程中，教学艺术水平较高的教师能以形象生动的话语，风趣幽默的讲授，充满科学性的逻辑推演，将学生领入艺术的天地。在聆听教艺精良的教师的启发性讲授时，学生的想象力得以自由驰骋，创造性想象得以充分激发，灵感的火花得以较多机会的撞击，创造力得以大大提高，并能提高学生分析、解决实际问题的能力。
二、增大效果的功能
教学艺术能有效地提高教学效果，注重研究和运用教学艺术的教师，在课堂上能使学生在单位时间内获取最大的知识容量，并能充分发挥其认知能力。
1．有利于提高学习兴趣
教学艺术是教师个人才华的充分展现，具备较高水准教学艺术的教师，在教学中能以生动幽默的语言，优雅亲切的姿态，炽热动人的情感，准确精彩的讲评，以及充实、丰富的教学内容，来吸引学生的注意力，博得学生的好感与尊重，做到引导学生端正学习目的和态度，并帮助学生认识学习规律，掌握正确的学习方法，使学生由不愿学到愿意学，由被动地学到主动地学，由不感兴趣地学到感兴趣地学，从而引起学生浓厚的学习兴趣。
2．有利于促进因材施教
因材施教是教学艺术的具体表现。也就是说，注重运用教学艺术的教师，就能在教学中切实做到因材施教，反之，因材施教只能是一句空话。教学中真正做到因材施教，必须以全面了解学生情况为前提，因此，只有研究和提高教学艺术，教师才能使每个学生的特长、优势得以充分发挥，使每个学生的个性都能得到充分全面的发展。研究和提高教学艺术，有利于促进因材施教。
3.有利于减少教学失误
在进行教学艺术的研究中，既要处理好教学中的“速度”问题，又要注意“强度”的问题；既要考虑教学中扩大教学信息量，又要考虑学生的接受能力，留有思考余地，让学生吸收消化，甚至进行必要的重复、提醒、适时“强化”，做到快慢适中。教学既要考虑一定的“强度”，显示教学的激情，以引起学生注意，又要考虑教学的节奏和学生的心理承受能力，做到抑扬顿挫、高低适宜，这样就可以避免教学频率过快使学生不能吸收消化，从而确保课堂教学质量；教学声音过低频率过慢，引不起学生注意；教学声音过高，刺激太强，学生容易疲劳，造成信息传递中的误差或失误现象。
三、增强审美的功能
关键词：公共艺术；公园艺术；城市公园
中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）24-0204-01
一、公共艺术概述
（一）公共艺术的起源
18 世纪的启蒙运动为公共艺术的出现创造了一定的思想基础，城市市民的自由、平等意识被逐步唤起，启蒙运动倡导的思想解放，使得大众像贵族的权威提出了挑战，公共性的概念开始出现并确立起来……
（二）公共艺术的发展
中国古代就有石牌坊、牌楼、拴马桩、下马石、石狮、灯笼及水井等公共设施，反映了古代人们的生活需要。我国当代公共艺术转型是在80年代中后期，设计师开始注意到公共艺术与空间环境之间存在的互动关系，关注快速的城市建设导致的环境恶化正在对人们生活质量产生负面影响。
进入21世纪，人们的生活水平更是有了大幅度的提高。在具体设计上，不但要求其功能的舒适度，在美学、材质、造型、以及设计创意方面也有了更广泛的认识，如今，公共艺术的发展迈入了一个新的高度。
（三）公共艺术的现状
公共艺术引进中国不过是近20 几年的事，城市公园发展的历史却经历了百年时间。在对城市公共艺术发展脉络的梳理过程中，我们可以看到无论是欧美发达国家还是亚洲国家，雕塑在公共艺术中都可以被看作是具有一定意义的历史缩影。可见，雕塑在公共艺术中具有举足轻重、不可动摇的地位。
二、城市公园在公共艺术中的发展
（一）城市公园公共艺术的类别
公共艺术涉及的范围很广，对它分类的角度也有许多不同。从其展示形式上可以分为由平面到立体、由单纯的壁到各种空间的艺术形式；按其艺术手法可以分为具象形、抽象型、直观性、含蓄型等类型；按照设施类进行分类，包括了信息设施（指路标识、导游图），卫生设施（垃圾箱、饮水器、公厕），照明安全设施（路灯、景观灯），服务设施（电话亭、各种器械），休息设施（坐凳、桌椅）景观艺术设施（雕塑、艺术小品）等；从公共艺术的功能上进行分类包括了纪念性公共艺术、主题性公共艺术、装点性公共艺术、标志性公共艺术等；从材料进行分类所涉及的范围就更广了。以最简单的方式从公共艺术的性质来看，城市公园公共艺术的类别大致可以分为两种：一是以功能性为主导的公共艺术作品，另一个是以艺术性为主导的公共艺术作品。
（二）城市公园公共艺术的特征
多元化特征：全球时代的沟通与发展也使各个国家的公共艺术呈现出多元化的发展趋势，这取决于世界沟通越来越紧密，艺术的表现方式也越来越丰富。
功能性特征：公共艺术品具有满足人们休息、坐靠、停留、观察、照明、指示等功能需要，物质是精神的基础，公共艺术品之所以存在也是因为它本身具有服务于大众的实用性。
使用功能：公园中具有使用功能的公共艺术品主要是指公共设施类产品。
标识功能：通过相应的标识指示设计，很容易辨别出自己的位置和下一个要前往的地方。
审美功能：公园公共艺术的审美功能是最重要的功能之一，公共艺术创作属于艺术作品，具有一定的审美功能。
宣传功能：信息化社会给人类带来许多全新的资讯，公园公共艺术可以为人们传递公益性的讯息，在公共空间中起到寓教于乐的作用
艺术性特征：公共艺术作品是以艺术价值为基本要素的艺术创作，公共雕塑和公共装置艺术的存在，本身就是一种艺术性的表现形式。
主题性特征：城市公园中的公共艺术具有明显的主题性特征，是根据公园主题的限定来选择公共艺术的表现手法。
互动性特征：公共艺术一定是开放的、民主的艺术，公共艺术作品一定会尊重参与者的权利，也会公共的对待每一个参与者的意见。
为了探讨这一理念在艺术发展中的意义和作用，首先必须领悟何谓艺术。笔者认为，艺术是一种精神产品，是人们进行情感和思想交流的一种文化形式，是用形象来反映现实但比现实有典型性的社会意识形态，包括小说、诗词、书法、绘画、雕刻、工艺、音乐、舞蹈、戏剧、电影等。艺术家通过艺术创作来表现和传达自己的审美感受及审美理想，使欣赏者通过艺术欣赏来获得美感，并满足自己的审美需要，获得精神享受。除审美价值外，艺术还具有其它社会功能，如认识功能、教育功能、陶冶功能、娱乐功能等。人们通过艺术活动、可以认识自然、认识社会、认识历史、了解人生，并从中受到真、善、美的熏陶和感染，而潜移默化地引起思想感情、人生态度、价值观念等的深刻变化。由此可见，艺术具有神奇魅力和无限功能，生命力极强，是人类生存、发展中不可或缺的精神食粮。
各种不同门类艺术的相通、相融、相互影响，是推动艺术发展，造就艺术人才的有效途径。例如，京剧之所以能够成为名闻遐迩、代表中国的国戏，正是它兼收并蓄百家之长，把我国各地传统戏剧艺术和相关艺术的精华熔人一炉、千锤百炼的结果。又如，东晋时期的艺术大师戴逵，所以能够成为流芳千古的著名学者、雕塑、绘画、音乐等艺术大家，也是由于他兴趣广泛，学贯古今，琴棋书画无所不精，并博学传统艺术，把各种不同门类传统艺术的精华融为一体，不断升华而铸就的成果。
联系到本人的艺术实践来说。本人原有基础学历并不高，但从艺乐石砚雕20多年来，在名师指点下，以先贤为范。博采众家之长，并报考艺专，钻研诗词文学，长期临池书画，在继承乐石砚雕传统绝技的基础上，遵从艺术相通的理念，把借鉴相关艺术的精华融入到乐石砚雕创作之中，不断提高创作水平。在挖掘、传承乐石砚雕非物质文化遗产中取得一定成绩，有幸被评为安徽省首批非物质文化遗产乐石砚雕代表性传承人。这，也是我得益于践行艺术相通理念的又一例证。
时代在前进，社会在发展，随着人类不断进化的精神需求不断升华，必将给艺术文明提供无限的发展空间。未来的艺术世界将五彩缤纷，繁花似锦，百花齐放。不同形式的艺术门类将浩如烟海，繁若天星，丰富多彩的各种艺术形式，必将在广阔的艺术海洋中无羁邀游，异曲同工，百家争鸣，以各自不同的艺术手法，太放异彩，各显神通。
按照各门类艺术都是相通的这一理念，让各种不同门类的艺术在相互交流、相互启迪、相互借鉴、相互补充、相互促进的创作实践中，不断提高，不断升华，精益求精，创造出更多更好、日臻完善的艺术精品，为美化世界，构建和谐社会。装点美好生活，做出更大贡献。
为了充分发挥艺术相通规律的应有作用，我想提出如下几点建议：
其一，从事不同门类艺术工作者，应通过走出去、请进来，组织参观、座谈、笔会、联欢等各种方式，开展交流活动，互相启发，相互学习，取长补短，共同提高。
其二，凡列入非物质文化遗产名录的代表性传承人，应刻苦学习，加强调研，挖掘、整理资料，组织培训，开展传承活动，切实承担起传承、发展非物质文化遗产的神圣责任。
一、实用性。
不言而喻，绝大多数建筑首先都是为人“用”而不是为人“看”的，即使是纪念碑、陵墓，也要考虑人流活动时的许多使用要求。建筑的实用性决定了建筑艺术审美评价不能套用其他门类艺术的标准，它首先必须满足实用要求。如果实用的功能很差，就会大大降低艺术水平。不能设想一所通风不良，朝向不好，格局紊乱的住宅会给人以美感，相反，如果功能处理得好，住起来就舒适，即使外形简单一般，也会给人以美感。建筑的实用性就是艺术的基础，而且艺术性中也常常包含着实用性。
二、群众性。
任何建筑都要经过最广泛的群众评议，它采用什么形式，它的形式美不美，艺术水平高不高，都不能由建筑师说了算，文艺复兴时期著名的罗马圣彼得大教堂，就是经过三代建筑师，修改了许多方案才完成的，它真实记录了一个时代人民群众普遍的审美倾向。所以，建筑可以有鲜明的时代风格、地区风格、民族风格、类型风格，但很难有特殊的建筑师风格。
三、纪念性。
建筑是很贵重的巨大触目的物质实体，一旦建成，它就要长期保留下去，事实上就成了一个时代、一个民族的纪念碑。罗马广场、巴黎铁塔、中国的万里长城，还有许多数不清的古城市、古村镇、古地段，当初它们中的大部分并不是专门的纪念建筑，但到了后来，却成了纪念性很强的遗物了。建筑的这种纪念性，使得文物建筑成为人类文明的一份宝贵财富，当今世界各国大力提倡保护古建筑、古城市、古地段，主要原因就是发挥建筑的纪念作用。
四、正面性。
建筑基本上是由抽象的几何形体组成的，即使配上壁画、雕刻，也很难具体叙述出某一题材的内容情节。它只能正面的反映生活，而不可能出现什么悲剧式的、讽刺式的、漫画式的形象，昨天是迷信的宗教寺院，今天就可能是人民的博物馆；以往是帝王的宫殿庙坛，现在就是群众的文化宫；天安门本来是帝王皇城的正门，现在则是国徽的图案；万里长城本来是民族交往的障碍，是刀光剑影的战争产物，现在却成了中华民族的骄傲，是闻名世界的游览胜地。这种内容和形式几乎可以无限适应的特点，正是它的正面性、抽象性的必然结果。这一点说明，建筑遗产中人民性的精华很多。
五、空间延续性。
人们在任何一点上欣赏建筑，感觉都是不完整的，必须从远到近，围绕建筑走一圈，再到室内走一圈，才能获得完整的感觉。拿北京那个简单的四合院来说，要先穿过胡同，进大门，绕影壁，过前院，再进垂花门，走过抄手游廊，才能进如正房；而正房又有明厅暗房，房中又有前灶后炕。这样一个欣赏过程，不是可有可无，可长可短，而是掺杂进了时间的因素。于是，由空间到时间，由静态的三度实体到动态的四度感觉，在这个时空的交比过程中，人们获得了审美感受。所以，优秀的建筑都十分重视空间的序列展开，尽量延长欣赏者的时间流程，用时间来烘托空间。
六、环境特定性。
建筑的艺术形象永远和它周围的环境融为一体，有许多还主要依靠环境才能构成完整的形象。比如，埃及的金字塔，必须放在广阔无垠的沙漠中，才有永恒的性格，如果搬到了中国的江南水乡，效果就立刻改变。欧洲的哥特教堂，必须在中世纪狭窄曲折的街巷中，才能充分显示沸腾向上的气势，如果放到纽约的摩天大楼中间，就变成小玩意了。建筑的这种环境特定性，决定了建筑艺术的创作必须从总体出发，不能任意“自我表现”；也决定了建筑艺术的审美评价标准必须是由全体至个别，有宏观到微观。
七、艺术综合性。
建筑艺术的感染力，主要来源于环境、序列和建筑本身的比例、尺度、韵律，同时还可以借助其他门类的艺术给予加强，有时还能起到画龙点睛的作用。雕塑、绘画、园艺、工艺美术，以致音乐都能融合到建筑艺术中去。比如，中国古代建筑以群体取胜，造成群体序列的性格和序列展开的效果，也往往要依靠这些附属的艺术，如华表、石狮、象生、灯炉、屏障、碑碣等。中国古代建筑单座造型规格简单，为了突出建筑内容，也常用壁画、匾联、碑刻雕塑来加以说明。
八、象征表现性。
【关键词】音乐功能论 游戏说 文化的祛魅 音乐教育 以美育代宗教
随着我国音乐教育体制的日渐成熟与完善，明确音乐教育应当采取怎样一个教学目标与方法，以及实现怎样的社会意义，这些都是有责任的音乐教育工作者应共同思考的理论问题，这不仅是音乐教育认识论与方法论的问题，也应被视为音乐教育如何培养全面发展的人的主要命题。音乐教育应具备怎样的功能？基于这些功能结合当下音乐教育的理论思潮与教学实践，从而得出音乐教育的终极意义与其要实现的目标。当然这个问题应该是多层次、多维度的，人生的、社会的、艺术的多层次的音乐教育意义与目标有待于我们认识并实践。因此，以音乐功能论为纲，可以促进我们展开对于音乐教育发展的思考。
从东西方对于音乐功能的观念来看，大体上可分为三个主要的功能，即宣教功能、精神功能与情感功能，在某种程度上这三个主要功能决定着音乐教育的基本方向和美学理想。
从音乐史发展的角度回溯音乐功能观，其宣教功能是我们首先要进行理论探讨的。任何艺术都具有基本的实用功能，如美术在其产生的最初阶段主要用于“象形”，是对对象在视觉层面上的记录；而舞蹈则主要和巫术仪式具有某种内在一致性，“巫”与“舞”从词源学的角度上看，本就是一个字。对于音乐而言，音乐的早期功能是巫术与教化，而且这两大功能之间有着内在的关联，是人类文化理性化进程的结果。从艺术起源于巫术的观念来看，艺术早期的功能均与巫术仪式相关，如洞窟壁画和原始乐舞都是巫术仪式中的重要组成部分，是沟通人与自然的重要渠道，然而随着人类社会文明形态的演进与发展，巫术与原始宗教的仪式必然由一个“非理性”的巫觋文化向一个更加理性化、秩序化的道德文化方向进行拓展，亦即马克思·韦伯谈到的“文化的祛魅”。从西周开始，中国礼乐文化勃兴，中国音乐的文化形态也从巫术仪式的附属物成为道德宣扬的主体内容，并在西周成为礼乐文化的重要载体，随着中华文明的全面成熟与完善，“礼乐”文明成为在文化领域最为庄重与严肃的体现。应该讲“礼乐文明”源于商以前的巫觋文明，并加以理性化的结果，在对待音乐艺术的问题上，保证巫术仪式中音乐的表现性并赋予其道德教化的文化特性，从此音乐与道德宣教就结合在了一起，《尚书·虞书·舜典》中说：“帝曰：夔！命汝典乐，教胄子，直而温，宽而栗，刚而无虐，简而无傲。诗言志，歌永言，声依永，律和声。八音克谐，无相夺伦，神人以和。夔曰：於！予击石拊石，百兽率舞。” 音乐的感性、和谐特质成为人性教育的最佳途径。
而到了春秋时代，孔子尤其重视音乐的道德教育功能。《论语·泰伯》中说：“子曰：兴于诗，立于礼，成于乐。”充分认识到了文化（包括音乐）对于完善的人格养成的重要作用，而“乐”为“六艺”之一，其重要性被儒家思想一再强调，如《论语·先进》中说：“暮春者，春服既成，冠者五六人，童子六七人，浴乎沂，风乎舞雩，咏而归。夫子喟然叹曰：吾与点也。” 然而，对于音乐风格的品鉴，孔子也与道德品格进行了有机的关联，《论语，阳货》：“子曰：恶紫之夺朱也，恶郑声之乱雅乐也，恶利口之覆邦家者。” 而对于音乐风格的批评方面，孔子认为“子谓韶，尽美矣又尽善也。谓武，尽美矣，未尽善也”。 应该说孔子的思想也影响到了后来儒家学者看待音乐教育的观念，《荀子·乐论》中说：“故人不能不乐，乐则不能无形，形而不为道，则不能无乱。先王恶其乱也，故制雅、颂之声以道之，使其声足以乐而不流，使其之足以辩而不諰，使其曲直、繁省、廉肉、节奏，足以感动人之善心，使夫邪污之气无由得接焉。”
这种将音乐与道德宣教相结合的思想发展到了公孙尼子的《乐记》那里，应该说是达到了一定的高度，《乐记》不仅强调了音乐与道德之间的互动关系，而且为这种关系找到了一个美学范畴加以描述，那就是“和”。也就是说只有达到“和”的标准的音乐才是合手“天道”的，才是乐理的象征，“大乐与天地同和”。应该讲《乐记》很好地实现了音乐表现理论与教化理论的结合，是中国古典音乐美学成熟的重要标志。“凡乐者，生于人心者也。乐者，通伦理者也，是故知声而不知音者，禽兽是也。知音而不知乐者，众庶是也。惟君子为能知乐。”
实事求是地讲，在魏晋南北朝之前，中国古典音乐理论以道德宣教为其主要观点，在某种程度上，这种音乐美学理论与当时的视觉艺术有着内在的一致性。
我们再将视角转移到音乐艺术的精神功能，所谓精神功能即音乐艺术所能实现的音乐唤醒人类心灵，使人达到至善至美的永恒境界，亦即海德格尔提到的“精神的栖居”。艺术使人达到心灵自由，胸无纤尘的审美境界，这点在音乐艺术中也不例外。在中国古典美学中，《老子·第十一章》曾提到“五色令人目盲，五音令人耳聋，五味令人口爽；驰骋畋猎，令人心发狂；难得之货令人行妨，是以圣人为腹不为目，故去彼取此”。从这段文字中不难得出道家“法天贵真”的理论，强调心灵与审美无条件的绝对自由，“物物而不物于物”，具体到音乐艺术领域来说，至妙至神的审美境界不是通过刺激听觉器官而实现，与之相反，只有能与心灵与人生相契合的音乐，能唤起人类心底对于自由与人生的理解，才能达到音乐艺术审美理想的最高境界，而庄子提出了“天籁”说，“敢问天籁。子綦曰：夫吹万不同，而使其自己也，咸其自取。女闻人籁而未闻地籁，女闻地籁而未闻天籁夫！” 在天籁、地籁、人籁三个层次的音乐中，庄子认为天籁接近自然，最为抽象，也最能深入人类心灵从而带来灵魂的超脱与解放，即“与天和者，谓之天乐”。也就是黑格尔提到的“行而上的慰藉”。由此可观，中国美学典籍中十分注重音乐的精神功能，由音乐欣赏的过程转化为自由心灵的获取是音乐创作与表演的最终目的与要求。
在西方音乐理论界，类似的观点同样存在。在德国古典主义美学家席勒看来，艺术的起源在于自由的无功利的游戏。席勒在其《审美教育书简》中分析了艺术产生的经历：“由需要的强制和自然的严肃性经过盈余的强制和自然的游戏，才能转变到审美的游戏。” “这种游戏出发，想象力在它的追求自由形成的尝试终跃到审美的游戏。” “不满足于把审美的盈余纳入必然的事物，自由的游戏冲动终于完全挣脱了需要的枷锁，从而美本身成为人所追求的对象。”席勒认为人性是分裂的，这种分裂在人身上存在着两种冲动，即形式冲动和理性冲动。前者的对象是生活，它占有、享受、被官能所控制，是被动的，处于这种状态的人是自然人；后者的对象是形象，它要的是秩序和法则，受思想和意志的支配，是主动的，处于这种状态的人是理性的人。人要从自然人走向理性的人，中间必须要有一座桥梁，这就是审美教育。审美教育能使人恢复健康、赋予人以心灵美，充当人性的教师，它唤起人身上的第三种冲动——游戏冲动，这使得感性和理性、物质与形式等对立都结合起来，从而克服人的分裂状态。对于音乐艺术席勒指出：“正如形式逐渐地由外部深入到他的住宅、家具、服装，后来开始掌握人本身那样，形式起初改变人的外部，然后改变人的内部。喜悦的无规则跳跃成为舞蹈，无定形的手势成了优美而和谐的手势语言，情感产生的混杂音响发展到服从节奏而变成歌曲。”因而艺术就从审美游戏中的审美外观的自由形式中逐渐摆脱了需要的强制，超越了物质的束缚，由自然的必然走向自由的表现，最终就独立地生成了。这实际上是从审美游戏的角度进一步肯定了艺术的人类主体性、自由创造性、超功利性、独立自主性等审美特质，进而与艺术的“自由表现”的审美本质相对应起来，而且，在艺术的这个生成过程中，自由形式的巨大作用也得到了突出强调。正因为如此，我们不能简单地认定席勒认为艺术就起源于一般的“游戏”，而应该说，席勒认为艺术生成于审美游戏中自由形式的创造，或者说，艺术生成于创造自由形式以表现人性自由的审美游戏冲动之中。
然而艺术美学界对于艺术与自由的关系讨论不仅仅限于此，20世纪德国存在主义哲学家海德格尔融汇中西方艺术哲学的精髓，在《林中路》中，海德格尔提出了“人，诗意的栖居”，即只有领悟艺术作品中蕴含的真理，才能获得真正意义上的精神自由，同时代的法国存在主义艺术美学家让·保罗·萨特也提出“审美是对人的自由的肯定，艺术作品是自由的召唤”。
艺术的功能问题，除了以上谈到的两点，第三点我们也有必要进行讨论，那就是艺术的情感宣泄功能。音乐是抽象的抒情艺术，音乐的旋律美往往与人类的情感达成一种“异质同构”。20世纪英国形式主义美学家克莱夫·贝尔在其著作《艺术》中提出了“一件艺术品的根本性质是有意味的形式”，继之他又补充道：“有意味的形式是对某种特殊实现的之感情的表现”。那么，具体而言，什么是“有意味的形式”呢？根据克莱夫·贝尔的出发点是视觉艺术品所引发的审美情感，他说：“一切审美方式的起点必须是对某种特殊感情的亲切感受，唤起这种情感的物品，我们称之为艺术品。大凡反应敏捷的人都会同意，由艺术品唤起的特殊感情是存在的。” 其实这些观点已很明白地透露出了克莱夫·贝尔的观点，即艺术品的形式因素与人类情感之间的同构关系，从艺术美学发展的文脉历程来分析，这种观点多少受当时风靡美学界的阿恩海姆的“格式心理学”的影响，而克莱夫·贝尔只是在阿恩海姆的基础上将同构理论中的美的形式因素落实在了艺术形式的层面上而已。而20世纪著名的符号学美学家苏珊·朗格也对艺术与情感的关系做了更深层次的探索与研究，她最大的贡献在于给艺术下了一个明确的定义：艺术即人类情感符号的创造。这个命题是极具开创性意义的。苏珊·格朗认为，艺术符号具有表现情感的功能，表现性是一切艺术的共同特征，所谓艺术是人类情感符号的创造，就是说艺术是对人类情感本质的反映，而这种反映是以人类符号出现的，而在20世纪抽象主义艺术大行其道，从实践的方面印证了艺术形式与情感之间的内在联系。
而在中国传统艺术美学中，在魏晋南北朝之前，艺术功能论的重要观点即“诗言志”也就是讲艺术的重要功能是抒发主观意志，而在魏晋南北朝时，钟嵘在《诗品》中首先提出“诗缘情而绮靡”，这一提法是突破性的，昭示了中国艺术由“言志”转向了情感的抒发与表现。而唐代孔颖达在《五经正义》中说：“在己为情，情动为志，情志一也。”直接将中国古代美学的两个范畴“情与志”做了等同化的解释。同时宗炳在《画山水序》中提出了“畅神”论，王微在《叙画》中提出了“望秋云神飞扬，临春风思浩荡”的美学观点，这些观点共同构成了南北朝美学的脉络，丰富了中国古代艺术美学的精神和文化建构。而在音乐理论方面，嵇康在其音乐美学名著《声无哀乐论》中认为，音乐是自然的产物，本身并不包含哀乐的情感，即“声音自当以善恶为主，则无关于哀乐。哀乐自当以情感，则无系于声音”。这样的命题初看似乎是在讲声音与情感关系的割裂与疏离，然而如果我们详加考察就会发现，嵇康不是认为两者毫无关系，而是认为，音乐虽不直接与哀乐相关，却是存在于人的内心的，“夫哀心藏于苦心内，遇和声而后发”，而从这个角度看，声音与情感是有着直接的沟通渠道与内在联系的。嵇康提出“夫殊方异俗，歌哭不同；使错而用之，或闻哭而欢，或听歌而感。然而哀乐之情均也。今用均之情，而发万殊之声，斯夫音声之无常哉？”可以看出他认识到了主体的本身。哀乐在欣赏音乐时所起的作用，即审美中主体本身的情感作用。而到了近代，鲁迅先生提出了“吭唷吭唷派”，这种肇端于劳动中情感宣泄的声音传达便可以定为早期的音乐表达，这种艺术的特质在现今的“信天游”粗犷、豪爽的乐音中还能看到文化的遗存。先生在其艺术功能的省思上，突出表现在美感教育，他的“以美育代宗教”学说对中国艺术教育的改革发挥了重要作用。艺术表达的主旨是抒感，音乐艺术以其独特的魅力实现着“乐教”的意义。
音乐艺术的宣教功能、精神功能与情感功能是进行人格完善的重要途径，是理想人格塑造的重要契机。从音乐教育的基本精神与内涵上看，贯彻音乐教育本质在于实现人的多元化发展及均衡发展，又可以实现社会和谐与稳定，具有多重的社会与教育意义。应该说，我国的音乐教育的开展尚不完善，各地区的发展也不均衡，在不少中小学以及高校中逐渐被边缘化，这种现象是值得警惕与反思的。一个和谐繁荣的社会需要信仰与伟大人格的力量，缺失信仰与理想的民族在当下快速变化的文化景观下是十分容易迷失的，只有树立我们的追求与理想，社会的发展才能找到方向和驱动力。音乐教育在这个历史进程中以精神的方式引领我们，而且弥合了在迷失的社会中人性的分裂。伟大的音乐可振奋一个民族，如《义勇军进行曲》与《马赛曲》，同时也可以使我们清醒意识到我们的历史责任，因此音乐教育的意义是多元性的。作为音乐教育者，我们每个人身上都是肩负历史责任的，通过我们对于音乐教育的社会意义与精神意义的比较与分析，我们应该可以看到音乐教育在当今树立大学生主流价值观和引导精神文明建设的重要价值，从而实现社会精神的不断丰富与发展，加速和谐社会的创建。
参考文献：
①杨荫浏.中国古代音乐史稿[M].北京：人民音乐出版社，2004.
②杨伯峻.论语译注[M].北京：中华书局，1980.
关键词：设计基础课程 素描 色彩 色彩构成 艺术的思维与表现
一、艺术设计基础教育课程现状
“据不完全统计，中国设立艺术设计专业的大专院校已经达到1400多所，每年毕业生数量约10多万人，面对如此庞大的发展数量，中国需要什么样的设计人才引起了我们的思索。我们一定要根据各院校特点，利用丰富的艺术资源，注重学生艺术素质的培养，注重学生本身的整体素质的培养，突出实验性与前瞻性。学生真正要适应社会，真正培养的实际上是他的心理要适应社会，而不是技术要适应社会，技术要高于社会。艺术设计专业学生首先接触到的几门基础课——素描、色彩以及色彩构成往往抹煞了艺术与设计的关系和培养有较强的个性表现力、创新能力、有前瞻性及较高的文化艺术素养这层功能。三门课程的教学实验改革，各校唯一的共同点是都强调造型和技术能力的培养。除去这两点外，还应教什么，目的何在？我认为这才是真正解决现存问题的关键。什么才是高于单一课程，贯穿艺术设计教育的本源问题？毋庸置疑，是艺术审美。艺术审美引领着艺术设计教育中一切要素的走向。所以，深刻意识到素描、色彩以及色彩构成课程除却造型、技法以及单一的色彩配比以外，还能通过“艺术的思维与表现”给设计专业的学生提供最直接的艺术审美训练的平台。而恰恰设计专业的学生的艺术思维与表现能力的高低，对能否实现现时代设计教育的目的与要求，起着至关重要的作用。上述三门基础造型课程，在全国各院校艺术设计专业的基础教学中体现为两大倾向：一种是强调“设计性”、理性化的教学，其弊病是缺乏对学生艺术审美修养的培养，容易养成学生肤浅的形式主义观念和漠视设计艺术性的匠人品位，对学生造型创新思维的培养仅停留在空洞的形式层面。二是脱离设计特殊性，强调造型表现的技术性，造成学生思维禁锢，审美僵化，使之较难与后续课程链接。两种倾向都容易导致课程内容偏缺与方法盲目。 “艺术视觉思维的训练”“艺术表现语言的审美体验”往往被忽略掉，恰恰这是设计专业学生理解设计与技术的关系、设计与艺术的关系、艺术设计与社会的关系的桥梁。这也理应是这些基础课课程所要承载的教学内容，而并非要到进入设计专业课程后才要做或才能做到的事。
二、领会艺术的思维与表现
世界上极具前卫地位的加利福尼亚艺术学院的研究生说：“花了这么多钱和时间，我们学到了如何思想。”这反映出美国艺术教育的重点是突出观念和思维，这也是西方现代艺术教育的重点。如何训练学生学会思想，成为西方现代艺术教育者研究的目标。在这样的背景下， 90年代开中国艺术教育界也因此开展了系列学术争鸣。中央美术学院由周至禹教授领军，率先对本部设计基础课程进行改革，并已成体系。强调设计的学科特点，围绕培养学生创意思维组织课程的建设。
众所周知，无论是国内还是国外，现代的艺术教育——尤其是设计教育，是极其强调“思维训练”的。而设计基础课同样强调“思维”训练，不同的是根据课程特点，偏重于对“艺术的思维”训练，而且是在“艺术的表现”过程中去领悟，以达到教学目的。整个过程中“艺术的”这个前缀非常重要，因为在整个设计教学体系中，没有哪门课能如此直接地把学生领入与 “艺术表现语言”对话的语境，并让学生迅速进入“艺术思维”的状态。在此过程中，老师对学生审美广度与深度的引领，很容易让学生步入一个全新的艺术审美高度，学生对造型以及 技法的理解不再是概念化的，而是个性化的。最终，达到作为艺术设计专业基础课程教育的全部教学目的。
三、教学的具体内容与方法
1.在“艺术的思维与表现”的体验过程中，强调艺术审美素养的训练。审美的觉悟需要通过感官对环境和客体的体验、思维对视觉的想象，最终由手准确地在载体上表达出来，观看、想象和构绘三者构成了视觉思维的全过程。根据所授基础课程的自身特点突破传统设计基础教学的单一思路，强调艺术设计基础教学的艺术与设计双重性，建立合理的教学目的、课程内容，以及与后续设计课程之间的良好衔接关系。有助于启发和引导学生创造性理解艺术与设计的关系。在掌握具象和抽象造型规律的基础之上注重学生的艺术审美素质的培养、艺术视觉思维能力的训练和艺术语言表现规律的体验，并通过基础课学习更深刻的认知和理解造型与色彩之间的高级和谐。最终实现学生艺术视觉洞察力与艺术思维创造力以及艺术语言表现力的和谐进化。
2.从目标式教学转型为过程性教学，更利于培养学生的艺术理解力、领悟力及艺术个性和创造力。周至禹教授在中央美院设计系实验教学丛书《过渡——从自然形态到抽象形态》中写道：“重要的仍然是过渡过程中的思维训练，用脑画画，启发心智，用创造性的设计思维探索造型要素的各种可能性，其意义甚过了局部作业的完整性。”
传统基础课是目标式教学方式，有碍学生感性认知的发生、发展。另外，主观心理色彩研究是色彩构成教学的重要内容。以往的教学实践，主要以手绘形式表现“色彩联想”和“采集重构”作业。其训练的单一性很难完成学生对色彩的真实感受和更高级透彻的理解。而“艺术的思维与表现”看重教学中的过程，对学生艺术审美素质和表现能力的培养，是通过启发视觉洞察力、开拓视觉思维想象力、体悟艺术表现语言这些阶段过程性课题实现的。异是萌发学生艺术个性和艺术创造力的原动力，过程性教学，更利于培养学生的艺术个性及创造力。
显然，培养学生的个性表现力、创新能力、及较高的文化艺术素养、社会责任感，是设计专业基础教学的最终目的。
【参考文献】
[1](德)约翰内斯·伊顿《色彩艺术》杜定宇 译 世界图书出版司 1999.6
[2](英)弗兰克·惠特福德《包豪斯》林鹤译 三联书店 2001.12
[3]视觉同盟网.中国艺术设计教育大型系列访谈专题， 2006.
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